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segunda-feira, 24 de julho de 2017 Análises, Bastidores, Filmes | 09:00

Sony já é a grande campeã do verão americano de 2017

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Estúdio não será o maior em faturamento na temporada, mas foi o único a apresentar uma equação equilibrada de qualidade, planejamento, risco e originalidade. Algo cada vez mais singular na indústria do entretenimento

Arte do filme "Em Ritmo de Fuga" por Joshua Kelly

Arte do filme “Em Ritmo de Fuga” por Joshua Kelly

A vida da Sony, um dos estúdios mais importantes e prestigiados do sistema que Hollywood representa, não vinha fácil. Sucessivos fracassos de bilheteria que irromperam até mesmo a 2017 – que tem tudo para ser o melhor ano da história recente do estúdio. Alguém se lembra de “Passageiros”, aquela ficção-científica que tanto prometia e ainda reunia dois dos astros mais empolgantes da atualidade? Essa foi a pá de cal na fase malfadada iniciada na tentativa de reiniciar a franquia do Homem-Aranha com Marc Webb e Andrew Garfield à frente.

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Os solavancos foram expressivos e se deram também no âmbito da espionagem corporativa, quando hackers norte-coreanos invadiram os servidores do estúdio e vazaram documentos e correspondências sigilosas em represália à produção e distribuição do filme “A Entrevista”, que satirizava o ditador daquele país. A década ainda não acabou, mas ela tem sido sofrível para o estúdio que não consegue amealhar sucessos de bilheteria, ou mesmo de crítica. Tirando o selo de arte, o Sony Classics, que praticamente só compra e distribui filmes independentes, o estúdio está fora do Oscar desde 2012, quando teve “ A Hora Mais Escura” entre os finalistas.

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A torre negraMas 2017 parece mesmo o ano da mudança. Para começar, “Homem-Aranha: De Volta ao Lar” agradou a crítica e já caminha para os US$ 500 milhões na bilheteria mundial. É oficialmente um hit e foi o filme mais barato do aracnídeo produzido pelo estúdio. A parceria com a Marvel rendeu e rendeu bem em todas as frentes. Se cercar de talento e apostar no risco foi uma estratégia certeira em outras frentes também.

Edgar Wright (“Scott Pilgrim Contra o Mundo”) é um dos cineastas mais talentosos e apaixonados por cinema que há hoje e botar esse cara para fazer um filme com o apoio do sistema de estúdios é a coisa certa a fazer, mas não é o que os estúdios andam fazendo atualmente. “Baby Driver”, “Em Ritmo de Fuga” no Brasil, é dos filmes mais bem cotados pela crítica americana no ano. Barato, tá com um boca a boca positivo e se segurando contra blockbusters de raiz no mercado da América do Norte. A Sony já pensa na continuação.

Mais do que o hype, “Em Ritmo de Fuga” é um filme original em uma era em que franquias e adaptações dominam. É um gol de placa da Sony em uma temporada que os arrasa-quarteirões não estão convencendo nas bilheterias.

deNão obstante, a Sony ainda tem “A Torre Negra”, aguardada adaptação de Stephen King, com Idris Elba e Matthew McConaughey à frente do elenco. É mais uma tentativa de emplacar um franquia e depender menos de um certo aracnídeo. O hype e a expectativa jogam a favor da empreitada da Sony que calculou muito bem sua movimentação na temporada.

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Essa é a herança positiva de Amy Pascal, que deixou a presidência da Sony Pictures na esteira do escândalo dos vazamentos de e-mails da empresa. Tom Rothman, que já dirigiu a FOX e a Tristar, divisão da Sony, deve seguir o bom caminho ensejado por Amy, que segue como produtora vinculada à empresa.

A Sony não vai figurar entre os melhores faturamentos do ano. Warner e Disney vão protagonizar mais uma vez essa disputa – com larga vantagem para a segunda – mas tem um 2017 de recuperação e deve deixar a Paramount isolada na posição de grandes estúdios em naufrágio acelerado.

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terça-feira, 20 de junho de 2017 Análises, Bastidores, Notícias | 19:05

Mau jornalismo afeta agenda feminista com informações equivocadas sobre remuneração de Gal Gadot em “Mulher-Maravilha”

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Informações mal apuradas substanciaram revolta nas redes sociais a respeito da disparidade salarial entre a Mulher-Maravilha e o Superman, mas a história estava mal contada

Superman, Mulher-Maravilha e Batman em cena de "Batman vs Superman" (Fotos: divulgação)

Superman, Mulher-Maravilha e Batman em cena de “Batman vs Superman”
(Fotos: divulgação)

É bem público e ainda mais notório que existe uma abismal diferença nos salários pagos aos atores e atrizes em Hollywood. Desde o Oscar 2015, com aquele emblemático discurso de Patricia Arquette, uma discussão séria e constante capitaneada por atrizes como Jessica Chastain, Natalie Portman, Robin Wright e Jennifer Lawrence tem sido abastecida quase que diariamente a respeito e já há (tímidos) sinais de mudança.

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Na noite desta segunda-feira (19), porém, Hollywood foi tomada de assalto com a notícia de que Gal Gadot recebera US$ 300 mil pela atuação em “Mulher-Maravilha”, um reiterado sucesso de crítica e de público. Já Henry Cavill teria recebido US$ 14 milhões por “O Homem de Aço” (2013). O artigo da edição americana da Elle, embasado em um dado divulgado pela Variety em 2014, detonou uma reação global de achaque a Warner por sexismo. Foi tudo um mal entendido, para dizer o mínimo.  Um reflexo desses tempos afoitos de redes sociais em que se tem como objetivo não noticiar, mas viralizar nas redes.

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Existe, sim, uma diferença alarmante na remuneração praticada por estúdios junto a atores e atrizes, mas aqui, no caso que gerou protestos e indignação de toda ordem, ela não existe. É praxe na negociação de contratos de filmes de super-heróis – o gênero mais abundante e lucrativo do cinema contemporâneo – vincular salários e bônus ao rendimento dos filmes, bem como já alinhar contratos duradouros para três ou mais filmes.

