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quinta-feira, 12 de outubro de 2017 Críticas, Filmes | 18:26

“O Advogado” captura tensão entre as Coreias no despertar da consciência de seu protagonista

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Produção sul-coreana de 2013 chega finalmente ao País com a deferência de ser um dos maiores sucessos de bilheteria da história da Coreia do Sul

Divulgação

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Estreia deste fim de semana em São Paulo, “O Advogado” chega referendado pelo fato de ser uma das maiores bilheterias do cinema sul-coreano e por ser inspirado na história de Roh Moo-hyun, advogado tributarista que se tornou o nono presidente do País.

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O filme se escora no “Burim Case”, de 1981, durante o regime militar do autoritário Chun Doo-hwan, quando 22 estudantes, professores e trabalhadores foram presos sob a alegação de serem simpatizantes de norte-coreanos. “O Advogado”, portanto, se incumbe de avalizar as tensões entre as coreias e, também, de ser um filme sobre o despertar político de um “self made man”.

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O esnobado advogado Song (Kang-ho Song) não tem clientes, nem conexões, mas é particularmente engenhoso. Tanto que virou advogado mesmo não tendo todas as graduações jurídicas necessárias para isso. É importante ter em mente que o sistema legal da Coréia do Sul difere fundamentalmente do brasileiro, mesmo do americano que costuma ser uma referência no cinema.

Song é até mesmo um pouco arrogante e não tem consciência de sua alienação. A coisa começa a mudar de figura quando ele se depara com um caso indesejado de um jovem acusado de um crime e torturado na prisão. Ninguém parece disposto a defendê-lo e Song só aceita o caso, a princípio, como um favor para uma pessoa importante em sua vida.

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“O Advogado” não é um filme exatamente especial, é até um pouco mais longo do que o desejável, mas o diretor Woo-Seok Yang trabalha os códigos de gênero muito bem. O filme começa como uma comédia algo cínica, envereda pelo thriller de tribunal e se consagra como um drama com fundo humanista.

“O Advogado” é, portanto, uma opção para quem quer fugir da programação mais comercial e fazer um esquenta para a Mostra internacional de São Paulo que se avizinha.

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segunda-feira, 25 de setembro de 2017 Análises, Críticas, Filmes | 14:13

Orgia testamental de Aronofsky, “mãe!” é cinema que busca sentido em quem o assiste

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Novo filme de Darren Aronofsky é uma das produções mais polarizantes de 2017 e um petardo difícil de ser digerido pelo público. Entre o ruído e a excelência, “mãe!” é um filme marcante

Jennifer Lawrence em cena de "Mãe!"

Jennifer Lawrence em cena de “Mãe!”

Se o cinema é a conjugação de enquadramentos e extracampo, Darren Aronofsky parece decidido a levar essa máxima ao limite.  “mãe!” é um filme que parece existir apenas por meio das alegorias que viabiliza. Essa construção tão hermética quanto rocambolesca é, em si, uma restrição à grandeza cinemática objetivada pelo cineasta. É como se seu filme, ao abrir-se quase que por inteiro à interpretação daqueles que se deixem tocar por ele, prescindisse de sua inteireza narrativa e se contentasse com o fato de ser uma colcha de retalhos. De seu criador e daqueles em contato com ele.

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Feita essa restrição, “mãe!” é um filme de profunda e constante reverberação. Não é um filme fácil, tampouco para ser digerido como nos acostumamos a digerir o cardápio usual oferecido pelo cinema contemporâneo.  Esteta de mão cheia, Aronofsky propõe uma experiência incômoda, provocadora e capaz de subsistir em referências e devaneios filosóficos de toda ordem.

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mãe posterÉ premente identificar a bíblia como principal fonte para as referências e metáforas salpicadas ao longo das duas horas de filme. Mas as alegorias vão além. É possível perceber um comentário potente a respeito do casamento, do machismo inerente ao viés religioso, de nossa relação com o planeta, à vaidade intelectual, entre outras coisas. O mais acachapante em “mãe!”, no entanto, é a radiografia de um Deus narcisista e autocomplacente.

