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Arquivo de fevereiro, 2015

sábado, 28 de fevereiro de 2015 Análises, Notícias | 07:00

Sequências de “Alien” e “Blade Runner” geram boas perspectivas

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bladeHá quem acredite que não se deveria mais mexer na mitologia de “Alien”. Ridley Scott expandiu o universo que já rendera quatro filmes com “Prometheus” (2012), um filme que nunca atinge sua potencialidade, mas tampouco faz feio. Antes mesmo de “Prometheus”, que já tem sequência confirmada, já havia um zum zum zum em torno de um novo “Alien”. Ridley Scott estava cotado para dirigir caso a Fox aprovasse um novo filme. As coisas aconteceram meio por acaso. O cineasta sul-africano Neill Blomkamp (“Distrito 9” e “Elysium”) publicou em suas redes sociais artes conceituais que ele mesmo fizera para o caso de dirigir um filme da franquia. Poucas semanas depois, mais precisamente em 19 de fevereiro, a Fox anunciou que haveria uma nova sequência de “Alien” com Blomkamp na direção e Scott ocupando a produção executiva.

Corta para a noite da última quinta-feira (26). A Alcon Entertainment, que adquirira os direitos de “Blade Runner – o caçador de androides” (1982), em 2011, anunciou que faria uma sequência e que Harrison Ford reprisaria seu papel como Rick Deckard. A direção ficará a cargo do canadense Dennis Villeneuve, de “O homem duplicado”. Filme que certamente funcionou como a melhor das credenciais para Villeneuve.

Desde que comprou os direitos sobre “Blade Runner”, muito especulou-se que a Alcon estaria interessada em rodar uma prequela da trama do filme de 1982. Ridley Scott também atuará na produção executiva servindo como um consultor de luxo.

“Alien” e “Blade Runner” têm mais do que Ridley Scott em comum. São filmes revolucionários, na linguagem e na forma, e seminais na arquitetura de uma ficção científica mais independente e altiva.

Arte conceitual de Blomkamp para o novo filme da franquia "Alien"

Arte conceitual de Blomkamp para o novo filme da franquia “Alien”

Mais uma imagem da visão de Blomkamp para "Alien"

Mais uma imagem da visão de Blomkamp para “Alien”

Harrison Ford voltará a viver Rick Deckard, mas pode se desligar em definitivo de outro icônico personagem. Há uma onda de boatos ganhando cada vez mais força em Hollywood de que Steven Spielberg trabalha para dirigir uma nova versão de “Indiana Jones” com Chris Pratt (“Guardiões da galáxia”) como Indy.

Hollywood, como diriam as más línguas, não sabe largar o osso. Mas especificamente sobre os novos “Alien” e “Blade Runner”, as perspectivas são as melhores possíveis. Blomkamp é fã confesso dos dois primeiros filmes – o segundo foi dirigido por James Cameron – e já anunciou que seu filme deve desconsiderar os eventos das terceira e quarta produções. Blomkamp é um dos últimos nomes realmente promissores a emergir na cena da ficção científica e sua devoção à essência de “Alien” e especialmente o trabalho apresentado em “Distrito 9” são razões que fundamentam o otimismo.

Villeneuve é um dos diretores mais inventivos e inteligentes a ter pisado em Hollywood. Depois de ir ao Oscar com o drama canadense “Incêndios”, ele debutou no mainstream americano com o tenso e intenso “Os suspeitos” (2013), estrelado por Hugh Jackman como um pai à procura de sua filha sequestrada. Seu filme seguinte, “O homem duplicado”, uma adaptação de Saramago, versava sobre identidade – tema caro ao universo de “Blade Runner”.

Esses filmes não precisariam de novos desdobramentos ou capítulos, mas já que esse é um caminho inevitável no negócio do cinema, essas relíquias cinematográficas não poderiam ter sido entregues a melhores mãos.

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sexta-feira, 27 de fevereiro de 2015 Críticas, Filmes | 20:39

“50 tons de cinza” é um romance e, como tal, não decepciona

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É difícil resistir à tentação, mas uma análise séria de “50 tons de cinza” não pode observá-lo como uma obra sobre sexo. Em momento algum essa ambição existe no filme. Trata-se, portanto, de uma desonestidade intelectual. Não se trata também de uma comédia romântica como muitos tentaram incutir a respeito da produção, mas de um romance que se permite algum fetiche. Há romances ambientados no mundo corporativo, em redações de jornais, na Casa Branca e “50 tons de cinza” é um romance ambientado no universo do sadomasoquismo. É nesse contexto que o filme de Sam Taylor-Johnson deve ser avaliado.