Gal Gadot é a Mulher-Maravilha

Gal Gadot é a Mulher-Maravilha

Os US$ 14 milhões atribuídos a Cavill, que é importante frisar não são passíveis de confirmação, contabilizam bônus por performance de bilheteria de três filmes em que ele surja como o Superman. Além do mais, o orçamento de “O Homem de Aço” foi de US$ 250 milhões, o que permitia certa extravagância na remuneração do elenco, que ainda contou com nomes como Kevin Costner, Russell Crowe, Amy Adams e Michael Shannon. Já “Mulher-Maravilha”, que ainda não superou “O Homem de Aço” nas bilheterias, mas já é percebido como um sucesso, foi orçado em US$ 125 milhões.

Os US$ 300 mil de Gal Gadot, contrato estabelecido nos mesmos moldes do de Chris Evans , o Capitão América, e Chris Hemsworth, o Thor, da rival Marvel, não considera os bônus por performance nas bilheterias. Até porque esses bônus não estão fechados. O contrato também prevê US$ 300 mil de remuneração básica por filme e cobre três filmes. O terceiro sendo “Liga da Justiça”, que estreia em novembro deste ano. Para  o segundo “Mulher-Maravilha”, portanto, um novo contrato será redigido. O valor da remuneração, não estranhem, deve continuar baixo. Para o intérprete, seja ele ator ou atriz, mais vale beliscar o lucro do filme na bilheteria e Gal Gadot já se capitalizou para pleitear cerca de 10% da bilheteria do filme.

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A julgar pela bilheteria de “Mulher -Maravilha”, a atriz receberia por performance algo em torno de US$ 6 milhões, fora os US$ 300 mil da remuneração básica.

Hollywood gosta de ferver seus boatos e um jornalismo cada vez mais impreciso, cada vez mais refém dos humores das redes sociais, vira palha nessa fogueira de vaidades. Pior: a verdadeira demanda por paridade salarial acaba eclipsada à luz de uma patetada como essa.

 

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segunda-feira, 5 de junho de 2017 Análises | 16:00

A guerra do estúdios ao site Rotten Tomatoes e a restabelecida energia da crítica de cinema

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Paramount e Disney abrem fogo contra o site agregador de críticas Rotten Tomatoes e falam em cancelar sessões para a imprensa de seus grandes lançamentos. Mas essa “guerra” não é essencialmente nova em Hollywood

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É um tanto comum a percepção de que a crítica de cinema é uma arte moribunda. Muito pouca gente se abaliza por uma crítica na hora de ir ao cinema ou escolher um filme para assistir. Se internet e redes sociais hoje são senhoras do hype, um fenômeno interessante envolvendo a crítica de cinema aconteceu: o site agregador de críticas Rotten Tomatoes passou a servir como uma referência. É justamente essa referência, e a crítica por tabela, que estão no centro de uma polêmica envolvendo alguns dos principais estúdios de cinema.

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Paramount e Disney culparam o Rotten Tomatoes pelo pífio desempenho comercial de “Baywatch”, do primeiro, e “Piratas do Caribe: A Vingança de Salazar”, do segundo, nos cinemas. Na lógica desses estúdios a baixa aprovação crítica, “Baywatch” tem cotação de 19% enquanto “A Vingança de Salazar” tem pouco mais de 40%, afugentou a audiência do cinema.

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O Rotten Tomatoes tem, de fato, muitos problemas enquanto conceito. Ele parte do pressuposto que uma resenha se resume a avaliar positiva ou negativamente uma produção – uma demanda mais do público médio do que da crítica em si. A gradação é outro ponto questionado. Uma nota “C+” é alinhada entre as críticas positivas enquanto um “B-“, nitidamente uma nota superior, entre as negativas.  Ainda assim, a queixa dos estúdios não procede.

"Piratas do Caribe: A Vingança de Salazar" não emplacou junto a crítica e vai mais ou menos na bilheteria

“Piratas do Caribe: A Vingança de Salazar” não emplacou junto a crítica e vai mais ou menos na bilheteria

É sintomático em uma indústria que prioriza o seguro em detrimento do risco e aposta em franquias e histórias consolidadas, que grande parte dos lançamentos de uma temporada naufrague. Com produções cada vez mais caras – “Piratas” custou US$ 320 milhões e o “barato” Baywatch”, US$ 69 milhões -, a necessidade dos estúdios produzirem sucessos também é cada vez maior.

O público sabe o que quer e o que não quer. Um quinto “Piratas” desperta menos curiosidade do que o primeiro “Mulher – Maravilha”. Nesse sentido, o Rotten Tomatoes, que sustenta a exagerada marca de 93% de aprovação para o filme de Patty Jenkins, nada mais é do que um reflexo do interesse do público. Ainda que todos esses filmes gozem de menos prestígio junto à crítica do que “Corra!”, um hit do cinema independente que já amealhou mais de US$ 200 milhões nas bilheterias dos EUA.

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A Paramount ameaçou não fazer sessões de seus filmes para a imprensa. Puro recalque, diria Valesca Popozuda. O problema não é a crítica. O problema é a qualidade dos filmes e, ainda que com conotação negativa para os estúdios, a percepção e critério mais sofisticados da audiência em relação à variedade de opções no cinema. A ideia de sabotar a crítica de cinema paira já há algum tempo, mas imbróglios como esse inadvertidamente acabam por fortalecê-la.

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quarta-feira, 26 de abril de 2017 Análises, Diretores | 12:47

Cineasta clássico, Jonathan Demme explorou o cinema ao máximo e manteve-se humilde

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Diretor de obras consagradas como “O Silêncio dos Inocentes”, “Filadélfia” e “Sob o Domínio do Mal”, também dirigiu coisas para a TV como as preciosidades “The Killing” e “Enlightened”

O cineasta Jonathan Demme ao lado de Meryl Streep e Rick Springfield no set de "Ricki and The Flash"

O cineasta Jonathan Demme ao lado de Meryl Streep e Rick Springfield no set de “Ricki and The Flash”

Em um ano que já levou Emmanuelle Riva, John Hurt, Bill Paxton, entre outros grandes nomes da sétima arte, a notícia da partida do cineasta Jonathan Demme é especialmente dolorida. O diretor morreu na manhã desta quarta-feira (26) em Nova York  decorrência da luta contra um câncer de esôfago.