O filme é, sob muitos aspectos, uma intermitente sessão de terapia. Aronofsky se tem em grande estima e isso fica muito claro nos paralelos que estipula com a figura do criador, mas essa prepotência não é despropositada. O criador não é uma figura tão simpática e benevolente como muitos podem crer. É um filme de muitas camadas e capaz de produzir sentidos conflitantes em diferentes revisões.

 

Entre a parábola e as metáforas

Jennifer Lawrence é a mãe do título. Ela mora com Ele (Javier Bardem) em uma casa afastada no campo. Ele é um escritor e passa por uma profunda crise criativa. Ela é devotada a ele. A relação dos dois parece resfriada e começa a sofrer espasmos quando um estranho (Ed Harris) bate à porta e é acolhido por Ele. Pouco tempo depois é a mulher do estranho (Michelle Pfeiffer) quem chega para desestabilizar de vez mãe, cada vez mais incomodada com a atenção dispensada por Ele aos estranhos.

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Aronofsky não é um diretor conhecido pela sutileza e a metáfora para Adão e Eva está posta. Logo vem Cain e Abel e quando nos damos conta estamos diante do novo testamento. E o que Aronofsky propõe é uma reinterpretação furiosa desse ciclo bíblico.

A ideia de humanizar a natureza, Jennifer Lawrence nada mais é do que a Mãe Natureza, parece tão desalojada quando genial. Assumir o ponto de vista da Natureza em sua relação com Deus e com o homem pode parecer pueril, mas demanda uma energia criativa potente. Algo que o cinema de poucas concessões de Aronofsky é capaz de prover e aí é preciso alinhar a performance corajosa de Jennifer Lawrence. A atriz assume um papel difícil, todo ele sustentado por expressões de agonia, desentendimento e dor, e se entrega a um diretor disposto a usá-la como artífice e arquétipo em um filme de rara megalomania. Metade da força bruta de “mãe” reside na atuação de Lawrence, que alterna fúria e delicadeza com a mesma intensidade que a natureza oferta um arco-íris após a tempestade.

Darren Aronofsky orienta Jennifer Lawrence no set de mãe!

Darren Aronofsky orienta Jennifer Lawrence no set de mãe!

A falta de química com Javier Bardem é um dos brilhantismos da direção de Aronosfky – há outros. Trata-se de um mecanismo narrativo providencial para adensar as alegorias pretendidas e ensejadas pelo longa-metragem.

“mãe!” é delirante em seus superlativos. Talvez Aronofsky desacredite do cinema de entretenimento. Talvez tenha levado ao extremo o clichê de se pôr no lugar do outro. Talvez seja um filme que só o tempo será capaz de açoitar preconceitos e expectativas. Certo é que “mãe!” é de uma rigidez intelectual ímpar no cinema contemporâneo. Não há como desgostar de uma obra que se proponha a tanto.

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domingo, 10 de setembro de 2017 Críticas, Filmes | 12:37

Boas cenas de ação e Charlize letal não garantem qualidade de “Atômica”

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Charlize Theron apanha e bate muito, mas não consegue fazer com que “Atômica” seja tão divertido quanto o filme pensa ser

Charlize Theron em cena de "Atômica" Fotos: divulgação

Charlize Theron em cena de “Atômica”
Fotos: divulgação

Charlize Theron já havia demonstrado mandar bem na ação em produções como “Mad Max: Estrada da Fúria” (2015), “Velozes e Furiosos 8” (2017), “Hancock”  (2008), “Aeon Flux” (2003), entre outros. “Atômica” (2017), no entanto, é seu atestado de excelência no gênero. É quando reclama o posto de versão feminina de Liam Neeson na contemporaneidade do cinema americano.

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Dirigido por David Leitch, um ex-dublê que estreou na direção codirigindo “De Volta ao Jogo”, “Atômica” é visualmente exuberante. Seja pela gélida e plácida recriação da Berlim do fim dos anos 80, seja pelas coreografias espertas das cenas de luta. Falta ao filme, no entanto, autoconsciência. A produção, que versa sobre a espiral de traições envolvendo espiões na esteira da tensão política pré-queda do muro, se leva (muito) mais a sério do que o desejável.

