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Arquivo da Categoria Críticas

quinta-feira, 15 de outubro de 2015 Críticas, Filmes | 19:51

“Bata antes de entrar” transforma sonho masculino em pesadelo

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Demonstrando notável evolução como cineasta, Eli Roth entrega com “Bata antes de entrar” (2015), um thriller divertido sobre infidelidade conjugal. Com ecos de “Atração Fatal”, Roth coloca Keanu Reeves como Evan, um ex-DJ e agora arquiteto casado com uma artista plástica que é o retrato do homem bom. Dócil e atencioso com os filhos e todo amoroso e compreensível com a esposa.

Por trabalho, ele fica em casa em um fim de semana que a mulher e os filhos partem para a praia. Logo na primeira noite, terrivelmente chuvosa, duas jovens encharcadas batem a porta de Evan. Elas se perderam e com um celular molhado, estão incomunicáveis. Evan, para lá de bem intencionado, as acolhe, oferece chá e pelo Uber chama um carro para levá-las a seu destino. Mas as moças, genialmente interpretadas por Lorenza Izzo e Ana de Armas parecem pouco dispostas a partir. Elas se põem a conversar sobre preferências sexuais e avançam sobre Evan como predadoras na noite.

O desconforto do homem casado, no entanto, não é maior do que sua excitação com a situação toda e toda a cena, pacientemente construída por Roth, é muito feliz em expor esse complexo dilema do macho e problematiza o machismo com muito sadismo.

Foto: divulgação

Foto: divulgação

Como o trailer antecipa, Evan não resiste à promessa de “pizza grátis”, como ele próprio metaforiza mais adiante. Só que as duas moças decidem fazer da vida do infiel Evan, um inferno.

Elas parecem loucas, mas a audiência pode intuir que tudo faz parte de um teatro  sádico e Roth deixa a ópera fluir. Há encenação de incesto, pedofilia e toda sorte de depravação. Afinal de contas, um homem que trai aqueles que ama é um homem capaz de qualquer coisa do gênero, não é? A piração das moças é um deleite para Roth que não deixa pedra sobre pedra filmando praticamente em um só cenário, o interior da casa de Evan, e expondo visualmente a fissura que uma traição provoca no traído.

O moralismo da fita não é de verdade. É ele, também, uma grande ridicularização dos costumes, como atesta a genial cena final.  Nesse conto macabro de Eli Roth sobre infidelidade, o melhor dos sonhos masculinos é um pesadelo.

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quarta-feira, 14 de outubro de 2015 Críticas, Filmes | 14:43

“Um Senhor Estagiário” tem discurso feminista forte embutido em comédia sofisticada e sensível

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Nancy Meyers faz falta ao cinema. Muito já se falou de como o cinema mainstream negligencia um público mais maduro e mais recentemente muito tem se falado sobre como o público feminino é deixado de lado pelos grandes estúdios. Desde que se firmou como diretora, sua segunda incursão na direção com “Do que as mulheres gostam” em 2000 pode ser o marco zero, Nancy Meyers voltou-se para um público mais maduro dando preferência às mulheres.

Com “Um senhor estagiário” (2015), seu primeiro filme desde o bem sucedido “Simplesmente complicado” (2009), a cineasta continuar a contemplar esses desprestigiados nichos, mas o faz com mais assertividade e uma retórica incomum em seu cinema.

Aqui ela adota com mais clareza um discurso feminista e também advoga em favor da ideia de que idosos, se assim desejarem, devem sim ter espaço no mercado de trabalho. No filme, Robert De Niro é Ben, um septuagenário que após a morte da esposa decide voltar a trabalhar. Ele se inscreve no programa de estágio sênior da companhia fundada por Jules Ostin (Anne Hathaway), que viu seu blog de moda crescer exponencialmente para uma empresa de e-commerce e agora, além de lidar com todas as pressões inerentes ao negócio, precisa resistir ao assédio dos investidores para contratar um CEO. “Mark Zuckerberg pôde controlar sua própria empresa mesmo sendo um adolescente e nunca tendo trabalhado antes”, observa Jules em um dado momento do filme.