A história desse primeiro volume é bem conhecida. Anastasia Steele (Dakota Johnson) é uma estudante de literatura inglesa tímida e virgem que depois de uma atrapalhada entrevista com o magnata Christian Grey (Jamie Dornan) para o jornal da faculdade, acaba entrando na mira desse homem de convicções fortes e gostos singulares.

Grey logo diz que não curte a rotina de um romance e, aos poucos, vai revelando uma libido poderosa. Ela, espantada a princípio, aceita o jogo de sedução proposto pelo bilionário e engata em uma relação cheia de restrições e novidades. Essa relação, assombrada por um contrato jamais assinado, vai revelando desafios para ambos.

É desse mundo de possibilidades entre o convencional e o desconhecido que “50 tons de cinza”, o filme, se resolve. Sam Taylor-Johnson, com o préstimo da roteirista Kelly Marcel, sofistica um texto amador e afere à obra um clima de sedução bastante envolvente. “50 tons de cinza”, porém, não é sexy. Um problema que talvez decorra do fato do estúdio objetivar um filme classificado para menores de 17 anos, mas que nem mesmo a nudez ocasional dos protagonistas é capaz de disfarçar. Os cortes no sexo dos protagonistas tão logo despidos são uma constante lembrança de que o filme se ressente em sexualizar-se. A ausência de sensualidade não compromete o bom fluxo do romance e Johnson é uma diretora perspicaz em exteriorizar os receios de Anastesia e conta com a boa atuação de Dakota Johnson para isso.

Mais sexo e menos sensualidade pautam "50 tons de cinza": ou seria o contrário?  (Foto: divulgação)

Mais sexo e menos sensualidade pautam “50 tons de cinza”: ou seria o contrário?
(Foto: divulgação)

Elegante e pomposo, a ausência de sensualidade do filme pode estar diretamente relacionada à atitude de Jamie Dornan em frente às câmeras. Sem entrar no mérito da questão da química com Dakota, bem ínfima, para registro, o ator parece confundir sisudez com charme; rigidez com apelo sexual. O trauma do personagem, submerso nesse primeiro volume, parece nortear a atuação de Dornan que promove um desencontro entre o filme e a essência de Christian Grey. Esse, talvez, seja o maior lapso narrativo de um filme erguido sobre expectativas conflitantes e que apresenta um resultado incrivelmente positivo em face de tamanha convulsão de mídia e interesses.

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Críticas, Filmes | 18:49

Eddie Redmayne afere alma ao encomendado “A teoria de tudo”

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Foto: divulgação

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Stephen Hawking é, por muitas razões, um personagem que merece tratamento pelo cinema. “A teoria de tudo” (Inglaterra, 2014) é, sob muitos aspectos, a mais encorpada e reverente elaboração a respeito do genial físico e astrofísico britânico, hoje com 73 anos de idade. O que torna o filme dirigido por James Marsh, de “O equilibrista”, potencialmente mais interessante é o fato de que Hawking (Eddie Redmayne) não é a figura central aqui. O interesse por ele é equalizado com o interesse por Jane (Felicity Jones), sua primeira mulher e muitos diriam o grande amor de sua vida e pela história de amor que os uniu por tantos anos.

Se essa estratificação tira de “A teoria de tudo” certa autoridade em evocar para si o rótulo de biografia ou mesmo de filme a respeito da obra de Hawking, afere méritos mais louváveis como o de humanizar um personagem que parecia destinado a suprir apenas à curiosidade mórbida das pessoas. Oferece, também, um insight valoroso sobre a vida conjugal de um casal de interesses e convicções muito distintos e unidos pela poderosa semântica do amor.

Baseado no livro de Jane Hawking, “A teoria de tudo” cobre basicamente do momento em que a relação de Jane e Stephen começou até o momento em que ela se metamorfoseou em uma amizade distante, mas acolhedora.

Muito bem dirigido, com uma trilha sonora envolvente e uma história francamente interessante por se desvelar, “A teoria de tudo” se beneficia enormemente do talento de Eddie Redmayne. É sua energia inesgotável e esfuziante que dá cor e tonalidade ao filme. A potência dramática de Redmayne em cena acaba por destacar as limitações da obra. É um daqueles casos em que o ator é maior que o filme.

Formulaico e caprichado, o filme só tem a ganhar com a opulência de seu protagonista. Esquivando-se das polêmicas e sutil na abordagem da passagem mais melindrosa do livro de Jane, quando a relação amorosa com Stephen ganha um terceiro vértice, “A teoria de tudo” parece talhado para agradar à primazia seus homenageados.