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Não que o público não entenda as maquinações e não seja possível intuir as motivações dos personagens, todos de maneira geral pouco simpáticos, mas porque elas se mostram mais tediosas do que um filme do gênero poderia suportar e porque francamente boa parte delas não faz o menor sentido e exige da audiência mais condescendência do que o combinado.

Entre os pontos fortes do filme estão Charlize Theron, fria, linda e letal como se espera de uma personagem como Lorraine Broughton, a trilha sonora caprichada que ajuda a emular o clima punk rock da fita e James McAvoy como o operativo do MI6 em Berlim, David Percival. McAvoy é, em mais de um momento, a fagulha que traz de volta o público para a onda do filme.

Charlize e Sophia se pegam em uma das melhores cenas do longa

Charlize e Sophia se pegam em uma das melhores cenas do longa

Lorraine é despachada para Berlim para tentar recuperar um arquivo que contém o nome de todos os espiões atuando na cidade que vive grande efervescência político-social. De quebra, ela precisa descobrir a identidade de um traidor nas hostes do MI6. É tudo relativamente óbvio e a maneira como as revelações se organizam expõe mais uma fragilidade narrativa.

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“Atômica” é o exemplar perfeito para o argumento de que boas cenas de ação sozinhas não fazem um bom filme de ação. Leitch tem talento, mas precisa controlar sua ambição. A carreira pode descarrilar antes mesmo de se consolidar.

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quinta-feira, 31 de agosto de 2017 Críticas, Filmes | 11:43

Introspectivo e sombrio, “Bingo – O Rei das Manhãs” traz protagonista em carne viva

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Produção celebra os anos 80, quando não havia espaço para a correção política na cultura pop, e entrega um dos filmes mais potentes do cinema nacional em anos

Bingo (2)

Duas constatações se impõem rapidamente ao espectador de “Bingo – O Rei das Manhãs”, estreia potente de Daniel Rezende, montador de “Cidade de Deus” e “Tropa de Elite”, na direção. A destreza técnica do filme que o aproxima do cinema americano – a articulação da narrativa também evoca o paralelo – e o desenho dos anos 80, onde a trama de Augusto Mendes (Vladimir Brichta) se desenrola. Não há espaço para a correção política. Nem nos anos 80 em que se desenrola a trama, nem no filme de Daniel Rezende.

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O filme dá conta da história de Arlindo Barreto que deu vida ao icônico palhaço Bozo e protagonizou uma verdadeira guerra pela audiência das manhãs da TV brasileira com a rainha dos baixinhos. “Bingo – O Rei das Manhãs” se assevera, portanto, como uma elaborada radiografia da cultura pop brasileira da época, um incômodo estudo de personagem e um drama ruidoso sobre os labirintos da fama.

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Nesse sentido, o trabalho de Brichta é elemento fundamental, pois emana energia para todo o filme. O ator comporta toda a contradição de um homem de virtudes e defeitos que são potencializados conforme ele vai desaparecendo na figura de Bingo. Brichta se entrega de corpo e alma e assume o seu melhor momento como intérprete com um personagem profundo, complexo, arredio e repleto de antagonismos. Apenas um ator sensível e em comunhão com seu diretor poderia dar conta de um material tão denso e cheio de camadas.

Fotos: divulgação

Fotos: divulgação

Trabalhar com cineastas como José Padilha e Fernando Meirelles sem dúvida alguma preparou Rezende para sua estreia como cineasta. Dono de um ritmo acima de qualquer suspeita, o filme tem tudo no lugar certo. A jornada ao inferno do protagonista é pontuada com momentos de extrema introspecção, sacadas pop e arroubos soturnos. Tudo com a covalência de uma câmera que sabe onde estar e sempre provê o enquadramento necessário.

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“Bingo – O Rei das Manhãs” é um daqueles filmes de enorme força criativa que o cinema brasileiro oferta de quando em quando e que equaliza com rara felicidade elementos autorais e comerciais. Junta-se portanto a uma galeria nobilíssima formada por “Cidade de Deus”, “Tropa de Elite” e “O Palhaço”.

