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quarta-feira, 4 de junho de 2014 Análises, Atores | 22:08

Tom Cruise reina na ficção científica, mas isso é suficiente para o ex-rei de Hollywood?

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Tom Cruise e Emily Blunt em imagem promocional de "No limite do amanhã"

Tom Cruise e Emily Blunt em imagem promocional de “No limite do amanhã”

Foi um fim de semana incomum nas bilheterias brasileiras. Havia dois grandes blockbusters em estreia e uma comédia nacional cheia de potencial de bilheteria, além de filmes grandes em cartaz como “Godzilla” e o mais recente “X-men”. Em outros tempos, porém, esses fatores não seriam suficiente, ou mesmo relevantes, para apartar Tom Cruise do topo das bilheterias. Seu novo filme, “No limite do amanhã”, não perdeu apenas para “Malévola”, produção da Disney estrelada por Angelina Jolie, perdeu também para “X-men”, que já estava em exibição nos cinemas há uma semana, e para o nacional “Os homens são de Marte… e é para lá que eu vou”. Ou seja, o filme poderia muito bem ser estrelado por Jay Courtney, ator sem expressão alguma, e debutar em quarto lugar nas bilheterias brasileiras.

“No limite do amanhã” estreia nos cinemas americanos na próxima sexta-feira e seu fim de semana de estreia será decisivo para os rumos da carreira de Tom Cruise. Nenhum ator do primeiro escalão aposta tanto na ficção científica atualmente como ele e há uma razão para essa fidelidade. Desde o final dos anos 90, Cruise viu-se afastado do topo de Hollywood. Processo que foi acelerado desde que pulou no sofá de Oprah Winfrey.

Tentou comprar os direitos do Homem de ferro da Marvel, mas esbarrou nos embrionários planos da empresa em se configurar em um valioso estúdio de cinema. Assumiu o controle de um estúdio, a United Artists, na tentativa de revigorar o selo – surgido na era de ouro de Hollywood – e sua carreira, mas filmes como “Operação Valquíria” (2008) e “Leões e cordeiros” (2007) não deram muito certo e a United Artists faliu em 2008.

Não se dando por vencido, Cruise recuperou a franquia “Missão impossível” e teve um alento. O quarto filme, lançado no fim de 2011, tornou-se o mais lucrativo da série com quase U$ 700 milhões arrecadados internacionalmente, e um dos pontos altos da carreira de Cruise.

O ator em cena de "Minority Report - a nova lei": união com Spielberg rendeu melhor ficção da  1ª década do século XXI

O ator em cena de “Minority Report – a nova lei”: união com Spielberg rendeu melhor ficção da 1ª década do século XXI

Cruise tentou emplacar outra franquia de ação com “Jack Reacher: o último tiro”, lançado em 2012, mas o filme não arrecadou o que se esperava. Cruise ainda tenta conseguir o aval da Paramount, estúdio com o qual já teve contrato exclusivo, para um segundo filme, mas está difícil.

Ator que também produz seus filmes, Cruise é conhecido por ser extremamente profissional e perfeccionista. Disse certa vez ao semanário The Hollywood Reporter que resistia à febre de adaptações em quadrinhos porque não queria relacionar a marca Tom Cruise ao que entendia ser um hype passageiro.  Vale lembrar que ele tentou comprar os direitos do personagem Homem de ferro, mas isso foi muito antes do personagem ganhar a notoriedade que goza hoje.

A marca Tom Cruise foi buscar guarida na ficção científica. Com Cameron Crowe, seu diretor em “Jerry Maguire – a grande virada” (1996), rodou o primeiro filme de sua carreira com tendências para a ficção científica. “Vanilla Sky” (2001) era o remake de um filme espanhol complexo, obscuro e pouco visto. Não foi a estreia dos sonhos no gênero, mas a incursão seguinte colocaria os pingos nos is. Cruise aliou-se ao grande cineasta do século XX, Steven Spielberg, para fazer a melhor ficção científica do início do século XXI. “Minority Report – a nova lei” (2002), adaptado de um conto do papa do gênero Philip K. Dick, colocava Cruise como um policial em um futuro em que os culpados pelos crimes eram detidos antes de cometerem os crimes em questão. O filme foi grande sucesso de público e maior ainda de crítica e fez com que Cruise e Spielberg se reunissem para uma versão cascuda de “Guerra dos mundos” (2005), de H.G Wells. O filme não era tão bom quanto se esperava que fosse, mas foi um hit mesmo assim.

