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sexta-feira, 2 de maio de 2014 Filmes, Notícias | 00:03

Cinco filmes imperdíveis em maio

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O mês de maio costuma acomodar alguns dos principais lançamentos do cinemão americano. Blockbusters recheados de efeitos especiais e cheios de ambição nas bilheterias como “X-men: dias de um futuro esquecido” e “O espetacular Homem-Aranha 2: a ameaça de Electro”. O Cineclube faz a peneira e destaca cinco filmes que valem o ingresso. Tem espaço para blockbuster, filme nacional, filme de arte e até filme grego.

“Godzilla”

Bryan Cranston e Aaron Taylor-Jonhson em cena do filme (Foto: divulgação)

Bryan Cranston e Aaron Taylor-Jonhson em cena do filme (Foto: divulgação)

Quando estreia? 15 de maio

O hype: O rei dos monstros está de volta. A nova produção da Warner tem como principal ambição apagar a má impressão deixada pela versão de 1998, dirigida por Roland Emmerich e estrelada pelo improvável Matthew Broderick. Além do mais, o filme chega exatas seis décadas depois da primeira aparição do monstrego no cinema.

Por que assistir? O elenco é de encher os olhos e para reunir um time que tem Ken Watanabe, Juliette Binoche e Bryan Cranston, o roteiro tem que ser bom. Além do mais, os efeitos especiais são de arrasar.

“Praia do futuro”

(Foto: divulgação)

(Foto: divulgação)

Quando estreia? 15 de maio

O Hype: Novo filme do elogiado cineasta brasileiro Karim Aïnouz, diretor dos ótimos “O céu de Suely” e “O abismo prateado”. O filme integrou a seleção oficial do festival de Berlim e tem o ator Wagner Moura no que o próprio classificou como “o  papel mais difícil” de sua carreira.

Por que assistir? Donato (Moura) é salva-vidas em uma praia do Ceará. Depois de resgatar um turista alemão de um afogamento, ele se apaixona e muda para a Alemanha. A trama acompanha o irmão dele (Jesuíta Barbosa) tentando se reaproximar e entender suas escolhas. O filme se passa maiormente em Berlim, cidade em que Aïnouz escolheu para viver.

“Miss violence”

(Foto: divulgação)

(Foto: divulgação)

Quando estreia? 29 de maio

O Hype: O filme grego foi recebido no último festival de Veneza, de onde saiu com quatro prêmios, como a mais aterradora interpretação da crise financeira que assolou a Grécia.

Por que assistir? Um dos filmes mais violentos e paradoxais a ter surgido no cinema moderno. Essa é avaliação do New York Times para o drama cuja ação é desencadeada pelo suicídio de uma menina de 11 anos no dia do seu aniversário.

 

“O passado”

(Foto: divulgação)

(Foto: divulgação)

Quando estreia? 8 de maio

O Hype: Trata-se do novo filme de Asghar Farhadi, diretor do premiadíssimo “A separação”. Em “O passado” ele retoma o espinhoso tema das relações conjugais sob a ótica da divergência cultural.

Por que assistir? A argentina radicada na França Bérénice Bejo ganhou a Palma de Ouro de melhor atriz no último festival de Cannes. A crítica internacional saudou o filme como uma grande realização de um diretor sensível e obstinado.

“Sob a pele”

(Foto: divulgação)

(Foto: divulgação)

Quando estreia? 15 de maio

O Hype: Scarlet Johannson faz uma alienígena que, entre outras coisas que faz para entender os humanos, seduz homens, faz sexo com eles e os devora. Sim, esse é o filme em que ela aparece totalmente nua.

Por que assistir? Outro filme saído de festival e com uma ambição nada comum: entender o que é que nos faz humanos.

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quarta-feira, 30 de abril de 2014 Fotografia | 22:53

Confira cartazes estilosos de “Godzilla”

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“Godzilla” está de volta aos cinemas e tudo indica que em um lançamento como ele, o maior monstro do cinema (que o King Kong nos desculpe) merece. O lançamento do filme valerá algumas postagens aqui no blog ao longo do mês de maio e a primeira destaca alguns dos cartazes mais estilosos feitos para o filme. Entre o material destacado estão os cartazes promocionais e pôsteres alternativos feitos por fãs. O filme será lançado mundialmente em 15 de maio.