Não se trata de um filme inesquecível como outros feitos sobre gênios geniosos, mas de uma produção sofisticada por um ator disposto a inflexionar seu personagem, mas refém de uma direção incapaz de se desvencilhar das responsabilidades umbilicais.

Entre prós e contras, salva-se um filme delicado, não exatamente genuíno, mas capaz de provocar emoção na mesma medida em que flerta com a indiferença. Um ônus do caminho escolhido pela realização em que só Redmayne se solidifica como unanimidade para a audiência.

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Análises, Diretores | 17:09

Richard Linklater flerta com ideia de sequência para “Boyhood”. Bom ou mau sinal?

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boyO cineasta que recebeu diversos prêmios e foi um dos principais destaques da última edição do Oscar admitiu a possibilidade de rodar uma sequência de “Boyhood – da infância à juventude”. Trata-se de uma mudança de posição de Richard Linklater que antes negava com veemência a possibilidade de dar continuidade à história de Mason (Ellar Coltrane).

“Honestamente, nos primeiros seis meses após a exibição do filme, minha resposta para uma sequência era não”, disse ao programa de rádio do jornalista americano Jeff Goldsmith na última terça-feira. “Foram doze anos. A história era sobre a vida neste período da escola e ensino médio. Eu não tinha outra ideia em mente. Mas não sei se foi a combinação de sentir que esse processo chegou ao fim com o fato de ser muito questionado sobre uma sequência, que pensei: ‘bem, a fase dos 20 anos são de forte formação na vida de alguém’. É neste momento que você se torna alguém. Então admito que a ideia de continuar tem passado pela minha cabeça.”

O próprio Linklater reconhece não saber exatamente de onde vem esse anseio por dar sequência à trama de “Boyhood”. Se dele, do público, da crítica ou da indústria tão enamorados com o encanto do filme . Mas seguir com os personagens de “Boyhood” é bom ou ruim? Para Linklater talvez seja cômodo. Foram 12 anos dedicados a um projeto que rendeu muitos frutos e certamente, prospector do tempo que é, Linklater teria muito a observar nesta fase dos 20 anos de Mason. Ainda no papo com Goldsmith, o cineasta disse que se a ideia avançar, ele modificaria a estrutura vista em “Boyhood”. “Esse provavelmente seria mais acelerado”.

Leia também: Richard Linklater e a busca constante pela vanguarda no cinema

O que se coloca é que Linklater pode muito bem desenvolver essa observação, que além de pertinente é convidativa ao olhar de um cineasta tão interessado na forma como a passagem do tempo molda e redefine pessoas e relações, em outro contexto. Não à toa, o próprio dissera antes que seu próximo filme, “That´s what I´m talking about”, também sobre o universo juvenil, é uma continuação emocional de “Boyhood” e “Jovens, loucos e rebeldes”.

“Boyhood”, inevitavelmente, fala ao coração de Linklater. Ele fez, afinal, algo que se insere na vanguarda do cinema. Incrivelmente original, “Boyhood” não precisa de continuação. A magia daquele final tão eloquente, tão aberto às infinitas possibilidades da vida se dissiparia em uma produção que talvez até fosse boa, certamente seria hypada, mas que muito provavelmente diminuiria a potência do alcançado por Linklater.

Crítica: Tempo é parâmetro absoluto para epifanias de “Boyhood” 

É compreensível esse ensimesmamento tanto de Linklater como da crítica. “Boyhood” é singular e passa pela preservação dessa singularidade a manutenção de seu encanto.

Assista abaixo um vídeo que celebra a filmografia do cineasta

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quinta-feira, 26 de fevereiro de 2015 Notícias | 22:40

Primeira imagem de Eddie Redmayne em “The danish girl”

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Eddie Redmayne está sob os holofotes e depois de ser premiado com o Oscar por uma atuação cheia de fisicalidade em “A teoria de tudo”, no qual interpretou o físico Stephen Hawking, o ator inglês de 33 anos está gravando “The danish girl”, novo filme do diretor Tom Hooper, com quem já trabalhara em “Os miseráveis” (2012).

Na produção, a fisicalidade será novamente um eixo central na composição do ator que fará um homem que se submete à uma cirurgia para mudar de sexo.

O filme mostra a vida do pintor dinamarquês Einar Wegener que, em 1931, foi uma das primeiras pessoas a se submeter a uma cirurgia de mudança de sexo, tornando-se uma mulher e passando a se chamar Lili Elbe.  A estreia está prevista para 2016, mas a primeira imagem de Redmayne travestido foi liberada agora na esteira de sua semana vitoriosa.