Depois do filme, Cruise foi gerenciar a United Artists, o que não deu certo, e acabou voltando à ficção em 2013 com “Oblivion”. Um projeto selecionado pelo ator, assim como foi o diretor da fita, Joseph Kosinski, de “Tron – o legado”.

Cruise e seu diretor em "Oblivion", Joseph Kosinski, no set do filme: exercício de controle

Cruise e seu diretor em “Oblivion”, Joseph Kosinski, no set do filme: exercício de controle

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

“No limite do amanhã” é a segunda ficção científica consecutiva de Tom Cruise. Dirigido por Doug Liman, dos bons “A identidade Bourne” (2002) e “Sr. & Sra. Smith” (2005), o filme não é apenas uma aposta de Cruise no gênero. É uma aposta de Cruise de que, no gênero certo e com o devido cuidado, ele pode fazer frente a franquias milionárias adaptadas de obras juvenis, games e HQs.

Escolado na batalha pela sobrevivência nesse campo de batalha que é o cinemão, e com o reinado na ficção científica cada vez mais frágil, Cruise já prepara o retorno de séries conhecidas. O quinto “Missão impossível” já está em pré-produção e deve ser lançado no fim de 2015 e o segundo “Top Gun” vai mesmo acontecer, mesmo com a morte de Tony Scott (o diretor do filme original suicidou-se em meados de 2012).

O topo de Hollywood já não é mais um sonho possível. Tom Cruise parece brigar para continuar sendo viável nas bilheterias, quando tudo parece apontar o contrário.

Tom Cruise e Emily Blunt: Em "No limite do amanhã", o ator cede mais espaço a sua co-protagonista  (Fotos: divulgação e Getty)

Tom Cruise e Emily Blunt: Em “No limite do amanhã”, o ator cede mais espaço a sua co-protagonista
(Fotos: divulgação e Getty)

 

 

 

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segunda-feira, 2 de junho de 2014 Diretores, Notícias | 22:34

Edward Snowden pode ser a senha para Oliver Stone recuperar a relevância artística

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O ex-analista da NSA, Edward Snowden será tema do novo filme de Oliver Stone (Foto: AP/Guardian)

O ex-analista da NSA, Edward Snowden será tema do novo filme de Oliver Stone (Foto: AP/Guardian)

Entre o fim dos anos 80 e a primeira metade dos anos 90 não havia cineasta mais significativo, temido e ousado do que Oliver Stone. Fortemente liberal, esse americano nascido em Nova York dirigiu alguns dos filmes políticos mais ácidos produzidos nos EUA no período. Mirou na guerra do Vietnã (“Platoon” e “Nascido em quatro de julho”, na sociedade de consumo (“Assassinos por natureza”) e nas teorias conspiratórias (“JFK – a pergunta que não quer calar”).

Já faz mais de vinte anos que Oliver Stone não consegue se notabilizar a não ser pela polêmica fácil e simples. Das cinebiografias dos presidentes americanos, Bush foi o último pincelado por ele no dispensável “W” (2008), à recriação do drama da queda das torres gêmeas pela perspectiva de dois bombeiros que ficaram sob os escombros do World Trade Center, “As torres gêmeas” (2006), Stone acostumou-se a ser uma sombra do cineasta que foi um dia.

Depois de produzir e dirigir uma série documental para a tv americana em que conta uma versão alternativa para muitos fatos que marcaram a história americana, intitulada “The Untold history of The United States”(2012-2013), Stone prepara um retorno em grande estilo. Ele irá dirigir um filme sobre Edward Snowden, o homem cuja complexidade para defini-lo desafia articulistas políticos e jornais em todo o mundo.

Oliver Stone orienta o ator Josh Brolin, caracterizado como Bush, em "W" (Foto: divulgação)

Oliver Stone orienta o ator Josh Brolin, caracterizado como Bush, em “W” (Foto: divulgação)

Stone, de acordo com a revista Variety, está escrevendo o roteiro do filme que será baseado no livro “The Snowden files: The inside story of the World´s most wanted man”, do jornalista Luke Harding.