(Fotos: Divulgação e Home of alternative posters)

(Fotos: Divulgação e Home of alternative posters)

Godzilla - 2

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Godzilla - 7

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terça-feira, 29 de abril de 2014 Análises, Bastidores, Diretores | 21:52

Diretores que foram do indie ao cinemão

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Marc Webb, diretor de “O espetacular Homem-aranha 2: a ameaça de Electro”, também responsável pelo primeiro filme, anunciou há pouco tempo que não dirigirá o quarto filme. Isso mesmo. O quarto filme. O segundo nem sequer foi lançado e já se fala do quarto filme. É assim mesmo em Hollywood. Mas a razão para Marc Webb pôr a carroça na frente dos bois é de que ele é um dos egressos do cinema independente a serviço do cinema mainstream, aquele bancado pelos grandes estúdios. Webb tem a esperança de que agora, com mais cacife, possa bancar projetos mais autorais, como aquele que o pôs no mapa, “500 dias com ela” (2009). Comédia romântica indie para lá de alternativa e geek que marcou época no fim da década passada. A Sony queria justamente essa pegada nerd, mas cheia de ternura para o reboot do Homem-Aranha e desde então, Marc Webb joga no “time dos vendidos” do cinema americano. Esse time é constituído por cineastas surgidos no cinema independente que logo romperam a fronteira e foram trabalhar sob as asas dos estúdios.

Marc Webb em entrevista promocional do novo "Homem-Aranha"  (Foto: reprodução/Internet)

Marc Webb em entrevista promocional do novo “Homem-Aranha” (Foto: reprodução/Internet)

O filme mais visto no último fim de semana nos Estados Unidos foi “Mulheres ao ataque” (no Brasil, previsto para 08/05), comédia estrelada por Cameron Diaz que é uma das apostas da Fox para essa temporada pipoca. Na cadeira de diretor, Nick Cassavetes. O caso de Cassavetes é ainda mais emblemático dessa mudança de paradigma. Ele é filho do ator e cineasta John Cassavetes, um dos maiores expoentes do cinema independente americano. Entre trabalhos como ator e diretor, Nick sempre flertou com o cinemão; é dele, por exemplo, o meloso “Diário de uma paixão” (2002). Mas seus melhores trabalhos foram feitos às margens dos estúdios (“Loucos de amor” e “Um ator de coragem”, para citar dois exemplos).

Outra atração em cartaz nos cinemas de todo mundo atualmente é “Divergente”, adaptação da obra de Veronica Roth. Seu diretor, Neil Burger,também se fez no cinema independente com os bem azeitados “O ilusionista” (2006) e “Gente de sorte” (2008). “Divergente” é seu segundo filme de estúdio. O primeiro foi o thriller jeitosinho “Sem limites” com Bradley Cooper e Robert De Niro.

Grife a serviço do cinemão

Quentin Tarantino continua fazendo filmes tarantinescos.  Filmes que só ele pode fazer. Mas o homem que revitalizou o cinema independente americano em 1994 com “Pulp Fiction – tempos de violência” migrou para o cinemão. Seus últimos dois longas-metragens foram financiados por poderosos estúdios. “Bastardos inglórios” (2009) foi parcialmente bancado pela Universal, enquanto que “Django livre” (2012) foi inteiramente produzido pela Sony.

Outros dois cineastas com tiques narrativos bastante reconhecíveis seguiram o mesmo caminho de Tarantino. Paul Greengrass, diretor do premiadíssimo “Domingo sangrento” (2002), era uma aposta arriscada para sequência de “A identidade Bourne” (2002), mas depois do que ele fez com “A supremacia Bourne” (2004), redefinindo a maneira de se filmar a ação no gênero que mais movimenta as bilheterias no cinema, Greengrass jamais voltou a trabalhar fora do circuito de estúdios, ainda que faça filmes sérios e adultos como “Voo United 93” (2006) e “Capitão Phillips” (2013).

Guy Ritchie quase pôs fim a sua carreira durante o casamento com a pop star Madonna. Uma carreira que causou sensações com apenas dois filmes, “Jogos, trapaças e dois canos fumegantes” (1998) e “Snatch – porcos e diamantes” (2000), mas reinventou-se como o homem por trás do Sherlock Holmes vivido por Robert Downey Jr. em dois filmes divertidos, mas bem aquém de seu talento.