Tiradas como essa, sempre certeiras e impactantes, pontuam o filme que devolve Meyers ao campo das comédias sofisticadas. Apesar de sua agenda, “Um senhor estagiário” nunca emoldura um discurso aborrecido e sempre encanta pela leveza e emoção.

Foto: divulgação

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Jules e Ben são dois personagens cativantes e muito bem adensados pelas interpretações de De Niro e Hathaway.

A jornada de Jules para se estabelecer em um mundo ainda dominado por homens e que mostra sinais de resistência a ascendência feminina mesmo em donas de casa, como Meyers tão brilhantemente sublinha em um dos núcleos do filme, é o principal fio condutor de “Um senhor estagiário”, mas Meyers tem o mérito de observar essa jornada a partir da relação improvável entre Jules e seu, a princípio renegado, estagiário. É uma solução criativa colocar em um cavalheiro que sempre tem um lenço a mão para ofertar a uma donzela em lágrimas a maior convicção feminista do filme. O feminismo, no escopo de “Um senhor estagiário”, aliás, tem tudo a ver com a recolocação de Ben no mercado. Meyers não equipara uma coisa com a outra, mas sabiamente filtra os pontos em comum e eles são muitos.

Conceber personagens femininas fortes é outro mérito de Meyers replicado aqui. A Jules defendida tão lindamente por Hathaway é uma mulher que já contabiliza algumas feridas por nadar contra a maré e vamos descobrindo isso junto com Ben. Meyers não poupa sua personagem dos clichês que vitimam a mulher moderna e opta não por desfechos hollywoodianos, mas por um viés otimista na resolução dos conflitos propostos. Tudo a ver com um septuagenário praticante de ioga. Eles não são muitos, mas são cada vez mais numerosos. Assim como as Jules deste mundo.

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segunda-feira, 12 de outubro de 2015 Críticas, Filmes | 10:55

Com humor, “Perdido em Marte” propõe uma ficção científica menos solene

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Foto: divulgação

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Ridley Scott, um dos principais semeadores da boa ficção científica no cinema, volta ao gênero depois da controversa incursão com “Prometheus” (2012) com o elogiado “Perdido em Marte” (EUA 2015). Estrelado por Matt Damon e com um roteiro esperto de Drew Goddard, do ótimo “Guerra Mundial Z” e da série “Demolidor” da Netflix, o filme tem o mérito de devolver o humor à ficção científica. Pode parecer pouca coisa, mas não é.

O gênero andava muito sisudo e o próprio Scott tinha alguma coisa a ver com isso. Em “Perdido em Marte” ele coloca Matt Damon como um astronauta que é dado como morto por sua equipe durante uma forte tempestade em Marte e que precisa se virar para sobreviver em um planeta de recursos escassos até que a Nasa envie outra missão para lá.

“Perdido em Marte” parte de um futuro em que as expedições ao planeta vermelho já são uma realidade bem estabelecida e parte de seu fascínio reside justamente em ir descobrindo a maneira “realista” com que a Terra avança sobre Marte.

Outro acerto do filme é confiar a Matt Damon, um ator que quando navegou pela comédia (“O desinformante” e “Ligado em você”) o fez maravilhosamente bem, o ritmo do filme. É ele com seu Mark Watney carismático e otimista quem faz a banda de “Perdido em Marte” tocar.

Apesar do ótimo elenco de apoio, com nomes como Kate Mara, Jessica Chastain, Sean Bean, Jeff Daniels, Kristen Wiig e Michael Peña, é mesmo Damon quem norteia o filme.

A bem da verdade, o grande mérito de Scott na direção foi perceber que o show era do ator e que o humor tão presente no texto de Goddard deveria ser valorizado. Não à toa, alguns dos melhores momentos de “Perdido em Marte” vêm de monólogos de Watney.

No mais, “Perdido em Marte” cumpre aquilo se predispõe fazer: remover a solenidade exacerbada da ficção científica. Em tempos de “Interestelar” – que ironicamente conta com Damon e Chastain no elenco -, o novo filme de Scott é um sopro de humildade a um extrato do gênero (o sci-fi com mote espacial) que andava mesmo precisando se redescobrir.