O livro é considerado um thriller cinemático e tudo indica que Stone irá se beneficiar dessa lógica narrativa. Em suas incursões pelo mundo financeiro, fez dois filmes sobre os bastidores de Wall Street, Stone apropriou-se desse ritmo de thriller para contar uma história sobre os pilares e fundamentos do capitalismo. A ideia é evocar o clima de “JFK – a pergunta que não quer calar”, já que Snowden é um personagem que favorece teorias conspiratórias.

Fazer um filme sobre um dos personagens mais controvertidos do novo século, Julian Assange, Mark Zuckerberg e Steve Jobs seriam outros, mas já tiveram seus filmes, pode ser a redenção que Stone tanto busca como cineasta.

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sábado, 31 de maio de 2014 Filmes, Listas | 22:40

Cinco filmes imperdíveis nos cinemas em junho

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Não é um mês, digamos, dos mais prolíferos em matéria de cinema. Estúdios e distribuidoras cientes de que neste mês de junho a Copa do Mundo reinará absoluta, não programaram grandes lançamentos para o período. Mesmo assim, o Cineclube deu uma peneirada geral e destaca cinco belos lançamentos do mês. Tem espaço para filme teen, produção nacional multipremiada, adaptação de José Saramago e filme francês.

 

“O lobo atrás da porta” (Brasil, 2013)

(Fotos: divulgação)

(Fotos: divulgação)

Filme brasileiro que coleciona prêmios festivais afora, a fita dirigida por Fernando Coimbra e estrelada por Milhem Cortaz (“Tropa de elite”) e Leandra Leal (“Mato sem cachorro”), nas palavras da Variety, revista americana especializada em entretenimento, “é um suspense intrigante e extremamente inteligente”. Curioso? A trama mostra um triângulo amoroso como estopim do sequestro de uma criança no Rio de Janeiro. Exibido em diversos festivais fora do Brasil, “O lobo atrás da porta” é considerado o filme brasileiro mais surpreendente desde “Cidade de Deus” (2002).

Estreia em 05/06

“O amor é um crime perfeito” (França, 2013)

O amor é um crime perfeito

 

Representante francês da lista é daqueles que faz jus à fama dos filmes franceses. Um professor de literatura conquistador, vivido por Mathieu Amalric (“007 – Quantum of Solace”) recebe a visita da mãe de uma das alunas que levou para a cama. A pegadinha é que a menina desapareceu. Entre o thriller e o drama, o filme vai revelando suas camadas.

Estreia em 19/06

 

“Vizinhos” (EUA, 2014)

Film Title: Neighbors

Dos mesmos produtores de “É o fim”, um dos filmes mais descolados e engraçados dos últimos tempos, esta comédia protagonizada por Seth Rogen (“Ligeiramente grávidos”) e Zac Efron (“Obsessão”) chegou fazendo barulho nos EUA. Rogen faz um pai de família que se muda para um subúrbio aparentemente ideal. A paz de sua família, no entanto, é ameaçada pela algazarra dos vizinhos, literalmente um clube do bolinha dos mais endiabrados.

Estreia em 19/06

 

O homem duplicado (EUA, 2013)

O Homem duplicado (1)

Filme do mesmo diretor do tenso e complexo “Os suspeitos”, uma das boas surpresas do ano passado nos cinemas, essa adaptação da clássica obra de Saramago traz Jake Gyllenhaal como um professor de história com fortes tendências depressivas. Um dia, vendo um filme, ele descobre uma pessoa idêntica a ele. A partir daí, fica obsessivo em descobrir tudo sobre essa pessoa.

Estreia em 19/06

“A culpa é das estrelas” (EUA, 2014)

A culpa é das estrelas

 

Trata-se da adaptação cinematográfica de um grande sucesso da literatura infanto-juvenil. Adaptado do livro de John Green, que por sua vez foi lançado em 2012, o filme acompanha a luta de Hazel (a encantadora e ascendente Shailene Woodley) contra um câncer e como a perspectiva do amor muda toda a sua percepção sobre si e sobre a vida.