Quentin Tarantino no set de "Django Livre": o mesmo, mas amplificado (Foto: divulgação)

Quentin Tarantino no set de “Django Livre”: o mesmo, mas amplificado (Foto: divulgação)

 

Neil Burger dirige Shailene Woodley em "Divergente": pelo prazer de fazer um filme pop (Foto: Divulgação)

Neil Burger dirige Shailene Woodley em “Divergente”: pelo prazer de fazer um filme pop (Foto: Divulgação)

 

Guy Ritchie entre Jude Law e Robert Downey Jr.: maneirismos do cinema independente a serviço de blockbusters (Foto: Divulgação)

Guy Ritchie entre Jude Law e Robert Downey Jr.: maneirismos do cinema independente a serviço de blockbusters (Foto: Divulgação)

Ser ou não ser mainstream?

“Os suspeitos” (1995) e “O aprendiz” (1998) são dois dos filmes mais inventivos da década de 90 e ambos são dirigidos por Bryan Singer, de todos dessa lista, o que “se vendeu” mais cedo. Sem Singer, esse novo “Homem-Aranha” de Webb não estaria por ser lançado. O homem fez “X-men: o filme” em 2000 e salvaguardou o posto de mídia a ser explorada pelo cinema para as HQs da Marvel, até então vítimas de uma espécie de maldição.

Em 2014, Singer lança um novo filme da franquia mutante e parece não ter saudades dos tempos de cinema independente.

Com Darren Aronofsky, que tem seu “Noé” fazendo algum barulho nos cinemas de todo mundo, o dilema parece mais profundo.

O diretor exibiu extremo talento nos filmes “Pi” (1998) e “Réquiem para um sonho” (2000). Eram filmes pesados, narrativamente densos, mas visualmente incríveis. Não demorou para um estúdio apostar nele. A Warner até tinha considerado seu nome para dirigir “Batman begins”, mas problemas pessoais o impediram de assumir o projeto. Aí surgiu um certo Christopher Nolan, outro que se fez no cinema independente…

Mas a Warner não estava disposta a desistir de Aronofsky e liberou algo em torno de U$ 50 milhões para ele fazer “A fonte da vida”, uma ficção existencialista. O filme, fracasso retumbante, não rendeu nem U$ 10 milhões e Aronofsky, por baixo, voltou ao cinema independente. Fez com recursos escassos o tocante “O lutador” (2008) e ganhou o leão de Ouro em Veneza. Pelo trabalho seguinte, “Cisne negro” (2010), foi indicado ao Oscar de diretor.  O filme protagonizado por Natalie Portman rendeu inesperados U$ 106 milhões nos EUA e Aronofsky voltou a ser sondado por estúdios. A Fox o contratou para dirigir “Wolverine: imortal” (2013), mas ele brigou com o estúdio porque queria ter a palavra final sobre o corte (montagem que vai para os cinemas) e acabou fora do projeto, que seria dirigido por James Mangold. A Paramount, no entanto, abarcou sua ideia para “Noé” e bancou a produção que consumiu cerca de U$ 130 milhões. Não foram poucas as desavenças entre estúdio e diretor durante as filmagens. Aronofsky parece disposto a atuar no cinemão, mas sem abrir mão da alma indie. Esse pode ser o pior dos mundos.

Darren Aronofsky bate um papo com Russell Crowe no set de "Noé": entre a cruz e a espada no tocante à liberdade criativa (Foto: Divulgação)

Darren Aronofsky bate um papo com Russell Crowe no set de “Noé”: entre a cruz e a espada no tocante à liberdade criativa (Foto: Divulgação)

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Diretores | 17:50

Richard Linklater e a busca constante pela vanguarda no cinema

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O diretor americano Richard Linklater (Foto: Getty)

O diretor americano Richard Linklater (Foto: Getty)

Richard Linklater tem dois Ursos de Prata conquistados nos festivais de Berlim de 1995 e 2014. Talvez seja pouco. Talvez a distância entre os prêmios, ele foi indicado a muitos outros (inclusive o Oscar) no ínterim, denuncie um diretor que rejeita rótulos. Linklater é americano, tem 53 anos e faz filmes “fora da caixa”. Além da trilogia que celebra a DR (discussão de relação), constituída por “Antes do amanhecer “(1995), “Antes do pôr- do- sol (2004) e “Antes da meia-noite” (2013), são seus “Waking life” (2001) – uma animação pasteurizada com cenas filmadas sobrepostas a uma película que imita a textura das animações flash, “Escola de rock” (2003), “Nação Fast Food: uma rede de corrupção” (2006) e “Bernie – quase um anjo” (2011).