(Foto: divulgação)

(Foto: divulgação)

Como curiosidade, fica o registro de que Nicole Kidman estava envolvida com o projeto e ela seria a protagonista enquanto a produção estava sob os cuidados do cineasta sueco Thomas Alfredson (“O espião que sabia demais”). Os direitos da produção, adaptado do livro de David Ebershoff, passaram por muitas mãos em Hollywood até pararem sob a guarida de Hooper e o projeto receber sinal de verde.

O belga Matthias Schoenaerts (“Ferrugem e osso”) e a americana Amber Heard (“Fúria sobre rodas”) completam o elenco da produção.

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Críticas, Filmes | 16:43

Eastwood flagra América combalida por meio de herói duvidoso em “Sniper americano”

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De vez em quando surge um filme cujo rótulo “incompreendido” precisa ser empregado. Há muito tempo, no entanto, não surgia um filme capaz de provocar debate tão acirrado e dominar a agenda cultural de um país, no caso os EUA, como “Sniper americano” (EUA, 2014).

O filme de Clint Eastwood foi majoritariamente percebido como uma peça de propaganda militar, um filme urdido sob  benção de uma América autoindulgente e conservadora. Há, também, quem enxergue um grave deslocamento de causa e efeito. Percebe raízes antibelicistas na narrativa desenvolvida por Eastwood, mas julga que essa narrativa coadunada com a trajetória de Chris Kyle, considerado o atirador de elite mais letal da história dos EUA, é contraproducente. Portanto, um erro de estratégia.

Chris Kyle em ação: polarização em torno do personagem serve aos propósitos de Eastwood (Foto: divulgação)

Chris Kyle em ação: polarização em torno do personagem serve aos propósitos de Eastwood
(Foto: divulgação)

Ambas as teorias falham miseravelmente. Clint Eastwood não faz uma defesa da guerra, tampouco se levanta contra ela, ele já foi mais enfático no quesito no díptico que dirigiu sobre a segunda guerra mundial (“A conquista da honra” e “Cartas de Iwo Jima”, ambos de 2006).  O cineasta também não objetiva repisar os efeitos da guerra em um homem, algo belamente registrado pelo cinema em filmes como “Amargo regresso” (1978) e “Guerra do terror” (2009), entre outros.

O que ele oferece é um estudo muito mais interior, robusto, complexo e sensível. Por isso mesmo foge à compreensão de muitos. Eastwood radiografa, por meio desse herói enviesado, uma nação em litígio consigo mesma. Imbuído de um patriotismo de cavidade, Chris Kyle (Bradley Cooper) parece se esforçar para manter consigo uma visão de que o mundo é preto no branco, refutando o cinza tão defendido na contemporaneidade –  e que outros personagens ao longo da narrativa parecem aceitar. Kyle virou Seal (membro da elite da marinha americana) por falta de propósito, mas a visão de mundo é fruto de uma educação embrutecida do pai, um típico caubói do Texas, articula Eastwood logo no começo da projeção.

Há algo por trás da obsessão de Chris Kyle pela guerra. O espectador pode especular se tratar da rivalidade silenciosa com o atirador de elite sírio que desafia seus números, o desejo de vingar o iraquiano disposto a colaborar com as tropas americanas que foi morto pelo açougueiro ou mesmo a vaidade de reforçar sua “lenda”, como é carinhosamente chamado pelos corredores da guerra.

Mas trata-se mais de uma visão de mundo rudimentar que se apresenta verborragicamente para a audiência em uma conversa entre Klye e sua esposa (Sienna Miller) logo após a leitura de uma carta deixada por um amigo morto em combate.

São nesses respiros dramáticos que Eastwood tece pequenos comentários sobre uma América remoída e fragmentada. Há uma outra cena em que Kyle encara uma televisão e ouvimos todo tipo de explosões e tiroteios para depois descobrirmos que a TV estava desligada.

Eastwood defende com momentos como esse que a guerra é algo que se retroalimenta. A cultura expressa por Kyle, que o filme sabiamente não defende, acusa ou redime, está viva na América e toda a reação ao filme é sintomática dessa condição.