Estreia em 05/06

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sexta-feira, 30 de maio de 2014 Críticas, Filmes | 22:56

Espaço Cult – “Ela” ressalta valor de se viver emoções

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HerTheodore (Joaquin Phoenix) escreve cartas de amor. Elas não precisam ser necessariamente de amor, mas clientes que precisam de cartas de amor compõem a clientela básica do Beautifulletters.com. Sabemos que estamos em uma ficção científica porque em um futuro próximo, bizarramente e melancolicamente parecido com o nosso presente, as pessoas escrevem cartas, mesmo que paguem alguém para escrevê-las. Theodore leva jeito com as palavras; sabe transmitir sentimentos que não sãos seus com ternura e docilidade. No entanto, Theodore não consegue organizar satisfatoriamente seus sentimentos. Do tipo solitário, sua situação é agravada pela dificuldade que ele apresenta de superar o término de um relacionamento longo e significativo. Na verdade, Theodore não sabe exatamente se sente falta de Catherine (Rooney Mara) ou de quem ele era com ela.

Theodore é daqueles que confiam à tecnologia vigente as miudezas da vida. É seu sistema operacional quem escolhe as músicas que ouve, lhe apresenta as notícias do dia, a previsão do tempo, entre outras coisas. Quando um novo sistema operacional, com a promessa de ser mais intuitivo e ajustável à personalidade do dono é lançado, Theodore, como um geek em todo o seu esplendor, logo compra a novidade. Depois de algumas perguntas, as quais Theodore pouco contribui com respostas, Samantha emerge com a voz rouca, sensual e abrasadora de Scarlett Johansson.

A partir daí se estabelece uma dinâmica que aos poucos vai evoluindo para uma relação amorosa. A maneira como Jonze tece essa história de amor nada convencional é tão imaginativa como sensível. À medida que Samantha vai dominando não só os pensamentos como o cotidiano de Theodore, ele, a princípio, se sente renovado. Com o tempo, no entanto, ele começa a divagar sobre a natureza de seu sentimento por Samantha e se há, de fato, um futuro para eles.

No mundo criado por Jonze, os relacionamentos entre humanos e sistemas operacionais estão ficando populares e há até quem se ofereça como uma espécie de cupido moderno para dar corpo a uma relação incorpórea. Quando isso acontece com Samantha e Theodore, “Ela” (2013) atinge um nível de sensibilidade em sua proposta maior que a vida.

A principal razão de ser desse belo, dolorosamente romântico e profundamente poético filme de Spike Jonze é conjecturar sobre a incrível necessidade humana de se conectar. Ela é tão forte que se pluga até mesmo ao que não for real. Não se trata de uma crítica a esse tempo de hiper-conectividade (um tipo de conexão totalmente diferente, afinal), ainda que essa crítica possa ser apreciada em um dos muitos subtextos do filme.

Amar é não racionalizar, racionaliza Jonze com uma amargura que paradoxalmente faz “Ela” soar ainda mais doce. É particularmente saboroso constatar que “Ela” é uma resposta mais complexa, mais doída e mais bem urdida a “Encontros e desencontros” (2003), de Sofia Coppola. Sofia e Jonze foram casados e as coisas não deram muito certo. Essa DR cinematografia, com Scarlett Johansson como uma espécie de hiperlink torna os dois filmes especialmente significativos para toda uma geração de cinéfilos.

Theodore conhece Samantha: o rosa, os bigodes e as calças caquis dão o tom do futuro

Theodore conhece Samantha: o rosa, os bigodes e as calças caquis dão o tom do futuro

 

Scarlett Johansson com Bill Murray em Encontros e desencontros: DR cinematográfica   (Fotos: divulgação)

Scarlett Johansson com Bill Murray em Encontros e desencontros: DR cinematográfica (Fotos: divulgação)

Por falar em trunfos, Joaquin Phoenix segue desafiando convenções. O ue esse monstro da atuação não é capaz de fazer? Totalmente entregue a um personagem difícil, hermético e em um tom totalmente diferente de tudo que já fizera como ator, Phoenix é o coração de “Ela”. Sem ele, o filme talvez não se conectasse (conceito tão importante na narrativa de Jonze) com a audiência.

Morfologias à parte, “Ela” é relevante por abordar o status quo de toda uma geração de maneira tão bela e suave. Fluindo entre o humor e o drama, Jonze faz um filme solar que sabe se alimentar da tristeza. Um filme especialmente eloquente para quem quer que já tenha amado.