Ele tinha 73 anos e seu último filme foi “Justin Timberlake + The Tennessee Kids”, um documentário para a Netflix. Jonathan Demme era do tipo que alternava-se entre longas de ficção e documentários. O gosto por contar histórias era tão altivo que dirigiu episódios de séries de TV antes mesmo delas sequestrarem os talentos de Hollywood.

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Foi um dos grandes, mesmo que não se comportasse como tal e não se importasse em envernizar um legado que, agora, cresce de tamanho. Junto de Milos Forman e Frank Capra ostenta a honorável marca de cineasta a ter dirigido um filme a conquistar o prestigiado big five no Oscar, os prêmios de filme, direção, roteiro, ator e atriz. “O Silêncio dos Inocentes” (1991), o último a conquistar tal façanha, compreensivelmente, será seu filme mais lembrado. Mas sua filmografia é muito mais diversa e reverenciável do que este excelente e definidor filme propõe.

Jonathan Demme, depois do primeiro tratamento contra o câncer, no festival de Veneza em 2015 (Fotos: divulgação/shutterstock

Jonathan Demme, depois do primeiro tratamento contra o câncer, no festival de Veneza em 2015
(Fotos: divulgação/shutterstock)

O primeiro Oscar de Tom Hanks, hoje um patrimônio tanto do cinema como do establishment americano, veio com o suporte de Demme que produziu e dirigiu “Filadéfia” (1993), um robusto drama sobre o impacto da AIDS em um momento que a América ainda tratava o assunto com reticências.

Demme transitava com desenvoltura por diversos gêneros. A comédia sofisticada (“De Caso com a Máfia”), a comédia de ação (“Totalmente Selvagem”), o thriller político (“Sob o Domínio do Mal”), o drama familiar indie (“O Casamento de Rachel”) e suspense (“O Abraço da Morte”). Seu último longa de ficção foi o tenro e musical “Rickiand The Flash: De Volta para a Casa” (2015), estrelado por Meryl Streep, em que pôde conjugar suas duas grandes paixões: a música e o cinema.

Jonathan Demme foi um cineasta clássico, com acurado domínio da gramática do cinema. Soube remover-se de sua zona de conforto e explorou o cinema o máximo que pôde. Construiu uma filmografia plural, rica, intensa e que a história se incumbirá de tornar  grande.

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quinta-feira, 13 de abril de 2017 Análises, Bastidores, Filmes | 13:50

Cannes 2017 terá briga entre Netflix e Amazon, autores consagrados e Nicole Kidman como rainha

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Mais badalado festival de cinema do mundo chega à 70ª edição com fôlego invejável e escolhas empolgantes. Nicole Kidman estrela quatro produções em destaque no evento

Nicole Kidman tem recorde de filmes em destaque em Cannes em 2017 (foto: HHFP/divulgação)

Nicole Kidman tem recorde de filmes em destaque em Cannes em 2017
(foto: HHFP/divulgação)

O line-up da histórica e aguardada 70ª edição do Festival de Cannes foi anunciado nesta quinta-feira (13) e muitos dos filmes e autores comentados garantiram seu lugar de destaque na croisette. A edição de 2017 do mais badalado festival de cinema do mundo terá novos filmes de gente como o austríaco Michael Heneke – duas vezes vencedor do Palma de Ouro com “A Fita Branca” (2009) e “Amor” (2012) – , a inglesa Lynne Ramsey, a americana Sofia Coppola, a japonesa Naomi Kawase, os franceses François Ozon e Michel Hazanavicius e o turco Faith Akin.

Além dos 18 filmes já anunciados, a competição oficial de Cannes deve ter pelo menos mais dois filmes a serem anunciados nos próximos dias. Dois fatos saltam aos olhos em um primeiro momento. Pela primeira vez, Netflix e Amazon, duas gigantes da distribuição e produção de conteúdo audiovisual , estão na disputa pela Palma de Ouro. A primeira vem com dois filmes. O hypado “Okja”, novo de Bong Joon-Ho, e The Meyerowitz Stories, que marca a estreia do festejado indie Noah Baumbach na Riviera francesa. A segunda vem bancando o novo filme do aclamado Todd Haynes, “Wonderstruck”. A inclusão desses filmes na disputa pela Palma de Ouro ajuda a pavimentar essa mudança de paradigma que as gigantes da internet estão promovendo no negócio, e também na arte, chamada cinema.

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Cena de The Killing os a Sacred Deer, que marca o retorno do grego Yorgos Lanthimos, de "O Lagosta", a Cannes

Cena de The Killing os a Sacred Deer, que marca o retorno do grego Yorgos Lanthimos, de “O Lagosta”, a Cannes

O outro fato de grande relevância é que Nicole Kidman está em quatro produções de destaque em Cannes. Além de estrelar “The Beguiled”, de Sofia Coppola, e “The Killing of a Sacred Deer”, de Yorgos Lanthinos, ela poderá ser vista em “How To Talk to Girls at Parties”, de John Cameron Mitchell, for a de competição, e na 2ª temporada da série “Top of the Lake”, de Jane Campion. Aliás, Cannes se abre de vez para a TV em 2017. Além de Jane Campion, vencedora da Palma em 1994 com “O Piano”, David Lynch, vencedor em 1990 com “Coração Selvagem”, volta ao festival para exibir os primeiros capítulos de seu revival de “Twin Peaks”.

Hollywood ainda não confirmou presença no festival. Não há, ao contrário dos últimos anos, grandes blockbusters debutando no evento francês. O filme de abertura, inclusive, será o francês “Ismael´s Ghosts”, de Arnaud Desplechin, que conta com Marion Cotillard e Charlotte Gainsbourg. A presença americana se limita ao viés mais autoral, com Coppola e Haynes como expoentes, e é a menor em pelo menos dez anos.