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terça-feira, 8 de agosto de 2017 Diretores, Filmes, Notícias | 12:22

Delirante e cheio de simbolismo, 1º trailer de “Mãe” é um espetáculo de potência

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Jennifer Lawrence em cena de "Mãe"

Jennifer Lawrence em cena de “Mãe”

Se existe um diretor receptivo a análises dos trailers de seus filmes, esse diretor é Darren Aronofsky. A Paramount divulgou nesta terça-feira (8) mundialmente o primeiro trailer de “Mãe”, novo filme do cineasta que integra a seleção oficial do Festival de Veneza e estreia nos cinemas brasileiros em 21 de setembro.

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Os últimos dois filmes de Aronofsky mergulharam potentemente nas profundezas da mente humana e abraçaram a espiral de terror psicológico. Tudo indica que “Mãe” dialoga em alta voltagem com “Cisne Negro” (2010) – repare na semelhança entre esses pôsteres – e “Noé” (2014). O trailer, extremamente climático e sombrio, pouco revela além do que a curta sinopse sugere:  dois convidados indesejados perturbam a paz do casal vivido por Javier Bardem e Jennifer Lawrence. Tudo no trailer sinaliza para uma provação intensa da personagem de Jennifer Lawrence.

 

À medida que a prévia de pouco mais de dois minutos avança, vemos um distanciamento atroz entre os personagens de Bardem e Lawrence. “ Ele tem uma foto sua na bagagem dele”, exclama Lawrence. “O que você estava fazendo mexendo na bagagem dele?”, devolve o marido.

Vale lembrar que os personagens não tem nomes, mas a ação se passa em um dia das mães. Todo o trailer se passa dentro da casa do casal e há referências a um refugiado pervertido e a um escravo sexual. Delírios, simbolismos e horror! Sentimos sua falta, Aronofsky!

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segunda-feira, 31 de julho de 2017 Análises, Filmes | 13:30

Cult instantâneo, “Em Ritmo de Fuga” inaugura o musical de ação enquanto gênero

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Novo filme de Edgar Wright, “Em Ritmo de Fuga”, é bom, original e divertido e o amor de que é alvo mostra que o público está ávido por filmes com essas qualidades

Cena de Em Ritmo de Fuga (Fotos: divulgação)

Cena de Em Ritmo de Fuga (Fotos: divulgação)

O ano de 2017 está se provando pródigo para o cinema e entre muitos bons filmes, “Em Ritmo de Fuga” destaca-se por sua originalidade fulgurante, seu charme inescapável e criatividade assertiva. É um cult instantâneo desses que habitará a memória afetiva de cinefilia no mesmo compasso de produções tão diversas como “Blade Runner – O Caçador de Androides” (1982), “O Grande Lebowski” (1998) e “Pulp Fiction – Tempos de Violência” (1994).

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Edgar Wright, responsável pela trilogia do Cornetto, composta por “Todo Mundo Quase Morto” (2004), “Chumbo Grosso” (2007) e “Heróis de Ressaca” (2013), defende um cinema pop, bem-humorado e com boas referências cinéfilas. “Em Ritmo de Fuga” traz essa assinatura em cada fotograma. É um musical de ação, como muita gente anda definindo.

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A premissa é simples, Baby (Ansel Elgort) é um jovem e prodigioso motorista que por ter uma “dívida” com Doc (Kevin Spacey), um gangster que opera nas sombras e escalas diferentes equipes para assaltos audaciosos, dirige os veículos de fuga de Doc nesses serviços. A peculiaridade de Baby é que ele ouve música o tempo inteiro, um recurso objetiva amenizar um zumbido que é sequela de um acidente na infância, mas também se justifica pelo apreço do rapaz a dar uma trilha sonora para todas as fases e momentos da vida.

Essa simbiose entre Baby e a música também se verifica entre as cenas, principalmente as de ação, e a música. Wright é hábil ao construir sua narrativa a partir dessa proposta. Podem ser cenas como o paquera de Baby e Debora (Lilly James) em que os nomes deles emulam canções e reflexões do tipo que costumamos lançar mão em paqueras em bares e restaurantes ou no trato com traficantes de armas, ao som de Tequila, do The Button Down Brass. Nada, porém, supera a genialidade e delicadeza de uma cena no clímax do filme, ao som de Never, never Gonna Give Ya Up de Barry White. O musical de ação de Wright mais do que espirituoso, é convidativo; o púbico flui junto com Baby.