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Curiosidades, Fotografia | 19:40

Artista imagina filmes de sucesso com astros diferentes

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Todo mundo gosta de imaginar como teria sido aquele filme se ator X estivesse no lugar do ator Y. O artista digital Peter Stults tomou algumas liberdades nesse exercício de imaginação e cinefilia e criou cartazes com filmes que marcaram época como “Pulp Fiction – tempo de violência” e “Cães de aluguel”, ambos de Quentin Tarantino, ou sucessos recentes como “Gravidade” e “Trapaça”, filmes que estiveram na última edição do Oscar.  E se Al Pacino encarnasse Wolverine em uma versão setentista do filme? Meryl Streep faria melhor que Sandra Bullock perdida no espaço?  Peter o´Toole faria melhor que Michael Fassbender como o advogado ganancioso de “O conselheiro do crime”? E se “Trapaça” tivesse sido feito nos anos 70? Quais seriam os protagonistas? Dê asas a sua imaginação!

"X-men: dias de um futuro esquecido"

“X-men: dias de um futuro esquecido”

 

"Ajuste de Contas"

“Ajuste de Contas”

 

"O conselheiro do crime"

“O conselheiro do crime”

 

"Cães de aluguel"

“Cães de aluguel”

 

"Pulp Fiction"

“Pulp Fiction”

 

"Gravidade"

“Gravidade”

 

"Trapaça"

“Trapaça”

 

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quinta-feira, 29 de maio de 2014 Filmes | 23:07

Revisitando os clássicos: “Os bons companheiros”

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Martin Scorsese orienta Robert De Niro e seu elenco nos sets de "Os bons companheiros"  (Fotos: divulgação)

Martin Scorsese orienta Robert De Niro e seu elenco nos sets de “Os bons companheiros”
(Fotos: divulgação)

É interessante rever essa atemporal obra-prima de Martin Scorsese depois de assistir sua mais recente, “O lobo de Wall Street”. Interessante porque os filmes se comunicam estética, narrativa, estrutural e tematicamente. É perceptível para qualquer um com alguma familiaridade com a filmografia do septuagenário cineasta que seu mais recente sucesso, indicado a cinco Oscars, remete a “Os bons companheiros” tanto no desenvolvimento dos personagens, em ambos os casos boêmios com síndrome de Peter Pan, como na crítica a um universo em particular. Se em “Os bons companheiros” Scorsese discorre com propriedade ímpar sobre o mundo do gangsterismo, em “O lobo de Wall Street”, sua lupa está voltada para o mundo de excessos de Wall Street.

Essa sobreposição favorece o cinema de Scorsese que parece ainda mais azeitado com o passar do tempo.

É seguro dizer, independentemente de se ter visto “O lobo de Wall Street” ou não, que “Os bons companheiros” é o filme de gangster mais importante do cinema moderno. Não só estabeleceu os parâmetros que seriam utilizados em filmes como “Jogos, trapaças e dois canos fumegantes” (1998) e séries como “Família Soprano” (1999-2007), como desconstruiu o fascínio que o cinema entre as décadas de 30 e 70 ajudou a erguer em torno do universo gangster com belos filmes noir, como os estrelados por Humphrey Bogart. O universo eminentemente masculino é dominado por Scorsese com todo o rigor que se espera de um cineasta crítico e prolixo em sua arte.

No filme, baseado no livro “Wiseguy” de Nicholas Pileggi, Henry Hill (Ray Liotta) narra toda a sua trajetória pela vida de gângster. Vida esta que sempre cortejou. “Ser gângster era melhor do que ser presidente da República”, contextualiza logo em suas primeiras digressões para a audiência. O tom confessional se justifica próximo ao fim da fita, em mais uma agradável similaridade a “O lobo de Wall Street” e faz todo o sentido, já que é a perspectiva de Henry daquele universo tão particular que interessa à realização.

Henry é um anfitrião valoroso para o olhar da audiência. Cativante e charmoso e aparentemente menos errático do que seus amigos Jimmy (papel de Robert De Niro, em sua então quinta colaboração com Scorsese) e Tommy (Joe Pesci em performance premiada com o Oscar).

Henry é um narrador charmoso que, assim como a plateia, se espanta com o universo que adentra

Henry (Ray Liotta, no centro) é o narrador que, assim como a plateia, se espanta com o universo que adentra

O mais interessante é que a violência em sua singularidade atroz surge banalizada na concepção cotidiana de homens que se julgam os donos do mundo. Esse choque de realidade, embora vitime o protagonista em dado momento, não irá demover sua visão encantada do universo que habita, apenas lhe provocar uma nostalgia agridoce quando do momento de apartar-se dele.