O prolífero François Ozon garantiu presença. Ele é o cineasta francês mais frequente em festivais de cinema. Hazanavicius oferece seu olhar do mito francês Jean-Luc Godard em “Le Redoutable”. E Cannes terá Robert Pattinson e Kristen Stewart. Sim, de novo. Ele está no elenco de “Good Time”, na competição oficial, e ela exibe sua estreia como diretora, o curta-metragem “Come Swin”.

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Nicole Kidman, Elle Fanning e Isabelle Huppert, que está em dois filmes, prometem ser as musas de Cannes, que receberá os estranhos no ninho Bem Stiller e Adam Sandler, protagonistas do filme de Baumbach.

Elle Fanning em "The Beguiled", novo de Sofia Coppola

Elle Fanning em “The Beguiled”, novo de Sofia Coppola

Confira os filmes que integram a competição oficial

“Loveless”, de Andrey Zvyagintsev

 “Good Time”, de Benny Safdie e Josh Safdie

“You were never really Here”, de Lynne Ramsay

“L’Amant double”, de François Ozon

“Jupiter’s Moon”, de Kornél Mandruczo

“A gentle creature”, de Sergei Loznitsa

“The Killing of a sacred deer”, de Yorgos Lanthimos

“Radiance”, de Naomi Kawase

“Le jour d’après”, de Hong Sangsoo

“Le Redoutable”, de Michel Hazanavicius

“Wonderstruck”, de Todd Haynes

“Happy end”, de Michael Haneke

“Rodin”, de Jacques Doillon

“The Beguiled”, de Sofia Coppola

“120 battements par minute”, de Robin Campillo

“Okja”, de Bong Joon-Ho

“In the Fade”, de Fatih Akin

“The Meyerowitz stories”, de Noah Baumbach

 

O festival de Cannes acontece entre 17 e 28 de maio de 2017.

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sábado, 18 de março de 2017 Análises, Filmes | 08:30

Redescobrindo “Trainspotting”: Filme resiste ao tempo e se mantém como um soco no estômago do espectador

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Cena de Ewan McGregor mergulhando em uma privada ainda é das coisas mais impressionantes que o cinema já produziu. 21 anos depois, “Trainspotting – Sem Limites” ainda mesmeriza e preserva impacto

Ewan McGregor em cena de "Trainspotting - Sem Limites"

Ewan McGregor em cena de “Trainspotting – Sem Limites”

Com a chegada do novo filme, que estreia no Brasil na próxima quinta-feira (23), parece oportuno relembrar “Trainspotting – Sem Limites” (1996). Um dos filmes mais expressivos da década de 90, a produção de Danny Boyle se tornou um cult instantâneo e pavimentou principalmente a carreira de Ewan McGregor, que dois anos antes tinha feito “Cova Rasa” com Boyle.

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Adaptado da obra Irvine Welsh, “Trainspotting” não só é o filme mais enfático e absoluto sobre o uso de drogas, sem se resolver a partir de um julgamento moral, mas também um retrato desromantizado de toda uma geração. Durante a promoção do segundo filme, Ewan McGregor disse que sentiu que Mark Renton era o papel de sua vida e talvez seja mesmo. McGregor é muito bom ator e fez muita coisa boa de lá para cá, mas este personagem é tão emblemático e reverberante que é difícil esbarrar em algo mais significativo do ponto de vista histórico.

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As desventuras e picadas de um grupo de jovens de Edimburgo, na Escócia, envelheceu muito bem. No aniversário de 21 anos do filme, com a eminência da continuação, o filme original resiste como um soco no estômago.

A trilha sonora vibrante, a linguagem viodeoclipada, o cinismo efervescente de Renton, o bromance com Sick Boy (Johnny Lee Miller), a urgência do registro sobre o apelo das drogas para uma juventude potencialmente alienada e aquela Escócia à vontade às sombras da Inglaterra.

A turma de Trainspotting reunida

A turma de Trainspotting reunida

“Trainspotting” chegou à segunda década do século XXI em carne viva.

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Rever o filme hoje é interessante, ainda, à luz de um pensamento social cada vez mais tolerante ao consumo de drogas. Transbordante em cultura pop, as referências de Sick Boy a Sean Connery são especialmente saborosas agora que o ator escocês já está aposentado, o filme se assevera como documento histórico que ainda detém a bonificação de ser um símbolo do britpop que explodiu na década de 90.

Rever “Trainspotting” é ser invadido por uma sensação que alguns filmes dos anos 90 provocaram e que o cinema recente parece capaz de instigar com menos frequência. A sagacidade da obra, seu vaticínio, força dramática e, fundamentalmente, seu espírito permanecem intactos.

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segunda-feira, 30 de janeiro de 2017 Análises, Filmes | 17:40

Corrida pelo Oscar 2017 tem troca de favoritos e surpresas de ocasião

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Após a realização do SAG, corrida pelo Oscar muda um pouco de forma, mas preserva “La La Land” na dianteira pela consagração máxima na noite de 26 de fevereiro

Denzel Washington, protagonista e diretor de "Um Limite Entre Nós, ganha o SAG e assume favoritismo para ganhar o 3º Oscar de sua carreira (Foto: divulgação)

Denzel Washington, protagonista e diretor de “Um Limite Entre Nós, ganha o SAG e assume favoritismo para ganhar o 3º Oscar de sua carreira
(Foto: divulgação)

Após um fim de semana com alguns prêmios de sindicatos, a corrida pelo Oscar ganhou um pouco de emoção, mas também teve algumas definições ajustadas. Os sindicatos dos produtores, dos atores e dos editores distribuíram seus prêmios ao longo do fim de semana e algumas peculiaridades reforçam certas particularidades da vigente temporada de premiações.

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“La La Land: Cantando Estações” triunfou nos sindicatos dos produtores e dos editores, neste junto com “A Chegada” e viu Emma Stone ser escolhida a melhor atriz no SAG. Apesar de não constar entre os indicados a melhor elenco na premiação dos atores, considerada o maior termômetro do Oscar, já que o colegiado de atores é o maior da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, o filme de Damien Chazelle foi o grande vencedor do SAG. Isso porque seu maior rival, “Moonlight: Sob a Luz do Luar” não venceu o prêmio de melhor elenco.