Linklater fez um híbrido de animação e live-action em um momento em que as animações digitais ainda se estabeleciam (“Sherk” é do mesmo ano de “Waking life”), fez um filme denúncia sobre um dos maiores prazeres do americano médio, o fast food, e colocou Jack Black nos anais da cultura pop como o despirocado professor do neoclássico “Escola do Rock”.

O maior feito desse cinquentão, no entanto, foi destrinchar uma história de amor por três décadas. “Antes do amanhecer”, em que dois jovens se apaixonam em uma noite de muita conversa e imaginação em Viena , surgiu de uma noite em que passou na companhia de uma estranha. Os outros dois filmes surgiram do esforço conjunto com os atores Ethan Hawke e Julie Delpy em fazer história. Enquanto um quarto filme do casal mais verdadeiro do cinema não vêm, Linklater lança o que então se revela seu projeto mais ambicioso. “Boyhood”, ainda sem nome em português, mas que significaria algo como “juventude de um menino”, foi rodado ao longo de 12 anos com um punhado de atores, entre eles o chapa Ethan Hawke, e tem como objetivo o monitoramento do crescimento desse menino (Ellar Coltrane).  O filme valeu o segundo prêmio de direção a Linklater em Berlim e intriga pela proposta estética complexa e de difícil execução.

A ideia de documentar, mas não deixar de fazer ficção não é exatamente nova. No Brasil, o cineasta João Jardim, que lança o drama “Getúlio” nesta semana, já experimentou com certo êxito essa abordagem em “Amor?”, em que colocava histórias reais de agressões passionais para serem narradas por atores profissionais como Eduardo Moscovis, Ângelo Antônio e Júlia Lemmertz. Mas o que Linklater propõe é mais radical. É uma experiência cinematográfica totalmente nova ao fundir a literalidade do tempo aos registros ficcional e real.

Os atores se reuniam apenas uma semana por ano para gravar. Como suas experiências de vida agregavam ao roteiro? Até que ponto os personagens foram influenciados por essas efêmeras reuniões? Essas respostas só quando do lançamento do filme, que permanece sem uma data definida para chegar aqui ao Brasil, mas o trailer nos encanta com as divagações suscitadas.

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segunda-feira, 28 de abril de 2014 Fotografia | 22:20

Robert Downey Jr. posta foto do elenco de “Os vingadores 2” em Londres

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O ator compartilhou com seus seguidores no Twitter o registro feito no domingo à tarde durante uma reunião informal com equipe e elenco de “Os Vingadores 2: a era de Ultron”. É possível identificar na foto,  além do intérprete de Homem de ferro, o ator Chris Hemsworth (Thor), Scarlett Johansson (Viúva negra), Samuel L. Jackson (Nick Fury) e o diretor e roteirista Joss Whedon.

(Foto: reprodução internet)

(Foto: reprodução internet)

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domingo, 27 de abril de 2014 Atores | 19:08

Andrew Garfield, além de Peter Parker

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(Foto: reprodução Instagram)

(Foto: reprodução Instagram)

Muita gente torce o nariz para essa nova versão do Homem-Aranha, cujo segundo filme (“O espetacular Homem-Aranha 2 – a ameaça de Electro) estreia na próxima quinta-feira. Mas há um aspecto dessa reimaginação do universo aracnídeo que foge à polêmica. A adequação de Andrew Garfield ao personagem. Tanto ao Aranha, com seu corpo esguio, como a Peter Parker.  A essência do personagem, nerd, introvertido e inseguro, já havia sido capturada por Tobey Maguire, mas Garfield é mais orgânico ao frisá-la, ainda que seu Peter  Parker seja mais seguro de si e jeitoso do que a concepção clássica do personagem, mais respeitada na versão do diretor Sam Raimi que tinha Maguire como protagonista.

Andrew Garfield tem 30 anos, mas não se deixe enganar pela cara de moleque e aparência franzina. O intérprete de Peter Parker é um ator muito ambicioso. Assumir o risco de viver o Homem-Aranha quando ninguém queria um novo ator vivendo o herói é um reflexo dessa ambição e o fato de ter convencido público e crítica em um filme que não fez o mesmo prova que Garfield tem talento e carisma a ofertar além do que o rostinho bonito entrega.