É essa crueza na análise, ainda que flerte com o cinismo cá e lá, que faz desse exemplar distinto na cinematografia de Scorsese um filme tão lapidado, tão eloquente.

Visualmente, “Os bons companheiros” também é riquíssimo. Há cenas pensadas para o impacto. Seja um assassinato relativamente inesperado ou a maneira como uma manhã em particular na vida de Henry é desvelada.

A violência faz parte dessa lógica visual em rompantes brutais que tornam toda a narrativa muito mais grave.  Joe Pesci, nesse sentido, é peça chave. Seu Tommy é dinamite pura e imprevisível e Pesci grifa essa característica de seu personagem sempre que tem a oportunidade.

“Os bons companheiros” era o Scorsese mais em carne viva, mais sagaz e mais cinematográfico que se tinha até o surgimento de “O lobo de Wall Street”. Pode-se dizer até que era o seu último grande filme, no sentido de ser superlativo mesmo. As semelhanças entre ambas as produções, que não são poucas, não restringe a experiência cinematográfica, mas a expande. Rever “Os bons companheiros” é, neste contexto, redescobri-lo por completo.

Ray Liotta, Robert De Niro, Paul Sorvino, Martin Scorsese e Joe Pesci: os bons companheiros

Ray Liotta, Robert De Niro, Paul Sorvino, Martin Scorsese e Joe Pesci: os bons companheiros

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Curiosidades | 19:02

Pôster de “Sin City: a dame to kill for” é censurado nos EUA

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A Motion Picture Association of America (MPAA), entidade formada pelos principais estúdios dos EUA e que regulamenta a distribuição de filmes no País, vetou a circulação de um cartaz do filme “Sin City: a dame to kill for” por exibir a atriz francesa Eva Green de maneira muito sensual. Não é a primeira vez, e provavelmente não será a última, que o MPAA faz censura. O pôster, no entanto, já ganhou a internet e você pode conferi-lo abaixo.

“Sin City: a dame to kill for” chega aos cinemas brasileiros em 11 de setembro.

Sin city -poster 1

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segunda-feira, 26 de maio de 2014 Críticas, Filmes | 23:25

“Godzilla” explora signos de potência e vulnerabilidade

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Não é apenas a disposição de se apropriar de eventos trágicos reais, como a bomba atômica sobre Hiroshima, ou o mais recente tsunami, para legitimar seu desenvolvimento narrativo que distingue a mais recente versão de “Godzilla” tanto de seus antecessores, como da média do blockbusters da temporada. O que difere fundamentalmente a fita de Gareth Edwards, inspirado e seguro à frente de sua primeira produção de grande orçamento, é sua habilidade de problematizar a vulnerabilidade humana no mesmo compasso em que destaca a potência e força maiores que a vida de Godzilla, finalmente retratado como a indomável força da natureza, ainda que em sua concepção fantástica, que é.

O prólogo de “Godzilla” é bem climático. Por um lado, mostra um pesquisador (Ken Watanabe) no encalço da mística criatura. Por outro, mostra o engenheiro Joe Brody (Bryan Cranston) perdendo a esposa (Juliette Binoche) em uma usina nuclear em Tóquio em uma catástrofe sísmica que por 15 anos ele questionaria.

No presente, somos apresentados a Ford Brody (Aaron Taylor-Johnson), o filho crescido de Joe e verdadeiro protagonista do filme. Ele se ressente do pai ausente, dedicado a provar uma teoria conspiratória que ocultaria as reais razões do terremoto que matou sua esposa. A partir desse mote, “Godzilla” vai construindo uma trama que independe dos anseios de vermos o rei dos monstros em ação. Há um drama familiar genuíno, mais bem estruturado do que de hábito em produções desse tamanho, e que oxigena a trama além do óbvio.

Godzilla: uma força devastadora e sempre impressionante (Foto: divulgação)

Godzilla: uma força devastadora e sempre impressionante (Foto: divulgação)

Há quem se queixe da demora de Godzilla em aparecer. Essa demora, se é que podemos qualificar o tempo que Edwards leva para mostrar sua principal atração de “demora”, é muito bem administrada narrativamente. “Godzilla” é um filme de clima, em que a ansiedade da plateia é muito bem alimentada pelo cineasta. Spielberg é uma referência muito forte neste sentido. Tanto “Tubarão” (1975) como “E.T” (1982) surgem como inspirações nada ocultas de Edwards. Passa por aí opção de frisar “Godzilla” como um herói incompreendido e também por observar o monstro a partir dos personagens em cena, excluindo-se o delirante e acachapante clímax da fita.