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Essa categoria gera confusão. Premia-se o melhor elenco, mas muitas vezes o SAG pensa nela como melhor filme. Esse raciocínio não foi aplicado em 2017 e “Estrelas Além do Tempo”, que está indicado a melhor filme no Oscar, ganhou assim como “Histórias Cruzadas” prevaleceu em 2012 e “O Artista”, um musical silencioso, ganharia o Oscar. É bem verdade que “O Artista” estava indicado a melhor elenco e “La La Land” não. Mas há um precedente em 23 anos de SAG. “Coração Valente” venceu o Oscar em 1996 sem ter sido indicado ao SAG. Curiosamente, a corrida em 2017 também tem Mel Gibson e seu “Até o Último Homem” na disputa pelo Oscar.

O SAG não necessariamente antecipa o vencedor do Oscar de melhor filme, mas é importante ter o apoio desse sindicato em particular para aspirar com alguma propriedade o maior prêmio do cinema. A vitória de Emma Stone por “La La Land” demonstra esse apoio e a opção por premiar um elenco e não um filme reforça que “Moonlight” talvez não tenha o gás necessário para barrar a locomotiva que o filme de Chazelle tem demonstrado ser no curso da temporada.

As nove produções que concorrem ao Oscar de melhor filme

As nove produções que concorrem ao Oscar de melhor filme

Historicamente recai sobre o DGA, o sindicato dos diretores, a pecha de ser o termômetro mais confiável em antecipar o vencedor de melhor filme. Em anos pulverizados, a escolha do DGA emplacou no Oscar. Foi assim em 2007, quando produtores e atores ficaram com “Pequena Miss Sunshine” e os diretores com Scorsese que ganharia filme e direção no Oscar com “Os Infiltrados”.

O prêmio será entregue no próximo fim de semana e pode consolidar esse favoritismo absoluto de “La La Land” ou fornecer alguma brasa às chances de “Moonlight”.

No campo das atuações, Denzel Washington (“Um Limite entre Nós”), ator de altíssimo pedigree e que embora tenha dois Oscars ainda não havia conquistado um SAG, bateu o favorito Casey Affleck (“Manchester à Beira-Mar). Há uma mudança de paradigma em curso na temporada. Affleck tem contra si o peso de uma campanha difamatória motivada por denúncias de assédio sexual e Washington é um ator querido defendendo um papel pelo qual já foi premiado no teatro e em um ano especialmente simpático a artistas e filmes de minorias.

A disputa por melhor ator ganha em emoção e imprevisibilidade. Washington, com o aval do SAG, supera Affleck na cotação para o Oscar. Mesmo que o segundo já tenha vencido o Critic´s Choice Awards, Globo de Ouro e concorra ao Bafta.

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Já a categoria das atrizes no Oscar está ligeiramente diferente. Ruth Negga (“Loving”) e Isabelle Huppert (“Elle”) disputam o prêmio. No SAG tínhamos Amy Adams (“A Chegada”) e Emily Blunt (“A Garota no Trem”). Além da força de “La La Land”, Emma Stone tem a seu favor o histórico da academia de contemplar jovens estrelas nessa categoria.  Isabelle Huppert, no entanto, promete ser uma força da natureza na categoria. A campanha em cima da atriz tem sido muito acertada e a vitória no Globo de Ouro trouxe uma visibilidade a seu trabalho que pode ser sedutora demais para parte da academia reticente em consagrar uma atriz com tão pouca bagagem ou então ceder um segundo Oscar a Natalie Portman.

A atriz Emma Stone vence o SAG por "La La Land" (Foto: divulgação/SAG)

A atriz Emma Stone vence o SAG por “La La Land”
(Foto: divulgação/SAG)

Há, ainda, Ruth Negga que pode se beneficiar da pressão oculta e silenciosa por um #oscarssoblack nessa edição. A categoria de atuação feminina está bem mais aberta do que pode parecer, ainda que Emma Stone seja a virtual vencedora.

Já entre os coadjuvantes, há poucas chances de vermos outros nomes que não Viola Davis (“Um Limite entre Nós”) e Mahershala Ali (“Moonlight”) premiados em 26 de fevereiro.  Justamente por essa condição, aliada às circunstâncias da categoria de ator, o favoritismo de Stone entre as atrizes é mais proforma do que efetivo.

A corrida pelo Oscar 2017 tem três de suas principais categorias – e a categoria de direção vai receber um post só para ela – com favoritos de ocasião. É um viés interessante e incomum e que alimenta ainda mais a euforia dos cinéfilos.

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terça-feira, 17 de janeiro de 2017 Análises, Filmes | 07:30

“La La Land” é espécie de último romântico na Hollywood dos blockbusters

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Resgate dos musicais, “La La Land” é a prova definitiva do talento de Damien Chazelle e uma significativa declaração de amor a um cinema que conjuga elementos que parecem distantes na atualidade

Cena do romântico e hypado La La Land, que estreia na próxima quinta-feira (19) nos cinemas brasileiros

Cena do romântico e hypado La La Land, que estreia na próxima quinta-feira (19) nos cinemas brasileiros

Existe uma força opressora em Hollywood contra os musicais. Um gênero que, para muitos, já teve seu lugar ao sol. O cineasta Damien Chazelle, um apaixonado por cinema, queria fazer um musical ambientado em Los Angeles, mas esbarrou na má vontade dos estúdios como revelou em entrevista recente à Folha de São Paulo. Apenas seis anos depois de ter escrito “La La Land: Cantando Estações”, o cineasta pôde filma-lo.

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“La La Land” é um filme que resgata os musicais de uma maneira muito mais orgânica do que o fizeram no início da década passada os festejados “Chicago”, vencedor do Oscar, e “Moulin Rouge – Amor em vermelho”. Isso porque o valor do filme não está intrinsecamente ao fato dele ser um musical, mas essa característica o torna mais romântico. É um senhor status quo e não é de se admirar que o filme seja o hit da temporada de premiações.