A primeira vez que o ator chamou a atenção foi no drama com fortes cores liberais (e ainda mais forte na postura contra a invasão americana no Iraque, então em pleno vapor) “Leões e cordeiros” (2007), de Robert Redford. Ele fazia um estudante brilhante, mas aparentemente pouco interessado com os rumos de sua vida profissional e da política de seu país. O professor vivido por Redford tenta incutir alguma consciência política no rapaz, mas esbarra em seu cinismo.

O ator em cena de "Leões e Cordeiros": primeira impressão acima da média

O ator em cena de “Leões e Cordeiros”: primeira impressão acima da média ( Foto: divulgação)

O papel, mais difícil do que parece, ajudou Garfield a conseguir outro papel relevante em um filme de inegável ambição artística, “O mundo imaginário do doutor Parnassus” (2009), que acabou ficando popular por se tratar do último filme estrelado pelo saudoso Heath Ledger, cuja participação fora completada pelos atores Johnny Depp, Colin Farrel e Jude Law.

O trabalho o colocou na mira de David Fincher que o escalou para o papel mais desafiador de sua carreira, o do co-fundador do Facebook Eduardo Saverin em “A rede social” (2010). Era o personagem mais difícil do filme e Garfield conseguiu preenchê-lo com as exatas doses de carisma, contradição e coração. No mesmo ano, estrelou o pequeno ( em orçamento e visibilidade, mas grande em qualidade) “Não me abandone jamais”, uma mescla ousada de drama existencial e ficção científica hardcore e provou ser capaz de segurar um filme dramaticamente.

Ainda em 2010, ele foi anunciado com o novo intérprete do Homem-Aranha. Era um caminho sem volta para o estrelato, mas também uma oportunidade de fisgar melhores trabalhos, receber propostas para filmes que, talvez, não chegariam a ele sem o Homem-Aranha em sua vida. Um desses trabalhos é “Silence”, novo filme de Martin Scorsese, previsto para 2015, em que o ator será protagonista. No filme, ele viverá um padre jesuíta que vai ao Japão investigar acusações de perseguição religiosa.

Garfield nos bastidores de "O espetacular Homem-Aranha 2": uma carreira muito bem conduzida ( Foto: divulgação)

Garfield nos bastidores de “O espetacular Homem-Aranha 2”: carreira muito bem conduzida ( Foto: Splash News)

Não é o caso de supor que Garfield porá fim à lucrativa, elogiada e premiada parceria entre Scorsese e Leonardo DiCaprio, mas os dados estão rolando e Garfield tem fome.

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sábado, 26 de abril de 2014 Bastidores | 20:19

O que aconteceu com as loiras do cinema?

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Marilyn Monroe não foi apenas uma das grandes mulheres do cinema. Foi, talvez, a maior atriz loira a já ter existido. Pelos excessos, pelo talento, pela mitologia erguida sobre si, pela volúpia, pela sensualidade e por muitas outras razões.

Marilyn é, por toda essa conjuntura, uma personagem fascinante que já rendeu inúmeros livros, filmes, peças, coleções de moda e toda sorte de postulação artística.

A última encarnação de Marilyn Monroe no cinema foi em “Sete dias com Marilyn” (2011), em que a diva foi vivida pela ótima atriz Michelle Williams (“O segredo de Brokeback Mountain” e “Namorados para sempre”).  Michelle tangenciou Marilyn magnificamente e foi indicada ao Oscar pelo papel.

Marilyn Monroe (à esq) e Michelle Williams que a interpretou em "Sete dias com Marilyn" (Foto: reprodução)

Marilyn Monroe (à esq) e Michelle Williams que a interpretou em “Sete dias com Marilyn” (Foto: reprodução)

A estreia do drama britânico baseado nos livros “The prince, the showgirl and me” e “My week with Marilyn”, ambos de Colin Clark, postergaram a produção de outro drama biográfico sobre a estrela. “Blonde”, do diretor neozelandês Andrew Dominik já tinha, no entanto, sua Marilyn e ela atendia pelo nome de Naomi Watts.

O filme, baseado no livro homônimo de Joyce Carol Oates, vai ser produzido por Brad Pitt, em alta como produtor após conquistar o Oscar de melhor filme com “12 anos de escravidão”, e terá Jessica Chastain como protagonista. A atriz, que é ruiva, é uma das maiores sensações em Hollywood. Surgiu em “A árvore da vida” (2011), em que contracenava com Pitt, e em três anos esteve em mais de dez produções, todas muito bem de público e crítica.