Essa atenção às miudezas, aliada a expressão inequívoca do gigantismo do Godzilla e das ameaças que ele enfrenta no planeta, confere à produção esse teor reflexivo que é vocalizado pelo personagem de Ken Watanabe de quando em quando.

Ken Watanabe dá relevância dramática a seu personagem, embora ele esteja ali só para explicar ( Foto: divulgação)

Ken Watanabe dá relevância dramática a seu personagem, embora ele esteja ali só para explicar ( Foto: divulgação)

Isso posto, “Godzilla” é, também, muito divertido. É diversão daquele tipo que buscamos no cinema. Deslumbramento e tensão entremeados por momentos de humor. Algo que o cinema americano faz tão bem, mas vem rareando no traquejo da fórmula. “Godzilla” é, em todos os sentidos, uma bem-vinda sessão de nostalgia.

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sábado, 24 de maio de 2014 Atores | 12:00

Michael Fassbender: o ator do momento, já há algum tempo

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Fotos: (Getty e Divulgação)

Fotos: (Getty e Divulgação)

Há poucos atores com agenda de trabalho mais atarefada do que este alemão de ascendência irlandesa de 37 anos. Michael Fassbender estava lá, como um dos muitos “tanquinhos” de “300”, o estilizado filme estrelado por Gerard Butler e Rodrigo Santoro em 2006.

Notado mesmo, no entanto, Fassbender, que está em cartaz nos cinemas brasileiros com “X-men: dias de um futuro esquecido”, só foi quando falou impecável alemão em um dos capítulos mais empolgantes de “Bastardos inglórios” (2009), obra-prima de Quentin Tarantino.  Daquele momento em diante, Fassbender passou a gozar de um prestígio que só aumentaria em Hollywood. O ano de 2011 foi mágico por muitas razões. “Bastardos inglórios” lhe pôs no mapa e ele rodou nada menos do que cinco produções para serem lançadas naquele ano. “Jane Eyre”, “X-men: primeira classe”, “Shame”, “Um método perigoso” e “A toda prova” não poderiam ser mais diferentes entre si.

A capacidade de trafegar com desenvoltura por diferentes gêneros chamou a atenção de diretores consagrados como Ridley Scott (“Gladiador”) e Terrence Malick (“A árvore da vida”) que logo externaram o desejo de trabalhar com o ator.

O que mais impressiona em Fassbender, além do carisma e talento, é sua capacidade de transmutação de acordo com a demanda do personagem. Em “Shame”, em que vive um viciado em sexo, é possível sentir sua agonia em uma fria e impessoal Nova York. Este permanece como sua melhor, mais revelador e complexo desempenho. Já em “12 anos de escravidão”, pelo qual foi indicado ao Oscar, personifica a maldade encarnada como um senhor de escravos. Fassbender mantém o alto nível de interesse como um robô em “Prometheus” (2012), como um advogado ganancioso em “O conselheiro do crime” (2013) ou como Carl Yung, um dos pilares da psicanálise, em “Um método perigoso” (2011).

Essa capacidade de mesmerizar lhe valeu o convite para viver Macbeth, um dos mais clássicos personagens da literatura shakespeariana.  O filme, que está em pós-produção, deve ser lançado no fim deste ano e é uma das apostas para a temporada de premiações.

A adaptação do game “Assassin´s Creed” também está em sua agenda. O filme marcará sua estreia como principal produtor de um filme. Toda a pré-produção da fita, prevista para 2015, está sendo supervisionada por ele. O ator também está envolvido nas sequências de “Prometheus” e “X-men”.

No meio tempo, se Steve McQueen – seu diretor em “Fome” (2008), “Shame” e “12 anos de escravidão”, chamar, Fassbender para tudo e atende. À revista Empire, o ator admitiu que McQueen não só é um grande amigo, como uma grande inspiração no cinema. Ainda por cima, Fassbender é generoso.