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La La Land

Chazelle já havia se qualificado como um dos diretores mais promissores da nova Hollywood quando aos 30 anos ganhou sua primeira indicação ao Oscar de direção, em sua estreia em longas-metragens, e ver “Whiplash: Em Busca da Perfeição” faturar três estatuetas na maior premiação do cinema, mas esse seu segundo filme – que deve valer nova presença nas categorias nobres do Oscar – o atesta como um dos grandes diretores americanos do momento.

Desde o prólogo, uma cena musical rodada em um dos viadutos mais congestionados de Los Angeles, Chazelle mostra dominar seu ofício com desenvoltura. “La La Land”, no entanto, vai surpreender o espectador mais algumas vezes. É uma combinação insinuante de montagem esperta, trilha sonora cativante, roteiro inteligente, cenografia abundante e atuações carismáticas. É o que os musicais são em essência e que muitos pensaram que jamais seriam novamente.

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“La La Land” é um filme pulsante, mas que recebe a tristeza como válvula inexorável da vida. É um filme esperançoso, mas que demonstra consciência de que nem todos os sonhos se realizam. É uma história de amor, mas se capitaliza dramaticamente ao evitar a previsibilidade de tantos outros musicais e produções hollywoodianas, ao resolver-se de maneira poética, inesperada e, ainda assim, profundamente romântica.

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segunda-feira, 9 de janeiro de 2017 Análises, Filmes | 14:37

Globo de Ouro surpreende e tumultua temporada de premiações em 2017

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Premiação superou os próprios preconceitos para celebrar um filme que parece ter encantado toda a comunidade do cinema. Mas nas categorias de atuação, a corrida pelo Oscar deu uma embaralhada…

Elenco e equipe de "La La Land" no palco do Globo de Ouro (Foto: NBC)

Elenco e equipe de “La La Land” no palco do Globo de Ouro
(Foto: NBC)

Foi uma noite de muitas surpresas, discursos contundentes e um vencedor como há muito tempo não se via. A 74ª edição do Globo de Ouro consagrou o musical “La La Land – Cantando Estações” como o maior filme de todos os tempos, pelo menos usando o prêmio como parâmetro. O filme de Damien Chazelle venceu nas sete categorias em que estava indicado, estabelecendo um recorde. Os dois únicos filmes que venceram seis prêmios foram “O Expresso da Meia-Noite” (1978) e “Um Estranho no Ninho” (1975) e essas produções concorriam em uma época em que havia mais prêmios distribuídos nas categorias de cinema.

Leia mais: Globo de Ouro consagra “La La Land” e comédias sobre negros nos EUA

Apresentado por Jimmy Fallon, que começou muito bem e terminou totalmente inexpressivo e dispensável, o Globo de Ouro 2017 ganhou pontos por procurar o inesperado. Se há mais de 40 anos não consagrava um filme no sentido mais estrito do termo, a opção por fazê-lo com um filme “para sonhadores”, como bem definiu a também premiada Emma Stone merece o confete. No mais, para quem gosta de cinema – e grandes atrizes – um prêmio que celebra Meryl Streep, Isabelle Huppert e Viola Davis se coloca à prova de críticas mambembes.

Leia mais: Globo de Ouro renuncia condição de prévia do Oscar e tenta formalizar influência em 2016

Criticado por ser render aos estúdios, a Associação dos Correspondentes Estrangeiros de Hollywood (HFPA, na sigla em inglês) celebrou o cinema independente em todo o seu esplendor. “Moonlight – Sob a Luz do Luar” é um filme pequeno, assim como “Manchester à Beira-Mar”, que valeu a Casey Affleck o prêmio de ator dramático. E o que falar de “Elle”, o polêmico filme francês de Paul Verhoeven que foi o único além de “La La Land” a levar um segundo troféu?

"La La Land", que ganhou sete prêmios no Globo de Ouro 2017, estreia em 19 de janeiro no Brasil (Foto: divulgação)

“La La Land”, que ganhou sete prêmios no Globo de Ouro 2017, estreia em 19 de janeiro no Brasil
(Foto: divulgação)

A HFPA perecia menos preocupada com o que se esperava dela e resolveu abraçar sua vocação de celebrar o novo – o que pôde ser especialmente vislumbrado nas categorias televisivas. As vitórias das novidades “The Crown”, entre os dramas, e “Atlanta”, entre as comédias, só não são mais eloquentes do que o triunfo dos atores de “The Night Manager” sobre a mais badalada, e já bem premiada, “The People vs O.J Simpson: American Crime Story”.

Leia mais: Veja a lista completa dos vencedores do Globo de Ouro 2017

A grande surpresa da noite veio logo no pontapé inicial da cerimônia. A vitória de Aaron Taylor-Johnson por “Animais Noturnos” é o que se convenciona chamar de zebra. Isabelle Huppert, ainda que fosse uma aposta de risco, era aventada por alguns analistas da indústria, como o que assina esta coluna, mas o reconhecimento a Johnson, de fato ótimo no filme de Tom Ford, parece dessas idiossincrasias típicas do Globo de Ouro. Não é. Em plena votação para a aferição dos indicados ao Oscar, o barulho provocado pelo clímax de “La La Land” e pela contundência das vitórias de Johnson e Huppert pode refletir em mais força no Oscar.

Em uma temporada em que a comunidade de Hollywood parece enlutada pela ascensão de Donald Trump – repare no silêncio no salão enquanto Meryl Streep atacava o presidente eleito com a elegância que lhe é característica – o Globo de Ouro pareceu talhado para tumultuar. No melhor dos sentidos.

 

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sexta-feira, 30 de dezembro de 2016 Análises, Filmes | 07:30

Os 20 melhores filmes de 2016

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Quatro filmes brasileiros estão entre os 20 melhores filmes lançados nos cinemas do País em 2016 na avaliação da coluna

Verhoeven orienta Huppert no set de "Elle", o melhor filme de 2016

Verhoeven orienta Huppert no set de “Elle”, o melhor filme de 2016

São sete filmes datados de 2015 na lista elaborada pelo Cineclube de melhores produções lançadas nos cinemas brasileiros em 2016. Outra particularidade que pode se notar entre os 20 destacados como os melhores filmes de 2016, é a forte presença de cineastas não americanos na lista. São 12 no total. Alguns deles até dirigem filmes americanos, como Denis Villeneuve e Lenny Abrahamson, mas isso demonstra duas coisas: que a globalização chegou a Hollywood e que o cinema fora dos EUA teve um belíssimo ano. São três produções europeias no Top 5. Um feito que não é todo ano que ostenta.