Como diz em bom inglês o personagem de Damon em um dado momento de sua solidão forçada em Marte: “I´m gonna have to Science the shit out of this”. Com um pouco de humor, dá para dispensar a tradução.

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quinta-feira, 8 de outubro de 2015 Críticas, Filmes | 20:53

“Evereste” é experiência visual poderosa, mas apresenta narrativa frouxa

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Mais do que uma receita, o cinema-catástrofe tem uma meta. Expor o ser humano ao seu limite, de preferência com o acinte do que há de melhor em matéria de efeitos especiais no cinema da época. “Evereste”, incursão do islandês Baltasar Kormákur dos divertidos “Dose dupla” (2013) e “Contrabando” (2012) no filão, é um preenchimento pouco inspirado narrativamente, mas soberbo visualmente dessa meta.

A grande protagonista da fita é a montanha que representa o desafio para os alpinistas. Até aí, nenhum problema. Mas Kormákur nega qualquer tipo de redenção a seus personagens. Não pelo fato do filme ser inspirado em uma tragédia real ocorrida em 1996 e contada nos livros “Deixado para morrer”, de Beck Weathers (vivido no filme pelo ator Josh Brolin) e “No ar rarefeito”, de Jon Krakauer (no filme, vivido por Michael Kelly), mas por tratar seus personagens como meros fantoches.

Cena do filme "Evereste" (Foto: divulgação)

Cena do filme “Evereste”
(Foto: divulgação)

A ideia de adaptar não um, mas dois livros que detalham a tragédia deveria enriquecer “Evereste”, mas Kormákur tem como meta particular fazer um filme que seja antes de ser um drama fidedigno e envolvente sobre aquela tragédia específica, algo a ser experimentado em uma sala IMAX.

Ao subaproveitar algumas das ideias ofertadas pelo roteiro de William Nicholson e Simon Beaufoy, o islandês se contenta em estabelecer um jogo com sua audiência para ver quais astros de seu elenco sobrevivem ao devastador desfecho.  E eles são muitos. Jason Clarke, Jake Gyllenhaal, Sam Worthington, Martin Henderson e John Hawkes para citar alguns deles.

No frigir dos ovos, “Evereste” não chega a ser exatamente um filme-catástrofe. Em parte por ostentar apenas uma (ainda que longa) cena de destruição, mas fundamentalmente porque falha em levar o ser humano ao seu limite. Apesar de apresentar personagens ansiosos por aventuras radicais e, em última análise, em circunstâncias desesperadoras, “Evereste” não dimensiona seus personagens e, apesar do pedigree, sucumbe à nevasca da mediocridade.

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sexta-feira, 2 de outubro de 2015 Críticas, Filmes | 20:57

“Mate-me por favor” aborda repressão sexual a partir do contato com a morte

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Cena do filme "Mate-me por favor"

Cena do filme “Mate-me por favor”

Um close demorado na face de uma mulher. Corta. Ela corre desesperada de alguém, tropeça e grita. Esse prelúdio, filmado com incomum estilização no cinema brasileiro recente anuncia um filme que evita as soluções fáceis. “Mate-me por favor”, estreia na direção de longas-metragens da carioca Anita Rocha da Silveira, é um poderoso comentário acerca das circunstâncias do desejo e de sua repressão. O filme tem como pano de fundo um caso de serial killer a desovar corpos de jovens bonitas em terrenos baldios da Barra da Tijuca, bairro nobre da Zona Oeste do Rio de Janeiro. O interesse da cineasta, no entanto, reside na maneira como o caso afeta Bia (Valentina Herszage) e suas amigas que travam aquele tipo de amizade inseparável tão comum à adolescência.

Bia se vê infligida por uma súbita curiosidade de experimentar com o seu corpo. Esse desejo encontra uma barreira no namoradinho que parece mais suscetível às influências religiosas do que Bia. Mesmo assim, ele cede a algumas das investidas de Bia (em um dos muitos recortes sobre o verniz hipócrita de nossa sociedade ofertados por Anita), que logo parte para experimentações mais extremas.