Bradley Cooper, não menos que extraordinário, ajuda a dimensionar as angústias de seu personagem (Foto: divulgação)

Bradley Cooper, não menos que extraordinário, ajuda a dimensionar as angústias de seu personagem
(Foto: divulgação)

Temos outra cena em que Kyle ensina seu filho a caçar. Ele diz “É uma coisa e tanto interromper um coração”. O diálogo, como bem lembrou Luísa Pécora em sua excelente crítica sobre o filme, remete a uma fala de “Os imperdoáveis” em que o veterano vivido por Clint Eastwood diz que “é uma coisa e tanto tirar a vida de um homem”. A diferença é que Kyle não estava cansado dessa vida e desferiu a frase com o desejo e excitação de que seu filho logo soubesse o que é esse sentimento, enquanto que o desgostoso caubói vivido por Eastwood em “Os imperdoáveis” receava que seu aprendiz tivesse que cometer tal ato em breve.

A autorreferência, sutil como ela mesma, ajuda a entender a força de “Sniper americano” uma investigação doída, profunda e eloquente de um personagem que mimetiza uma visão de mundo, tida como decadente, mas ainda muito influente.

Passa por aí a pouca atenção dada à morte de Kyle, tão absurda e inglória que talvez merecesse um comentário mais febril. Eastwood não trata o fato como desimportante, mas evita aferir-lhe propriedade para que o norte de seu filme não seja deslocado. Não contava, é claro, que desentendessem seu filme de todo jeito.

Um último adendo deve ser feito à atuação de Bradley Cooper.  O ator reveste seu Kyle de camadas insuspeitas e sublinha com comedimento e astúcia dramática os recortes pretendidos por Eastwood. Seu Chris Kyle é um homem com uma visão unilateral do mundo. Aferrado a ela. Mas essa visão também tem seu preço. O ônus familiar e emocional, tão bem encampados no filme, o tornam mais familiar e permitem a confusão de muitos ao tomá-lo por um filme sobre “os efeitos da guerra em um homem”. Não que haja demérito aí e essa camada de “Sniper americano” é suficientemente satisfatória. Mas há muito além e Bradley Cooper é, para todos os efeitos, o fiador dessa desestabilizadora experiência que é “Sniper Americano”. Um Eastwood dos grandes, enfim!

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quarta-feira, 25 de fevereiro de 2015 Bastidores | 02:55

Os quatro segundos de tragédia de Michael Keaton

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Eddie Redmayne ganhou o Oscar. Michael Keaton merecia mais. A disputa pelo prêmio de melhor ator era a mais imprevisível entre as principais categorias do Oscar 2015. Keaton demonstrava muita ansiedade durante a cerimônia. Mascou nervosamente um chiclete ao longo de toda a festa. Quando Eddie Redmayne venceu, pudemos ver que de todos os intérpretes vitoriosos ele era o mais eufórico, um reflexo talvez dessa disputa acirrada com o ator de “Birdman”. O que não pudemos ver na hora, mas que viralizou e provavelmente aumentou a frustração de Michael Keaton, foi a reação do ator ao triunfo de Redmayne. O vídeo, que pode ser visto abaixo, mostra Keaton guardando seu discurso de aceitação do Oscar no bolso interno de seu blazer. Ele acusou o golpe!

Um momento amargo potencializado pela ressonância da internet.

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Críticas, Filmes | 01:05

Direção potente reforça discurso politizado de “Selma”

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Existem filmes que são impulsionados por sua importância histórica, é o caso de “Selma” (EUA, 2014) que reverbera um dos mais importantes episódios da cruzada de Martin Luther King Jr. pela igualdade e liberdade civis na década de 60.

Dirigido por Ava DuVernay com mão de ferro, “Selma” é um filme que está sendo contestado por suas imprecisões históricas, elas existem e não são poucas, mas uma forma mais amistosa de se olhar para o filme é reconhecer nele um ponto de vista muito forte.  O drama recria a tentativa de King liderar uma marcha entre as cidades de Selma e Montgomery, no estado sulista do Alabama – um dos mais segregacionistas da América de então. O filme acompanha esses bastidores, a resistência do governador George Wallace (Tim Roth) e a leniência do presidente Lyndon B. Johnson (Tom Wilkinson). É justamente esse retrato vilanizador de Johnson que tem sido bastante questionado. As costuras políticas eram naturalmente delicadas e Johnson precisava vencer muita resistência política para atender aos anseios dos negros. O anseio em relevo em “Selma” era o do direito ao voto, na prática sufocado por tabeliães larápios e racistas. King defendia uma legislação federal que derrubasse todas as restrições para que eleitores negros se registrassem. Johnson, na leitura do filme, hesitava em atender essa demanda que no entendimento de King bastaria uma canetada.