Muita coisa boa ficou de fora da lista dos melhores filmes de 2016. Produções tão diversas como o refinado “Carol”, o multifacetado “O Silêncio do Céu”, o divertido “Capitão América: Guerra Civil”, o delicado “A Garota Dinamarquesa”, o alegórico “Zootopia”, ou mesmo o oscarizado “Spotlight: Segredos Revelados”. Mas a lista aqui apresentada, além de personalidade, mimetiza o que de melhor o ano apresentou em nossos cinemas.

20 – “Indignação” (EUA 2016), de James Schamus

Baseado em Philip Roth, o filme de Schamus é um valoroso estudo sobre a relação do homem e o meio, com a rígida sociedade dos anos 50 como fôrma. Logan Lerman, que já havia demonstrado incrível talento dramático em “As Vantagens de ser Invisível”, reitera-se como ator a ser respeitado. Um filme inteligente e inflexivo do diálogo entre razão e emoção.

Fotos: Montagem sobre reprodução

Fotos: Montagem sobre reprodução

19 – “Rogue One – Uma História Star Wars” (EUA 2016), de Gareth Edwards

O melhor filme de guerra do ano se passa em uma galáxia muito distante e antes de “Uma Nova Esperança” (1977). Misto de prequel e filme derivado, “Rogue One” é um filme com alma, visualmente exuberante e com personagens cativantes. É um legítimo Star Wars, mas é também algo essencialmente novo. Gareth Edwards reagiu maravilhosamente bem à pressão de lidar com um dos maiores cânones da cultura pop e entregou um filme de encher qualquer fã de orgulho.

18 – “Creed: Nascido para Lutar” (EUA 2015), de Ryan Coogler

O retorno de Rocky Balboa ao cinema não poderia ser mais apoteótico e o personagem de Sylvester Stallone nem sequer sobe ao ringue. Ou quase isso. A reimaginação da franquia proposta por Ryan Coogler (“Fruitvale Station”) coloca o filho de Apollo Creed, Adonis (Michael B. Jordan) como protagonista em um filme reverente na medida certa e, pelos próprios méritos, nada menos do que antológico.

17 – “Capitão Fantástico” (EUA 2016), de Matt Ross

Opositor ferrenho dos ideais capitalistas, o personagem que Viggo Mortensen defende com devoção e afeto em “Capitão Fantástico” submete seus filhos a uma educação inusitada: aulas rigorosas de defesa pessoal se alternam com noções avançadas de física quântica e filosofia. A família mora no meio do mato e mantém no mínimo toda e qualquer interação social. O filme de Ross problematiza isso tudo com muita delicadeza e sensibilidade. Evita as respostas fáceis, mas faz todas as perguntas difíceis.

16 – “Ave, César” (EUA 2016), de Joel e Ethan Coen

Pense em uma comédia sobre a era de ouro de Hollywood com momentos de pura sofisticação narrativa com outros de mero pastelão? Adicione a assinatura dos irmãos Coen e você tem “Ave,César”, um dos indispensáveis filmes de 2016 que muita pouca gente falou a respeito. Com um elenco fantástico e uma boa cota de piadas internas, “Ave, César” é um deleite para amante de cinema nenhum botar defeito.

Melhores (2)

15 – “O Quarto de Jack” (EUA 2015), de Lenny Abrahamson

Honesto, esse drama que se reconfigura completamente em sua metade é um exercício cinematográfico dos mais potentes. Da direção ao elenco afinado, “O Quarto de Jack” é uma realização brilhante. Impossível não se cativar por um filme que mergulha fundo nos conflitos de seus personagens, mas os trata com carinho e generosidade.

14 – “O Novíssimo Testamento” ( Bélgica 2015), de Jaco Van Dormael

Sabe aquela história de Deus ser um sujeito egoísta e malcriado? O cineasta Jaco Van Dormael adicionou a essa fábula uma filha. De birra, ela envia do computador divino a data da morte de todo mundo. Com a consciência da finitude, a humanidade muda a forma de agir e interagir. Deus precisa reagir a essa situação inusitada. Trata-se de um filme imaginativo que fala de amor, mas do tal amor ao próximo. De uma forma subversiva, mas carinhosa, é dos filmes mais cristãos em muito tempo.

13 – “Fome” (Brasil 2016), de Cristiano Burlan

Depois que se viu a morte é possível morrer de amor por alguém? Trata-se de uma pergunta capciosa que o magnífico filme de Burlan promove. Não se trata da única porém. O filósofo da atuação Jean-Claude Bernadet vive um homem que abandonou tudo para viver na rua. Escravo de suas memórias ou refém de uma liberdade absoluta? O filme expande essa problematização para a cidade, para seus aspectos visíveis e invisíveis. Burlan fustiga nossa relação com a cidade a partir do olhar de um morador de rua, mas também sobre um morador de rua. Cinema de verve, cinema que merece figurar na lista de melhores do ano de quem quer que aprecie o bom cinema.

12 – “Sing Street: Música e Sonho” (Inglaterra/Irlanda 2016), de John Carney

Um menino cria uma banda para impressionar uma menina um pouco mais velha e acaba se descobrindo um genuíno rock star, no talento e na atitude, na Dublin dos anos 80. O novo filme de John Carney (“Mesmo se Nada Der Certo”) é um elogio tão enfático e espirituoso da música quanto seus anteriores. Com elenco praticamente desconhecido como em “Once”, o cineasta extraí graça e beleza de um roteiro apaixonante e novamente faz da música a grande cúmplice de seu filme.