“Mate-me por favor” valoriza os contrapontos e, nesse sentido, a relação da jovem com suas amigas – todas pinceladas com propriedade pelo roteiro de Anita, ganha relevo para além dos dramas individuais. O irmão de Bia, João (Bernardo Marinho), imerso em uma relação que jamais excede o campo virtual, é outra sutileza da cineasta que propõe um olhar revisionista ao Rio de Janeiro.  Da Barra da Tijuca filmada de maneira quase abstrata ao uso contumaz do funk, como alegoria, mas também como expressão da cultura local, a cidade é um personagem tão ou mais hermético do que Bia em sua recém-implementada divagação existencial.

Sem obedecer à lógica de um só gênero, a cineasta se permitir flertar com a sátira aqui e ali, mas adorna seu filme de uma atmosfera de terror filtrada de clássicos de David Lynch como “Veludo azul” e “Twin peaks”.  Apesar da temática, “Mate-me por favor” não é um filme fatalista. A morte jamais surge como um desejo absoluto, mas como um traço de um desejo muito mais complexo, incandescente e ruidoso.

A cena final, daquelas de tirar o fôlego da plateia e ampliar o significado de todo um filme, é das coisas mais impactantes produzidas no cinema recente. Anita Rocha da Silveira é, indubitavelmente, um nome do cinema nacional para se acompanhar de muito perto.

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domingo, 27 de setembro de 2015 Críticas, Filmes | 17:20

Olhar estrangeiro faz elogio afetuoso da cultura sambista em “O samba”

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Foto/divulgação

Foto/divulgação

Entusiasta da música brasileira, o franco-suíço Georges Gachot volta a investigar a música brasileira em “O Samba”, em estreia neste fim de semana em cinemas selecionados nas cidades de São Paulo e Rio de Janeiro. Assim como fizera em “Maria Bethânia: música é perfume”, Gachot se permite deslumbrar-se pelo universo que retrata.

Mais do que um exercício de investigação, “O samba” é uma contemplação. Com a curadoria de Martinho da Vila, reconhecidamente um dos maiores sambistas que o país tem a oferecer, Gachot adentra a comunidade de Vila Isabel, bairro da zona norte carioca que abriga a escola do coração de Martinho, para filmar um pouco dessa paixão incandescente.

Dos diferentes sons extraídos do pandeiro ao indefectível samba no pé e sorriso no rosto de crianças carentes, passando pela exaltação do talento de Martinho como letrista, “O Samba” perfila um punhado de emoções que, embora previsíveis, são referendadas pelo que tem de genuínas.

Em alguns momentos, porém, “O samba” não consegue se esquivar de um olhar exótico para esse traço da cultura brasileira. A principal fala de Ney Matogrosso, um dos poucos nomes de expressão a ter voz no filme fora Martinho – a outra é Leci Brandão – reforça uma convicção estrangeira sobre o papel do samba no país e para o brasileiro. Trata-se de um preconceito que Cachot usa um artista local para advogar em seu filme. É um dos momentos em que “O samba” é mais vulnerável enquanto discurso.

No mais, trata-se de um filme sem grandes aspirações outras que não oferecer uma leitura bastante interessada de um dos principais gêneros da música brasileira. “É cantar as coisas sem muito sofrimento”, observa Martinho em um dado momento. “O Samba” tem o mérito de ser um filme que busca essa sinergia tão cara a um bom samba.

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sábado, 19 de setembro de 2015 Críticas, Filmes | 19:38

Quem canta os males espanta no delicado “Ricki and the flash”

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Filmes sobre conflitos familiares pipocam em Hollywood, mas “Ricki and The flash – de volta pra casa” (EUA 2015) tem um molho especial. Além de ser regado à melhor música dos anos 70 e 80, a produção reúne Meryl Streep, o diretor Jonathan Demme e a roteirista Diablo Cody. Como bônus, promove o reencontro da atriz com Kevin Kline, seu parceiro no atemporal e inesquecível “A escolha de Sofia” (1982) e o encontro da atriz com sua filha Mamie Gummer nas telas.