Um King humanizado, mas ainda extremamente cativante, surge em "Selma" (Foto: divulgação)

Um King humanizado, mas ainda extremamente cativante, surge em “Selma”
(Foto: divulgação)

Não se deve exigir de “Selma” pureza histórica, mas sim fidelidade aos fatos. Nesse aspecto, o filme é feliz. Não há distorções ou ilações, apenas a expressão contundente e vigorosa de um ponto de vista, discorde-se dele ou não. DuVernay fez um filme sobre um ícone americano, hoje louvado e incensado em todo o país, mas que nem sempre foi visto desta maneira. Seu filme começa com King aceitando o prêmio Nobel da Paz. A cineasta propõe com este recorte o seguinte raciocínio: Está aqui um homem que não deseja lutar contra o sistema, mas que tenta fazer com que este sistema seja mais justo, democrático e humano. É um raciocínio irresistível. Difícil de resistir também é o olhar que ela lança sobre King, interpretado soberba e emocionantemente por David Oyelowo. Um líder humano, falho, cheio de medos e abraçado a sua fé em Deus e no homem, o King que surge em “Selma” está longe do mito que muitos reverenciam, ainda que seja talhado para admiração. Nesse sentido, o filme desvia tanto King quanto Johnson do veredito histórico que receberam e essa constatação revela que as críticas ao filme por sua obtusidade histórica nada mais são do que  má vontade para com uma obra com um discurso tão forte e clamoroso por justiça social, algo que tanto nos Estados Unidos como no Brasil, ainda parece circunscrito ao sonho que King ousou sonhar.

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terça-feira, 24 de fevereiro de 2015 Análises, Bastidores | 06:21

Tom político dos discursos e prêmios da edição de 2015 são brisa da mudança no Oscar

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Há não muito tempo a coluna abordou um tema que parece interno demais à Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood. Parece e é; mas produz resultados diretos na forma como o cinema americano se posiciona e como o Oscar, enquanto instituição, se pronuncia. Não só em comunicados oficiais, mas também por meio de seus prêmios.  O post, que pode ser lido aqui, tratava da guerra fria travada entre as alas modernizante e conservadora da academia. Esse embate já ocorre há algum tempo e a cada ano se torna mais revelador e insidioso. Em 2015, enquanto muitos chiaram pela ausência de diversidade no Oscar, outro recorte permitia observar a liderança de duas comédias incomuns e incrivelmente originais na disputa pelo prêmio. Falamos, é claro, de “O Grande hotel Budapeste” e “Birdman”, que acabaram sendo também os campeões de Oscars com quatro troféus cada. O independente “Whiplash – em busca da perfeição” surpreendeu a muitos ficando logo atrás com três estatuetas.  Ora, é preciso parar um pouco e festejar o fato de que três filmes originais e independentes na alma e na embalagem foram os grandes destaques da 87ª edição dos prêmios da academia. O fato ganha ainda mais relevo se lembrarmos que haviam produções com “cara de Oscar” na disputa. Caso dos britânicos “A teoria de tudo” e “O jogo da imitação”. Há quatro anos, “O discurso do rei”, um filme bem menos azeitado do que “O jogo da imitação”, por exemplo, derrubou filmes muito mais criativos, inteligentes e cativantes como “Cisne negro” e “A rede social”.  Tanto o filme estrelado por Benedict Cumberbatch como o estrelado por Colin Firth eram distribuídos por Harvey Weinstein, considerado o grande gênio do marketing com vistas ao Oscar. Sinais dos tempos?

O reinado do Oscar de Lego: em uma cerimônia cheia de meas culpas, o  Oscar de Lego que surgiu logo depois da esnobada ao filme "Uma aventura Lego" foi um dos destaques (Foto: reprodução/Instagram)

O reinado do Oscar de Lego: em uma cerimônia cheia de meas culpas, o Oscar de Lego, que surgiu logo depois da esnobada ao filme “Uma aventura Lego”, foi um dos destaques
(Foto: reprodução/Instagram)

O mexicano Alejandro González Iñarritu levou três troféus na noite, como roteirista, diretor e produtor. Na terceira vez que subiu ao palco fez um discurso sobre os EUA serem um país construído por imigrantes e reverenciou os compatriotas mexicanos. Trata-se da segunda vitória de um cineasta mexicano consecutivamente na categoria de direção. Um americano não vence na categoria desde o triunfo de Kathryn Bigelow em 2010 por “Guerra ao terror”. O discurso foi ensejado por uma piada de Sean Penn, amigo do diretor e com que já trabalhara em “21 gramas”, envolvendo o green card do mexicano.