Mas a razão da escolha de Chastain pode estar menos relacionada a seu flagrante talento e mais ao marasmo criativo pelo qual atravessam as loiras hollywoodianas. Naomi Watts, atriz gabaritada, vem de um fracasso retumbante com outra biografia; a da princesa Diana. Esse revés seguramente pesou na mudança de tom dos produtores. Jessica Chastain, por sua vez, já foi indicada ao Oscar vivendo uma loira em “Histórias cruzadas” (2011).

A ruiva número 1 de Hollywood, Jessica Chastain, vai viver a loira de todas as loiras do cinema ( Foto: divulgação)

A ruiva número 1 de Hollywood, Jessica Chastain, vai viver a loira de todas as loiras do cinema ( Foto: divulgação)

 

Jessica Chastain, loira, em "Histórias cruzadas" (foto: divulgação)

Jessica Chastain, loira, em “Histórias cruzadas” (foto: divulgação)

 

Margot Robbie será Jane no filme que a Warner prepara sobre Tarzan: a próxima aposta loira? (Foto: divulgação)

Margot Robbie será Jane no filme que a Warner prepara sobre Tarzan: a próxima aposta loira? (Foto: divulgação)

A australiana Margot Robbie, que causou alvoroço no início do ano com sua participação em “O lobo de Wall Street”, ainda não tem cacife suficiente para segurar uma produção tão dependente da protagonista como “Blonde” será.

Atrizes como Charlize Theron, Reese Witherspoon, Diane Lane, Uma Thurman, Sharon Stone e Michelle Pfeiffer  ou vivem o ocaso de suas carreiras ou lutam para readquirir a confiança de produtores e estúdios em suas habilidades em liderar um filme com gosto pela complexidade. Scarlett Johansson, a loira mais popular da atualidade no cinema americano, ainda tenta se desvencilhar do status de boazuda e estrela dois filmes em 2014 (“Lucy” e “Sob a pele”) que ironicamente podem reforçá-lo.

Uma atriz ruiva interpretar um ícone da loirice, no entanto, pode agitar algumas placas tectônicas em Hollywood e possibilitar um contra-ataque loiro. Estamos observando!

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quinta-feira, 24 de abril de 2014 Análises | 19:20

Reflexão sobre o uso da nudez no cinema

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Kate Winslet posa para Leonardo DiCaprio em cena de "Titanic" (Foto: divulgação)

Kate Winslet posa para Leonardo DiCaprio em cena de “Titanic” (Foto: divulgação)

No filme “Era uma vez eu, Verônica”, de Marcelo Gomes, há a investigação de uma personagem em crise existencial. Hermilia Guedes se entrega à personagem que experimenta sexualmente como forma de se validar social e emocionalmente. Expor-se pela arte não é exatamente uma novidade para a atriz, nem para o cinema pernambucano que com produções tão díspares como “Tatuagem” (2013), “Baixio das bestas” (2007), entre outros, cristaliza a nudez como ferramenta narrativa valiosa.

Essa apropriação do corpo do ator pode ser vista em filmes recentes como “Azul é a cor mais quente” (2013), “Shame” (2011) e “Ninfomaníaca” (2013). Em todas as produções, a nudez total se justifica pela escrutinação da rotina, pela exposição absoluta do íntimo dos personagens (radicalizada pela exibição física), e pelo fato de que os conflitos intrínsecos à narrativa se alimentam dessa exposição e oxigenam a percepção do espectador.

Abdellatif Kechiche filma a nudez de suas protagonistas em “Azul é a cor mais quente”, filme que causou comoção por exibir sexo homossexual sem concessões, com o vigor com que filma suas protagonistas comendo, brigando, amando. A passionalidade do registro é justamente o maior encantamento do filme.

Já em “Shame”, a exposição é artesanal. Steve McQueen, que este ano disputou o Oscar com “12 anos de escravidão”, tem formação nas artes plásticas e utiliza o corpo como elemento primário de seu discurso. Nesse contexto, a verdade em “Shame” só se anuncia pela exposição. É uma opção estética corajosa, principalmente, se considerarmos que há mais tolerância à nudez feminina do que à masculina. Prova disso é que Michael Fassbender recebeu muitos prêmios por sua excelente atuação como um homem viciado em sexo, como a Copa Volpi de melhor ator no festival de Veneza de 2011, mas ficou de fora do Oscar. Já Kate Winslet, atriz que assume sua nudez com desenvoltura em filmes diversos como “Titanic” (1997), “Fogo sagrado (1999) e “O leitor” (2008), foi laureada por este último com o prêmio da Academia.