Meryl Streep vive a Ricki do título, que na verdade se chama Linda, uma mulher que abandonou marido e filhos para perseguir o sonho de ser uma rock star. Não deu certo. Quando o filme começa, com uma apresentação da banda Ricki and the flash, porém, a energia daquela sexagenária no palco nos faz crer outra coisa e passa por aí parte do êxito de “Ricki and the flash” enquanto experiência cinematográfica. De uma delicadeza tangível, o filme de Demme transborda energia e sensibilidade. Onde as palavras parecem não dar conta, uma cena de música surge para preencher todo o sentido possível.

Foto: divulgação

Foto: divulgação

Ricki tem sua rotina – que ela tenta colorir com um ‘peguete’ da banda e um bartender gay que a idolatra como sua Madonna particular – interrompida com a ligação do ex-marido (Kline) a convocando para ajudar na recuperação de sua filha (Gummer), atravessando uma crise depressiva após ser abandonada pelo marido. Naturalmente esse reencontro, não só de Ricki com sua filha – e seus outros filhos, mas com seu passado e com sua vida pregressa irá promover choques e atritos. Ainda que o roteiro de Cody perpasse por esses choques com alguma pressa, não dá para dizer que o filme suprima a tensão dramática para facilitar a redenção familiar. A música, afinal, está ali para purgar todo esse carma.

Demme é um narrador fugaz e conta com uma atriz poderosa em cena. Streep já não entregava uma atuação tão condoída, tão envolvente desde “Álbum de família” (2013). Não era tão cativante desde “Simplesmente complicado” (2009).

O elenco de apoio não decepciona. Rick Springfield, um roqueiro decadente que abraçou atuar como um roqueiro decadente no cinema agrega ainda mais singeleza a “Ricki and the flash” como o inesperado ponto de equilíbrio de Ricki. Com pouco tempo em cena, Kevin Kline fundamenta bem seu personagem, um tipo que parece ter enrijecido ainda mais após Ricki ter partido de sua vida.

Ademais, como não poderia deixar de ser em um texto assinado por Diablo Cody, o filme resvala no feminismo, mas com doçura e generosidade. É uma cena bonita e que antecipa o momento mais apoteótico e emocional da fita ao som de “Drift away”, de Dobie Gray.

Com personagens iluminados e uma atmosfera inebriante, “Ricki and the Flash” se revela um dos filmes mais agradáveis e saborosos do ano. Não é pouca coisa.

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quinta-feira, 17 de setembro de 2015 Críticas, Filmes | 18:52

Filme de ator, “Nocaute” combina emoção e testosterona para cativar

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Foto: divulgação

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Filmes sobre esportes em geral, e boxe em particular, obedecem a certa estrutura narrativa que afasta alguns espectadores enquanto cativa outros. “Nocaute” (EUA, 2015) abraça este lugar-comum com todas suas forças e Jake Gyllenhaal.  É isso mesmo. “Nocaute” é um filme de ator. Antoine Fuqua dirige de maneira a ceder todo espaço do mundo para seu ator brilhar e Gyllenhaal não faz por menos. No filme, ele vive Billy Hope, um órfão que ascendeu do “sistema” para o topo da categoria dos meio-pesados no boxe. O roteiro de Kurt Sutter faz um bom desenho do personagem. Como todo menino pobre e abandonado, Hope tem problemas de raiva e controle (em qualquer esfera de sua vida) e é sua esposa Maureen (Rachel McAdams) quem lhe provê equilíbrio e norte. O mais interessante é que essa fissura pisológica se reflete no jeito de Hope lutar. Ele só consegue bater apanhando e só vence suas lutas depois de ser duramente golpeado pelos adversários. Ainda assim, mantém um cartel invicto.

Tudo muda de figura quando Maureen é vítima de uma tragédia adornada por esse emocional convulsionado de Hope, morre, e o lutador cai em desgraça.