A internacionalização da academia pôde ser ratificada em outros prêmios. Reese Witherspoon, indicada ao Oscar como melhor atriz por “Livre”, lembrou ainda no tapete vermelho que eram 44 mulheres indicadas ao Oscar naquela noite. Se descontarmos as dez concorrendo em categorias de atuação, ainda eram 34. Um número bastante significante. Muitas delas venceram, como Laura Poitras, pelo documentário “Citizenfour”.

Leia também: Em cerimônia de desabafos e estranhezas, Oscar consagra metalinguístico “Birdman”

Há um movimento, ainda imperceptível para os olhos do espectador ocasional, nas entranhas da academia. Um movimento progressista, frise-se. E aí entram os discursos inflamados.

O triunfo de Dana Perry e Ellen Goosenberg Kent na categoria de documentário em curta-metragem (Foto: AP)

O triunfo de Dana Perry e Ellen Goosenberg Kent na categoria de documentário em curta-metragem
(Foto: AP)

Não se dissipou a sensação de que entre os principais indicados havia pouca diversidade. E Neil Patrick Harris acertou sua única piada logo em sua primeira fala mirando no elefante na sala. Patricia Arquette veio de caso pensado. Sabia que ia ganhar e como fizera em todas as premiações, sacou o papelzinho e vaticinou: “É nosso tempo de ter igualdade salarial e direitos iguais para as mulheres nos EUA”. Foi uma reação a percepção dominante de que a academia ainda é um clube do bolinha. Essa ala modernizante tem como característica esse desprendimento em insinuar-se. Arquette, como todo vencedor do Oscar, deve se juntar ao grupo. John Legend, Graham Moore, Iñarritu e toda a flana politizada da noite podem ser percebidos neste contexto. Assim como a própria vitória de “Birdman”, indo além no diagnóstico dessa ruptura nas hostes da academia. A julgar pelo número musical inicial, em que um histérico Jack Black esbravejou tudo que estaria errado com a Hollywood de hoje (os inúmeros filmes de super-heróis, inclusive), a homenagem aos 50 anos de “A noviça rebelde” e a própria celebração de “Birdman”, quando a academia dispunha de outros caminhos tão elogiosos e satisfatórios quanto à distinção ao filme de Iñarritu, pode-se dizer que há uma estafa mal resolvida, uma crise mal elaborada com os filmes de heróis. É como se a academia dissesse, precisamos pensar no que estamos fazendo. Por que não fazemos mais filmes como no passado?  “Birdman”, afinal, captura com esplendor essa crise de identidade. Hollywood precisa ser mainstream, mas há muito tempo que os estúdios não fazem filmes adultos inteligíveis que deem bilheteria. É bem verdade que neste ano tivemos dois. “O juiz” e “Garota exemplar”, ambos com presença reduzida no Oscar. A academia parece ressentir-se dessa ânsia toda por franquias milionárias e clama por novos “Scarface”, “Amadeus”, “Melhor é impossível”, etc.

Iñarritu, o grande nome do Oscar 2015 é do México: tendência de internacionalização e maior diversidade é irreversível  (Foto: AP)

Iñarritu, o grande nome do Oscar 2015 é do México: tendência de internacionalização e maior diversidade
é irreversível
(Foto: AP)

Como curiosidade, nove dos 20 atores indicados já marcaram presença ou estão vinculados a filmes de super-heróis. Vamos a eles: Edward Norton, Mark Ruffalo, Michael Keaton, Bradley Cooper, Emma Stone, J.K. Simmons, Benedict Cumberbatch, Felicity Jones e Marion Cotillard.

Este ano o Oscar voltou a perder audiência nos EUA. Os números caíram cerca de 15% em relação ao ano passado e a cerimônia foi a menos assistida desde 2009. A vitória de “Birdman”, sobre um ator que tenta desesperadamente conquistar relevância e obter reconhecimento, é uma sinalização para dentro e para fora. Representa, também, o ponto de convergência entre conservadores e modernizantes de que é preciso ir para algum lugar.

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segunda-feira, 23 de fevereiro de 2015 Análises, Críticas | 03:25

Em cerimônia de desabafos e estranhezas, Oscar consagra metalinguístico “Birdman”

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Em uma cerimônia com sérios problemas de ritmo, um host inseguro e pouco engraçado, mas com discursos emocionantes e um inesperado e acintoso tom político, a 87ª edição do Oscar reiterou algumas convicções que se enunciaram ao longo da temporada e consagrou “Birdman ou a inesperada virtude da ignorância” como a melhor produção de 2014. O filme de Alejandro González Iñárritu, que já era o favorito consumado, venceu os Oscars de filme, direção, roteiro original e fotografia. “Boyhood – da infância à juventude” acabou triunfando apenas na categoria de atriz coadjuvante com Patricia Arquette.