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Edgar Wright orienta Ansel Elgort no set de Em Ritmo de Fuga

Edgar Wright orienta Ansel Elgort no set de Em Ritmo de Fuga

Se imaginação é o forte desse filme, que mescla romance, violência, música e cinismo, muito se deve ao talento de Wright como roteirista. À direção, no entanto, falta um pouco desse viço criativo. As cenas de ação, apesar da bem-vinda abordagem musical, são relativamente frustrantes. O clímax é atropelado – muita coisa acontece e muita coisa francamente inverossímil dentro do pacto estabelecido entre o público e o filme – e Wright investe em um final atípico para o público ao qual o filme majoritariamente se dirige. É um bom final, trágico de uma maneira esperançosa, socialmente responsável até, mas pode reforçar o status de que o filme não sobrevive ao hype.

Ansel Elgort tem uma performance física pertinente à proposta, mas exige algum esforço vê-lo como herói de ação – falta essa convicção ao próprio ator. O resto do elenco, no entanto, compensa essa relativa deficiência. Jamie Foxx ratifica o jeito que leva para construir alucinados em comédias, aqui surge ainda mais insano do que em “Quero Matar Meu Chefe”. Mas o grande trunfo da fita é mesmo Jon Hamm. “Em Ritmo de Fuga” oferta ao Don Draper de “Mad Men”, seu primeiro grande papel no cinema. Talvez seja a “killer track” que ele precisava.

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segunda-feira, 24 de julho de 2017 Análises, Bastidores, Filmes | 09:00

Sony já é a grande campeã do verão americano de 2017

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Estúdio não será o maior em faturamento na temporada, mas foi o único a apresentar uma equação equilibrada de qualidade, planejamento, risco e originalidade. Algo cada vez mais singular na indústria do entretenimento

Arte do filme "Em Ritmo de Fuga" por Joshua Kelly

Arte do filme “Em Ritmo de Fuga” por Joshua Kelly

A vida da Sony, um dos estúdios mais importantes e prestigiados do sistema que Hollywood representa, não vinha fácil. Sucessivos fracassos de bilheteria que irromperam até mesmo a 2017 – que tem tudo para ser o melhor ano da história recente do estúdio. Alguém se lembra de “Passageiros”, aquela ficção-científica que tanto prometia e ainda reunia dois dos astros mais empolgantes da atualidade? Essa foi a pá de cal na fase malfadada iniciada na tentativa de reiniciar a franquia do Homem-Aranha com Marc Webb e Andrew Garfield à frente.

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Os solavancos foram expressivos e se deram também no âmbito da espionagem corporativa, quando hackers norte-coreanos invadiram os servidores do estúdio e vazaram documentos e correspondências sigilosas em represália à produção e distribuição do filme “A Entrevista”, que satirizava o ditador daquele país. A década ainda não acabou, mas ela tem sido sofrível para o estúdio que não consegue amealhar sucessos de bilheteria, ou mesmo de crítica. Tirando o selo de arte, o Sony Classics, que praticamente só compra e distribui filmes independentes, o estúdio está fora do Oscar desde 2012, quando teve “ A Hora Mais Escura” entre os finalistas.

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A torre negraMas 2017 parece mesmo o ano da mudança. Para começar, “Homem-Aranha: De Volta ao Lar” agradou a crítica e já caminha para os US$ 500 milhões na bilheteria mundial. É oficialmente um hit e foi o filme mais barato do aracnídeo produzido pelo estúdio. A parceria com a Marvel rendeu e rendeu bem em todas as frentes. Se cercar de talento e apostar no risco foi uma estratégia certeira em outras frentes também.