Os três atos do filme são muito bem estabelecidos por Fuqua. Quando conhecemos Hope ele está no auge, pai de uma menina amorosa, marido de uma mulher atenciosa e devotada, milionário e admirado por multidões. Mas a “bolha Hope”, como Maureen se refere a este momento, estoura e e o segundo ato exibe toda a implosão do personagem e aí Gyllenhaal recebe carta branca de Fuqua para comandar o show. Depois de ter a guarda de sua filha retirada, de tentar se matar reiteradamente e atingir o fundo do poço, não resta nada para Hope além de começar a escalada para cima novamente. Surge então Forest Whitaker como o treinador do único cara que Hope sente que o venceu. Hope o procura para treiná-lo. Whitaker faz um tipo sábio que parece mais preocupado em treinar a mente do que o corpo do novo pupilo. Chega o terceiro ato e a esperada redenção. E embora saibamos exatamente o desenrolar que vai se suceder, é impossível resistir à emoção.

Um dos méritos de “Nocaute” é trabalhar os clichês de forma muito natural, sem deixar-se conduzir por eles. Nesse sentido, Gyllenhaal é vital. É o ator, com suas variações entre a contenção e a explosão, em uma atuação tão física como intuitiva, quem garante que os conflitos de seu personagem prevaleçam à obviedade da narrativa.

Por isso “Nocaute” é um filme melhor do que talvez fosse se protagonizado pelo rapper Eminem, como estava inicialmente previsto.

Se Fuqua não filma as lutas de boxe com a inventividade que David O. Russell consagrou em “O vencedor” (2010), agrega à testosterona muito coração.  No fim das contas, é assim que se ganha lutas no cinema.

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quarta-feira, 16 de setembro de 2015 Críticas, Filmes | 19:36

Politicamente incorreto, “Férias frustradas” é rara refilmagem que faz par ao original

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Um dos clássicos da comédia oitentista, “Férias frustradas”, é o novo alvo da onda de remakes e reboots que assola a Hollywood atual. Mas a fita dos diretores debutantes John Francis Daley e Jonathan M. Goldstein (roteiristas de produções como “Quero matar meu chefe” e “O incrível mágico Burt Wonderstone”) não é uma refilmagem convencional. O filme é um misto de sequência e adaptação do filme protagonizado pelo impagável Chevy Chase. Aqui Ed Helms é Rusty Griswold que na esperança de reanimar o convívio familiar decide fazer a viagem ao Wally World, a mesma pretendida por seu pai no filme original.

Como é possível antecipar, tudo sai errado para Rusty e sua família composta pela esposa Debbie (a sempre ótima Christina Applegate) e pelos filhos James (Skyler Gisondo, hilário) e Kevin (Steele Stebins).

Skyler Gisondo, um inesperado roubador de cenas, ao lado de Ed Helms (Foto: divulgação)

Skyler Gisondo, um inesperado roubador de cenas, ao lado de Ed Helms
(Foto: divulgação)

Além da acertada escalação do elenco, o filme têm como bônus participações especiais inspiradas como as de Charlie Day, como um guia turístico bipolar, do próprio Chevy Chase, Regina Hall, Norman Reedus (o Daryl de “The walking dead), Ron Livingston, Leslie Mann e especialmente Chris Hemsworth, o Thor em pessoa, como um republicano altamente sexualizado casado com a irmã de Rusty.

A grande sacada da realização, no entanto, foi deixar o politicamente correto de fora, o que reforça o potencial cômico do filme e lhe acresce certo frescor em uma seara em que a comédia americana parece tão pudica. O que funciona melhor, e até certo ponto surpreende, é a dinâmica de bullying entre os filhos de Rusty. São as cenas de rivalidade entre os dois irmãos, bem originais e incorretas, que proporcionam as melhores gargalhadas que a comédia americana ofertou em 2015 nos cinemas. Sem se levar a sério, mas reverente à fórmula de filme familiar, “Férias frustradas” (EUA, 2015) consegue corresponder ao legado do filme original e adentrar à galeria das boas (e bem-vindas) refilmagens.

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terça-feira, 15 de setembro de 2015 Críticas, Filmes | 19:04

Gaspar Noé tenta capturar complexidade do amor por meio do sexo em “Love”

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Love - 2

Gaspar Noé é um polemista insaciável. Mas talentoso. Para o bem e para o mal, “Love” (França, 2015) é um reflexo de seu autor. O filme que está sendo vendido como “o mais polêmico do ano”, afasta qualquer polêmica se tirarmos a nudez e o sexo explícito da equação.