“O Grande Hotel Budapeste” prevaleceu nas categorias técnicas conquistando os Oscars de direção de arte, trilha sonora, maquiagem e figurino. “Whiplash” ficou com três Oscars (Montagem, mixagem de som e ator coadjuvante). Por um breve período, essas duas pequenas joias tão avessas a iconografia do Oscar dividiam a liderança em prêmios.

Foi uma noite estranha. A orquestra bem que tentou, mas não conseguiu intimidar o vencedor do Oscar de melhor filme estrangeiro, o polonês Pawel Pawlikowski por “Ida”, a interromper seu emocionado discurso de agradecimento. A famosa “musiquinha do Oscar” perdeu o respeito. Lady Gaga, por seu turno, mostrou uma voz poderosa em uma homenagem aos 50 anos de “A noviça rebelde”. Meryl Streep foi mais bem sucedida no teleprompter do In memoriam do que em “Caminhos da floresta”; a performance da canção “Glory” verteu lágrimas insuspeitas; Benedict Cumberbtach não fez nenhuma photobomb e Neil Patrick Harris foi um host bem menos feliz do que se poderia imaginar. Além, é claro dos discursos pró-minoria. Eles vieram de todos os lados. Patricia Arquette içou a bandeira do feminismo em seu discurso de agradecimento e deu a Meryl Streep a oportunidade de ter um meme para si. Graham Moore, vencedor do Oscar de roteiro adaptado por “O jogo da imitação” lembrou-se de quando quis se suicidar aos 15 anos por ser diferente e frisou que seu sucesso, seu momento, deve servir como exemplo e cunhou a hashtag “stay weird”. John Legend falou dos negros, Iñarritu dos mexicanos e essa é apenas a ponta do iceberg dos discursos de fundo político. E nem falamos ainda do vencedor de melhor documentário, “Citizenfour”.

Meryl vira meme...  (Foto: divulgação)

Meryl vira meme…
(Foto: reprodução/twitter)

Com tanta consternação, o cinema – principal elemento da noite e do bom número de abertura da cerimônia – parecia coadjuvar mais do que nunca na cerimônia. Apesar desta impressão, trata-se de uma das edições mais justas do Oscar nos últimos anos. Não houve nenhuma clamorosa injustiça e “Birdman”, que fez a academia agregar os prêmios de direção, filme e roteiro pela primeira vez desde 2011, era, de fato, o melhor entre os concorrentes a melhor filme. A última vez que o melhor foi eleito o melhor foi em 2008, quando os Coen triunfaram com “Onde os fracos não têm vez”.

A vitória de “Birdman”, como a coluna já aventava, reflete o status quo não só da indústria, mas da própria academia. Hollywood se sustenta com as franquias milionárias, mas se embevece com filmes relevantes como os que tenta reunir nesta noite de gala. A busca por relevância é, também, do Oscar coadunado cada vez mais com o cinema independente. “Birdman” é cinema de colhões, corajoso, como bem definiu Michael Keaton e sua vitória também deve ser celebrada neste contexto, não só pelo que ela diz sobre a academia e o momento de Hollywood.

Se a noite foi de Iñarritu, que ganhou pessoalmente três Oscars, o mesmo não se pode dizer de Richard Linklater e Wes Anderson que pessoalmente não ganharam nenhum dos troféus a que concorriam.

Vitória de "Birdman": filme de colhões  (Foto:AP)

Vitória de “Birdman”: filme de colhões
(Foto:AP)

A opção por Eddie Redmayne em detrimento de Michael Keaton reitera, não somente a força do sindicato dos atores, como a percepção de que enquanto colegiado, a academia ainda não está preparada para se desligar de certos cacoetes como o da “performance de Oscar”, padrão que também valeu o triunfo de Julianne Moore (“Para sempre Alice”) entre as atrizes.

Se a cerimônia dá bastante margem para discussão – certamente foi uma das mais decepcionantes em muitos anos, o resultado em si não pode ser muito contestado. Com poucas surpresas, a 87ª edição do Oscar cumpriu o que prometia e consagrou pelo terceiro ano em quatro, uma produção que fala sobre o show business (“O artista” em 2012 e “Argo” em 2013 foram as outras). Viva a terapia assistida!

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