Edgar Wright (“Scott Pilgrim Contra o Mundo”) é um dos cineastas mais talentosos e apaixonados por cinema que há hoje e botar esse cara para fazer um filme com o apoio do sistema de estúdios é a coisa certa a fazer, mas não é o que os estúdios andam fazendo atualmente. “Baby Driver”, “Em Ritmo de Fuga” no Brasil, é dos filmes mais bem cotados pela crítica americana no ano. Barato, tá com um boca a boca positivo e se segurando contra blockbusters de raiz no mercado da América do Norte. A Sony já pensa na continuação.

Mais do que o hype, “Em Ritmo de Fuga” é um filme original em uma era em que franquias e adaptações dominam. É um gol de placa da Sony em uma temporada que os arrasa-quarteirões não estão convencendo nas bilheterias.

deNão obstante, a Sony ainda tem “A Torre Negra”, aguardada adaptação de Stephen King, com Idris Elba e Matthew McConaughey à frente do elenco. É mais uma tentativa de emplacar um franquia e depender menos de um certo aracnídeo. O hype e a expectativa jogam a favor da empreitada da Sony que calculou muito bem sua movimentação na temporada.

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Essa é a herança positiva de Amy Pascal, que deixou a presidência da Sony Pictures na esteira do escândalo dos vazamentos de e-mails da empresa. Tom Rothman, que já dirigiu a FOX e a Tristar, divisão da Sony, deve seguir o bom caminho ensejado por Amy, que segue como produtora vinculada à empresa.

A Sony não vai figurar entre os melhores faturamentos do ano. Warner e Disney vão protagonizar mais uma vez essa disputa – com larga vantagem para a segunda – mas tem um 2017 de recuperação e deve deixar a Paramount isolada na posição de grandes estúdios em naufrágio acelerado.

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domingo, 23 de julho de 2017 Críticas, Filmes | 16:34

Com a fórmula Marvel, “Homem-Aranha: De Volta ao Lar” é o filme que o personagem precisava

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“Homem-Aranha: De Volta ao Lar” comprova a acertada decisão da Sony de recorrer à Marvel para recolocar o personagem que é seu maior trunfo nas bilheterias nos trilhos

Spider

A relação entre a pré-adolescência e a maturidade é um elemento poderoso em “A Viatura”,  primeiro e único filme de John Watts como diretor antes de “Homem-Aranha: De Volta ao Lar” e essa característica não só é importante para a compreensão do sexto filme estrelado pelo herói aracnídeo, o primeiro com curadoria da Marvel Studios, como ajuda a entender a razão da bem sucedida escolha de Watts para a empreitada.

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“Homem- Aranha: De Volta ao Lar” é, para todos os efeitos, um reboot, mas não é mais um. Aqui temos o Aranha raiz, para usar uma expressão da moda. Peter Parker, maravilhosamente abordado por um confiante e cativante Tom Holland, é um menino franzino e nerd do ensino médio com dificuldades para chegar na garota que gosta e que calha de ter sido picado por uma aranha radioativa, ou geneticamente modificada, a gosto do freguês, e desenvolvido superpoderes.

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Mas não se engane, apesar de ser uma coprodução entre Sony e Marvel, este é um filme com o DNA da Marvel. Toda a mecânica e dinâmica do filme obedecem aos cânones das produções de Kevin Feige (o homem forte do Marvel Studios) e Tony Stark não só está presente no filme, como é a grande figura catalisadora da trama. Não obstante, piadinhas com os vingadores e um easter egg com o Capitão América ratificam a percepção de que este é um filme Marvel.

spider 2Não há problema nenhum nisso. “De Volta ao Lar” é esperto, fluente, tem ótimas cenas de ação e consegue ser tanto um filme de origem ( e você nem se dá conta disso), como um filme teen estrelado por um super-herói improvável.  Essa combinação resulta em sucesso em qualquer dicionário e aqui não é diferente. Como bônus, o Abutre de Michael Keaton, esse grande ator que vira e mexe, de um jeito ou de outro, está às voltas com o universo dos super-heróis no cinema, é o melhor vilão já rascunhado pela Marvel no cinema. Além do mais, sem fazer muito esforço, ele entrega uma atuação diferenciada no contexto dos filmes do gênero mais recentes.