11 – “Quanto Tempo o Tempo Tem” (Brasil 2015), de Adriana L. Dutra

Falar que esse primor de realização é sobre o tempo não está exatamente errado, mas passa longe de precisar a natureza do filme de Dutra, que aborda nossa relação com o tempo e a evolução do próprio conceito ao longo da jornada da humanidade. As entrevistas oferecem um painel rico e multifacetado sobre um tema que não foge ao interesse de ninguém. Um filme que pode ser debatido tanto no bar como em sala de aula sem ser esgotado e com uma das propostas mais altivas e reverberantes de 2016.

Melhores (3)

10 – “Aquarius” (Brasil 2016), de Kleber Mendonça Filho

Foi um ano e tanto para o cinema brasileiro e o filme de Kleber Mendonça Filho pairou sobre ele uniforme e absoluto. Estrelado por uma poderosa Sonia Braga, “Aquarius” é um filme poético em seus arranjos, que valoriza a memória como meio de preservação, mas também como instrumento de resistência. Um filme político, sim, mas que foi injustamente politizado. Uma obra atemporal que revela um autor mais senhor de sua arte e reverberante em seu espaço-tempo.

9 – “A Grande Aposta” (EUA 2015), de Adam McKay

Desde que estourou a crise financeira em 2008, Hollywood passou a ter tesão por filmes que colocavam o mercado financeiro no buraco da agulha. Mas “A Grande Aposta” é uma besta de outra natureza. Dirigido pelo cara de “Quase Irmãos”, esse filme destrincha o funcionamento de Wall Street de maneira didática e divertida, sem deixar de fazer uma análise tenaz do que está errado nessa cultura do lucro a qualquer custo. Um filme inteligente e com arestas bem aparadas que não faz pose de importante, mas é, sim, bem importante.

8 –  “Memórias Secretas” (Alemanha/Canadá 2015), de Atom Egoyan

Fazia tempo que Atom Egoyan não entregava um filme realmente bom. Ele apoiava-se costumeiramente na condescendência dos admiradores de seus primeiros trabalhos. “Memórias Secretas”, um thriller que coloca um octogenário com Alzheimer como vingador de um carrasco nazista, é uma redenção acima de qualquer suspeita. Além da trama inusitada muitíssimo bem urdida, o filme apresenta um dos finais mais surpreendentes desde… “O Sexto Sentido”! Não só não é pouca coisa, como é bem representativo nesses tempos de spoilers a rodo.

7 – “Tangerine” (EUA 2015), de Sean Baker

Um filme rodado inteiramente com um iPhone não é exatamente uma novidade, mas neste maravilhoso filme de Baker a ferramenta se justifica narrativamente e até mesmo adensa o registro dramático. Aqui acompanhamos a transexual e prostituta Sin-Dee, que após sair da prisão descobre que seu namorado e cafetão a está traindo com uma mulher. Acompanhamos a jornada de Sin-Dee pelas ruas de Los Angeles para encontrar seu namorado e tirar essa história a limpo. Trata-se de um filme de cores vivas e vibrantes, personagens em carne viva e uma história insuspeitamente repleta de afeto.

6 –  “Boi Neon” (Brasil 2016), de Gabriel Mascaro

O empoderamento feminino e a questão do gênero recebem atenção no belíssimo filme de Gabriel Mascaro que revela um Nordeste brasileiro totalmente avesso ao clichê. Juliano Cazarré se reafirma como ator de grande reverberação dramática ao viver um vaqueiro que sonha em ser estilista e revela uma vaidade que julgamos deslocada. Um filme de muitas camadas e subtextos que prova, mais uma vez, a exuberância técnica e temática de nosso cinema.

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5 – “A Chegada” (EUA 2016), de Denis Villeneuve

Christopher Nolan tentou evocar Kubrick com “Interestelar” (2014), mas só arranhou a superfície. O canadense Villeneuve veio em 2016, com muito mais simplicidade e abnegação e entregou um filme que não só faria Kubrick orgulhoso, mas que traduz a era que vivemos com louvor. Um filme sobre a falta de diálogo reinante em nosso tempo adornado pelos códigos do filme de gênero, no caso uma ficção científica robusta e reminiscente. De quebra, Amy Adams dá outro show de interpretação.

4 – “Julieta” (Espanha 2016), de Pedro Almodovar

O retorno do cineasta espanhol ao melodrama não poderia ser mais feliz. Homenagem às mulheres, “Julieta” é, ainda, uma crônica solene sobre a maternidade e um ensaio almodovariano sobre o luto. Um filme cheio de reminiscências e de uma sensibilidade profunda. Um Almodóvar em forma.

3- “Animais Noturnos” (EUA 2016), de Tom Ford

Tom Ford tinha um senhor desafio em sua próxima empreitada como cineasta. Afinal, seu primeiro filme fora nada mais nada menos do que o espetacular “Direito de Amar” (2009). “Animais Noturnos”, um projeto mais ousado na forma e nos arranjos, reafirma o talento do estilista para o cinema. Com dois filmes estética e narrativamente envolventes, fica difícil questionar seu talento como homem de cinema. “Animais Noturnos” é superlativo.

2- “Demônio de Neon” (Dinamarca/França 2016), de Nicolas Winding Refn

É impossível permanecer impassível ao cinema do dinamarquês Nicolas Winding Refn.  “Demônio de Neon” beira a extravagância. Necrofilia e canibalismo embalam uma história asséptica em uma concepção dramática, mas profundamente irrigada em metáforas e simbolismos. É um cinema provocador e eventualmente chocante. Refn devassa o mundo da moda com a propriedade de um formador de opinião pouco preocupado com a opinião alheia.

1-“Elle” (França, 2016), de Paul Verhoeven

Falta ao cinema de maneira geral coragem para desafiar convenções de gênero e subverter certos dogmas sociais que paralisam o centeio fílmico. Paul Verhoeven é um inconformista por natureza. Seu cinema exala cinismo e confronta toda a hipocrisia e letargia social. “Elle” é um filme costurado todo ele a partir do entranhamento do drama vivido pela protagonista, vítima de uma violência sexual que decide investigar a identidade de seu agressor, por noções psicanalíticas profundas e ressonantes que extrapolam os limites da análise fílmica.

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