 

Confira os trailers dos filmes que apresentam os três melhores trabalhos de Fassbender no cinema

“Shame”

“Um método perigoso”

“Fome”

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quinta-feira, 22 de maio de 2014 Críticas, Filmes | 22:11

Obrigatório, “O passado” trata da complexidade das relações amorosas

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O passado é uma presença inescapável em “O passado” (2013), novo e potente filme do premiado Asghar Farhadi (“A separação”).  Como no filme iraniano vencedor do Oscar de melhor produção estrangeira em 2012, o cineasta está interessado em debater não só as escolhas, mas suas consequências na rotina conjugal de um casal. O casal em questão está desfeito. “O passado” começa com Marie (Bérénice Bejo) à espera de Ahmad (Ali Mosaffa) no aeroporto. Depois de quatro anos, ele retorna à França para oficializar o divórcio, a pedido dela. Ele a abandonara, sem grandes justificativas, para retornar ao Irã. Logo sabemos que Marie está em uma nova relação, com Samir (Tahar Rahim), cuja esposa está em coma no hospital, e deseja se casar com ele.

Ela tem duas filhas de um primeiro casamento frustrado. A mais velha (Pauline Burlet) rejeita a nova relação e demonstra isso com todas as suas forças. Samir tem um menino. Que sofre de um jeito bastante explosivo os reflexos dessa fase de mudanças, com a mãe em coma, o pai em uma nova relação, etc.

Ahmad, meio que inadvertidamente, entra no olho desse furacão. “O passado”, como se pode observar, não é um filme que almeja discutir uma história de amor, mas sim nossa capacidade de complexar nossas relações amorosas; e os efeitos colaterais dessa inclinação.

O que mais impressiona no cinema de Farhadi é sua capacidade de evoluir a narrativa com o aprofundamento constante dos conflitos centrais. Assim como o era “A separação”, “O passado” é um filme cujas camadas vão se revelando pacientemente à medida que mais da trama se toma conhecimento.

Esse rigor narrativo, tão bem engendrado por atores atuando com segurança, por um texto bem azeitado, e por escolhas de direção assertivas, torna “O passado” um filme de muitos níveis.

Filme explora muito bem o que não é dito, mas pressentido pela audiência (Foto: divulgação)

Filme explora muito bem o que não é dito, mas pressentido pela audiência (Foto: divulgação)

Por um lado, há a análise sugestiva dessa mulher que tenta a todo custo ser feliz em uma relação amorosa, que apresenta sinais de bipolaridade, e que negligencia as filhas. Por outro, há o iraniano que retorna à França depois de ter abandonado essa mulher. Sabemos que ele partiu por estar em profunda depressão, mas mais não sabemos. Ficamos apenas com conjecturas. Sua serenidade, no entanto, convida o espectador a assumir seu ponto de vista.

Há, ainda, Samir. Homem rústico, bem intencionado, e que sutilmente estabelece uma guerra silenciosa com Ahmad. Conforme o filme avança, a consciência alcança Samir. Aí entra em cena outro grande acerto de Farhadi. Aos poucos ele vai incutindo um debate inóspito. Existe uma ética a ser preservada em uma história de amor? É correto abandonar, sem qualquer aviso prévio, alguém com quem você divide uma vida e uma família? É correto se relacionar com alguém, cuja esposa se encontra em coma? Como se entregar a um novo amor, se há outro moribundo no hospital?

Farhadi aborda a culpa sob diferentes facetas e utiliza desde a inocência da infância até aspectos políticos como a imigração para aferir cor a esse recorte.

Por tudo isso “O passado” se fia como uma das obras cinematográficas mais extraordinárias a aportar nos cinemas brasileiros em 2014.

Uma menção especial, principalmente ao talento de Farhadi na direção de atores, é o menino Elyes Aguis, que interpreta Fouad, filho de Samir. Em seu primeiro filme, Aguis assume o personagem mais complexo da trama e com mais margem de erro, afinal não é fácil exteriorizar uma crise emocional interna, ainda mais em uma criança. Aguis abisma com talento, mesura e emoção. Ele é a demonstração mais eloquente de que “O passado” é um filme obrigatório.

Farhadi, à direita, orienta Bejo e Rahim no set de "O passado"  ( Foto: divulgação)

Farhadi, à direita, orienta Bejo e Rahim no set de “O passado”
( Foto: divulgação)

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