A proposta de Noé é fazer um filme sobre o amor a partir da perspectiva sexual. Mostrar o sexo, portanto, passa a ser uma necessidade narrativa. Necessidade muito bem justificada pelo cineasta conforme suas ideias ganham corpo no transcorrer da obra.

Murphy (Karl Glusman) está insatisfeito com sua vida. Entre seus grandes arrependimentos está como deixou as coisas com Electra (Aomi Muyock). Murphy vive com Omi (Klara Kristin), a quem conheceu e engravidou enquanto ainda estava com Electra. Na manhã de ano novo, época em que estamos todos propensos a reavaliações de nossas vidas, Murphy recebe um telefonema da mãe de Electra, preocupada com a filha a quem não consegue contatar há dois meses. A ligação mexe com Murphy que mergulha em certa catatonia e põe-se a rememorar a relação com Electra.

“Love” então estabelece uma narrativa não linear, totalmente influenciada pela perspectiva masculina, heteronormativa e fatalista de Murphy. Noé incumbe-se de desalinhar uma história de amor repleta de clichês como em todo filme hollywoodiano, mas esses clichês são abordados com um realismo desencantado em que o sexo surge como expressão dos sentimentos dos personagens. Trata-se de um uso do sexo como ferramenta narrativa inédito no cinema.  A explicitude dos atos sexuais, muito bem filmadas por Noé, não é propositalmente erotizada. Aliás, em momento algum Noé busca o erotismo gráfico, aquele pretendido por closes de genitais e captura de gemidos histéricos em filmes pornográficos. Os corpos aqui são filmados em sua beleza trivial e trivialmente apresentados à audiência.

O que não impede que o sexo seja filmado e ambientado de maneiras diferentes ao longo da produção, reforçando a expressividade narrativa pretendida pela realização. Quando Electra e Murphy levam a vizinha menor de idade Omi para a cama. É quando Noé se permite mais erotizar uma cena de sexo. É, também, a cena mais demorada de sexo do filme. Da música à câmera ciosa dos corpos que se contorcem em tesão incontido, Noé registra aquele momento de comunhão de um casal em plena realização de uma fantasia em comum. É a partir deste momento que a memória de Murphy passa a projetar mais linearmente a desestruturação de sua relação com Electra.

Há cenas exageradamente planejadas em "Love", mas impulsos toleráveis de um realizador habituado a causar certo desconforto (Fotos: divulgação)

Há cenas exageradamente planejadas em “Love”, mas são impulsos toleráveis de um realizador habituado a causar certo desconforto
(Fotos: divulgação)

Apesar da retidão temática, Noé cede a seus impulsos de vaidade. Se autoreferencia no filme em dois personagens e “explica” a razão de ser de “Love” em diálogos soltos. Em um dado momento, Murphy, que estuda cinema, diz que fará um filme regado a “sangue, esperma e lágrimas” porque “esta é a essência da vida”. Em outro momento, o mesmo Murphy, assumindo-se como alter ego do cineasta, diz que deseja fazer um filme sobre a sexualidade sentimental.

Fruto de vaidade ou insegurança, “Love” não carecia dessas elaborações interdiegéticas para se validar. A experiência estética proposta por Noé transmuta completamente o sentido do filme. Não mostrasse o sexo entre os personagens, “Love” não adentraria a derme da audiência com sua inquietação, com seu fatalismo. Talvez fosse possível psicologizar Murphy, mais reprimido sexualmente do que Electra e menos ponderado também, mas não se atingiria a verve do que “Love” pretende ser. Um olhar dolorosamente romantizado sobre como é amar. Atentando à complexidade do sentimento em todas as suas sabotagens, fases, desejos, convenções, ilações e experimentações.

Polêmico por ofertar sexo explícito e, decepcionante para alguns por não apresentar nada de novo, “Love” é um triunfo da estética a serviço de um norte narrativo. Noé fez sua versão de “Romeu e Julieta” com muito mais sapiência do que a nudez constante em seu filme permite aos apressados enxergar. É um filme que vai crescer com o tempo e, como grandes amores, adquirir novo significado.

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