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É impossível não reagir positivamente a “Homem-Aranha: De Volta ao Lar”, um filme muitíssimo bem engendrado pela fórmula Marvel com a expertise de Watts para elaborar conflitos geracionais – e repare como o filme se comunica e no mesmo compasso traduz a juventude de hoje. Mas não é memorável no sentido que o primeiro “Homem-Aranha” (2002) de Sam Raimi foi. Talvez não fosse mesmo o caso. “De Volta ao Lar” é o filme que todos precisavam. Inclusive o “Homem-Aranha”.

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terça-feira, 4 de julho de 2017 Curiosidades, Notícias | 09:00

Cinema brasileiro é celebrado com vigor na nova temporada de “O País do Cinema”

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Programa do Canal Brasil que celebra o cinema brasileiro retorna repaginado e com a apresentadora Fabíula Nascimento ainda mais à vontade no comando das entrevistas

Fabíula Nascimento entrevista Bruno Barreto e Glória Pires no retorno do "O País do Cinema"

Fabíula Nascimento entrevista Bruno Barreto e Glória Pires no retorno do “O País do Cinema”

Relativamente simples, ainda que altivo do ponto de vista criativo, o programa “O País do Cinema” volta para sua segunda temporada nesta quinta-feira (6) no Canal Brasil. “Estamos crescendo junto com essa criança”, disse a atriz Fabíula Nascimento, apresentadora do programa que trata do cinema brasileiro em entrevista ao iG na última semana. “Estou mais à vontade”, admitiu.

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O cenário é novo e a proposta, mais flexível. Além da vocação memorialista do cinema brasileiro, o programa vai tratar de novidades também. Além de revisitar grandes filmes do passado, importantes obras contemporâneas, “O País do Cinema” vai abordar lançamentos. Será o caso da nova versão de “Dona Flor e Seus Dois Maridos”, protagonizado por Juliana Paes, que irá falar com Fabíula sobre o filme agendado para esse semestre.

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Serão 26 episódios neste segundo ano. A coluna já assistiu aos dois primeiros e pôde constatar que, além do cenário vistoso e aprazível a um programa de entrevistas, Fabíula está mais ciente de seu tempo e espaço no programa.

Na estreia, ela recebe Bruno Barreto e Glória Pires para debater “Flores Raras” (2013), filme que tratou do romance da paisagista Lota de Macedo Soares e da poetisa norte-americana Elizabeth Bishop. “Acho que é o seu filme mais diferente”, logo opina Glória. “Eu não queria fazer”, revela Barreto ao contar que o filme foi oferecido a ele primeiramente e depois rodou por diversos diretores antes de voltar a ele.

Selton Melo em cena de "O Palhaço", segundo filme a receber destaque na temporada de "O País do Cinema"

Selton Melo em cena de “O Palhaço”, segundo filme a receber destaque na temporada de “O País do Cinema”

Os dois debatem sobre memórias, divergências e o status quo do filme que chegou em uma época em que a união homossexual era pauta no Supremo Tribunal Federal. “Escancarou sutilmente alguns preconceitos”, observa Barreto antes  de emendar relatos de gente que “não podia imaginar Glória Pires beijando outra mulher”. Para Barreto foi corajoso de Glória fazer este filme, mas não só por dar viço a relação homossexual, mas por ter que atuar em inglês e português e dar conta de uma história de amor muito interiorizada.

“O Palhaço”, de Selton Mello, é o foco do segundo programa. “Esse filme surgiu de uma dificuldade minha, de uma crise com o meu ofício. Eu estava me questionando muito como ator”, recorda Selton. Não é um relato inédito, mas Fabíula sabe que é precioso e estimula Selton a se abrir. É um registro precioso, temperado pela iluminada companhia de Larissa Manoela, que expressa o desejo de cursar cinema em muito por influência do trabalho com Selton. “Ela vai longe”, insiste na generosidade o mineiro que traça um paralelo entre eles, ainda, pelo fato de ambos serem capricornianos.

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Esse olhar para os bastidores de filmes emblemáticos do cinema brasileiro, circunstanciais ou que são descobertos pelo público ali, em um programa de quase 30 minutos, reforça a vocação cultural de “O País do Cinema”, um programa que segue apaixonante e apaixonado.