Michael Fassbender em "Shame": atuação corajosa (Foto: divulgação)

Michael Fassbender em “Shame”: atuação corajosa (Foto: divulgação)

Em “Ninfomaníaca”, o sempre provocador Lars Von Trier, mecaniza o sexo e a nudez, nesse sentido, os corpos nus obedecem a essa visão deserotizada pretendida pelo cineasta.

Justificando a nudez

Em “Titanic” (1997), por exemplo, a nudez de Kate Winslet era necessária? Existe uma sedução em curso quando sua Rose posa para o Jack de Leonardo DiCaprio. Exibir seu corpo é partilhar com o expectador o erotismo que visita os personagens. James Cameron conduz a situação com muita elegância e apresenta uma cena de sexo à altura do engajamento romântico pretendido; e pudica na medida em que o tamanho do filme permite.

O pôster original de "Sob a pele", ficção científica em que Scarlett Johansson aparece totalmente nua. O último trailer do filme causou comoção nas redes sociais

O pôster original de “Sob a pele”, ficção científica em que Scarlett Johansson aparece totalmente nua. O último trailer do filme causou comoção nas redes sociais

Em filmes de terror a nudez é um paliativo para os hormônios exaltados.  Faz parte da rotina do gênero, um dos primeiros a romper os embargos formais e informais do cinema americano quanto ao tema. Na verdade, o gênero é moralista e os desavergonhados costumam ser punidos.

Esse moralismo, que vem primeiro do público, confina a nudez, pelo menos em sua plenitude, ao cinema dito de arte. O que não implica dizer que a nudez não seja escravizada por interesses comerciais. O próprio marketing de certos filmes explora isso. O ator Pedro Cardoso, mais conhecido por seu trabalho como Agostinho em “A grande família”, provocou grande comoção na mídia especializada em 2008 ao ler o “manifesto contra a nudez”, em que criticava o fato de diretores de cinema banalizarem o uso da nudez e exigirem que atrizes se despissem em cenas que, na avaliação dele, dispensariam tal ato. Toda a classe artística reverberou o episódio, mas não houve grandes desdobramentos práticos.

Tanto no Brasil como no mundo, o cinema continua palco para a nudez publicitária, aquela que não tem outro fundamento que não o embotamento do produto. A nudez como chamariz de público, no entanto, está longe de ser o único subterfúgio manipulado por estúdios e diretores de cinema, mas a consternação que provoca é reveladora da moral dúbia com que nos relacionamos com o tema.

O uso ou não da nudez em um filme é uma decisão do diretor e a nudez deve estar justificada no contexto da fita. Um bastidor de “Closer- perto demais” (2004), grande filme sobre o fluxo e complexidade das relações amorosas, atesta essa perspectiva. Há uma cena em que a personagem de Natalie Portman faz um strip-tease para o personagem de Clive Owen em uma boate. Mike Nichols, o diretor, filmou a nudez de Natalie Portman com direito a um demorado close no sexo da atriz. Na pós- produção, conversando com ela, decidiu que o close não era necessário na cena; que esta cumpria seu propósito sem essa exposição por parte da atriz. A própria Natalie Portman viria a se expor nua mais adiante em filmes como “Cisne negro” (2011) e no curta-metragem “Hotel Chevalier” (2007).

Para favorecer o contraponto, há no filme “Em transe” (2013), de Danny Boyle, o nu frontal da atriz Rosario Dawson. No filme, que versa sobre hipnose e crime no mundo das artes, a justificativa para a exposição do sexo da atriz reside no fato desta ser elemento chave para o acionamento da memória de um dos personagens. Há, portanto, uma valiosa função narrativa nessa nudez. Reforçada, é claro, por uma convicção estética que então é compartilhada com o público.

Natalie Portman e Clive Owen em uma das cenas mais matadoras de "Closer": a nudez da atriz desviaria a atenção dos diálogos recheados de dor e ironia (Foto: divulgação)

Natalie Portman e Clive Owen em uma das cenas mais matadoras de “Closer”: a nudez da atriz desviaria a atenção dos diálogos recheados de dor e ironia (Foto: divulgação)

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