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terça-feira, 20 de junho de 2017 Análises, Bastidores, Notícias | 19:05

Mau jornalismo afeta agenda feminista com informações equivocadas sobre remuneração de Gal Gadot em “Mulher-Maravilha”

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Informações mal apuradas substanciaram revolta nas redes sociais a respeito da disparidade salarial entre a Mulher-Maravilha e o Superman, mas a história estava mal contada

Superman, Mulher-Maravilha e Batman em cena de "Batman vs Superman" (Fotos: divulgação)

Superman, Mulher-Maravilha e Batman em cena de “Batman vs Superman”
(Fotos: divulgação)

É bem público e ainda mais notório que existe uma abismal diferença nos salários pagos aos atores e atrizes em Hollywood. Desde o Oscar 2015, com aquele emblemático discurso de Patricia Arquette, uma discussão séria e constante capitaneada por atrizes como Jessica Chastain, Natalie Portman, Robin Wright e Jennifer Lawrence tem sido abastecida quase que diariamente a respeito e já há (tímidos) sinais de mudança.

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Na noite desta segunda-feira (19), porém, Hollywood foi tomada de assalto com a notícia de que Gal Gadot recebera US$ 300 mil pela atuação em “Mulher-Maravilha”, um reiterado sucesso de crítica e de público. Já Henry Cavill teria recebido US$ 14 milhões por “O Homem de Aço” (2013). O artigo da edição americana da Elle, embasado em um dado divulgado pela Variety em 2014, detonou uma reação global de achaque a Warner por sexismo. Foi tudo um mal entendido, para dizer o mínimo.  Um reflexo desses tempos afoitos de redes sociais em que se tem como objetivo não noticiar, mas viralizar nas redes.

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Existe, sim, uma diferença alarmante na remuneração praticada por estúdios junto a atores e atrizes, mas aqui, no caso que gerou protestos e indignação de toda ordem, ela não existe. É praxe na negociação de contratos de filmes de super-heróis – o gênero mais abundante e lucrativo do cinema contemporâneo – vincular salários e bônus ao rendimento dos filmes, bem como já alinhar contratos duradouros para três ou mais filmes.

Gal Gadot é a Mulher-Maravilha

Gal Gadot é a Mulher-Maravilha

Os US$ 14 milhões atribuídos a Cavill, que é importante frisar não são passíveis de confirmação, contabilizam bônus por performance de bilheteria de três filmes em que ele surja como o Superman. Além do mais, o orçamento de “O Homem de Aço” foi de US$ 250 milhões, o que permitia certa extravagância na remuneração do elenco, que ainda contou com nomes como Kevin Costner, Russell Crowe, Amy Adams e Michael Shannon. Já “Mulher-Maravilha”, que ainda não superou “O Homem de Aço” nas bilheterias, mas já é percebido como um sucesso, foi orçado em US$ 125 milhões.

Os US$ 300 mil de Gal Gadot, contrato estabelecido nos mesmos moldes do de Chris Evans , o Capitão América, e Chris Hemsworth, o Thor, da rival Marvel, não considera os bônus por performance nas bilheterias. Até porque esses bônus não estão fechados. O contrato também prevê US$ 300 mil de remuneração básica por filme e cobre três filmes. O terceiro sendo “Liga da Justiça”, que estreia em novembro deste ano. Para  o segundo “Mulher-Maravilha”, portanto, um novo contrato será redigido. O valor da remuneração, não estranhem, deve continuar baixo. Para o intérprete, seja ele ator ou atriz, mais vale beliscar o lucro do filme na bilheteria e Gal Gadot já se capitalizou para pleitear cerca de 10% da bilheteria do filme.

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A julgar pela bilheteria de “Mulher -Maravilha”, a atriz receberia por performance algo em torno de US$ 6 milhões, fora os US$ 300 mil da remuneração básica.

Hollywood gosta de ferver seus boatos e um jornalismo cada vez mais impreciso, cada vez mais refém dos humores das redes sociais, vira palha nessa fogueira de vaidades. Pior: a verdadeira demanda por paridade salarial acaba eclipsada à luz de uma patetada como essa.

 

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