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Posts com a Tag Cinema nacional

sexta-feira, 22 de abril de 2016 Bastidores, Filmes, Notícias | 19:12

Novo filme de Laís Bodanzky, “Como Nossos Pais”, vai iluminar dilemas da mulher contemporânea

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Maria Ribeiro no set do filme  (Foto: divulgação)

Maria Ribeiro no set do filme
(Foto: divulgação)

Com estreia prevista para 2017, “Como Nossos Pais”, marca o retorno da cineasta Laís Bodanzky ao cinema. Seu último longa-metragem foi o excelente “As Melhores Coisas do Mundo” (2010). Como de hábito, ela divide o crédito de roteirista com  o marido Luiz Bolognesi.

“Como Nossos Pais”, traz Maria Ribeiro como Rosa, uma mulher de 38 anos que se vê dividida entre os cuidados com as filhas, os afazeres domésticos, o convívio com o marido, e a falta de tempo para si mesma. À procura de sua realização profissional e respostas aos paradigmas observados em sua rotina, Rosa ainda enfrenta uma conflituosa relação com sua mãe, Clarice, interpretada por Clarisse Abujamra. Em meio ao turbilhão de responsabilidades, Rosa começa a questionar seus relacionamentos e sua rotina, e se vê desestabilizada por uma inesperada revelação, que irá despertar nela uma necessidade de mudança. No fundo dessa história que retrata a mulher contemporânea brasileira, questões familiares e paradigmas sociais são colocados à prova.

“Maria dá vida a uma personagem que representa milhares de mulheres que lidam diariamente com rotinas exaustivas e acreditam que estão sozinhas nessa briga. A gente partiu desse mote familiar, mãe e filha, que tem uma relação conflituosa, para construir o filme como uma história de descobertas, reencontros e mudança”, explica a cineasta.

As filmagens se dividiram entre São Paulo, Ilhabela, no litoral paulista e Brasília. Além das duas protagonistas, o elenco tem bons nomes como Paulo Vilhena, Herson Capri e Jorge Mautner.

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segunda-feira, 25 de janeiro de 2016 Curiosidades | 15:19

Cauã Reymond e “Reza a Lenda” são destaque em programa do Telecine Pipoca

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Sophie Charlotte e Cauã Reymond são os convidados de Renata Boldrini no Preview

Sophie Charlotte e Cauã Reymond são os convidados de Renata Boldrini no Preview

Sophie Charlotte e Cauã Reymond são os convidados do Preview, programa sobre as novidades e bastidores do cinema exibido semanalmente na rede Telecine, que vai ao ar hoje, 25 de janeiro. Companheiros de cena no filme “Reza a Lenda”, os dois contaram à apresentadora Renata Boldrini detalhes sobre as aulas de moto-escola que fizeram durante o período de preparação para o filme. Cauã conseguiu a carteira, e Sophie brincou: “Eu não tirei. Porque será?”.

Para as cenas da moto, Sophie contou com dublês e só participou de uma sequência. Já Cauã se aventurou nas gravações com a atriz  Luisa Arraes, a Laura do filme. No longa, que já está em cartaz nos cinemas brasileiros, os dois integram um grupo de justiceiros que rodam pelo sertão de moto com o objetivo de melhorar a vida do povo oprimido da região. O programa vai ao ar hoje, às 20h, no Telecine Pipoca.

Crítica: Mad Max do sertão, “Reza a Lenda” é triunfo do neófito cinema de gênero do país 

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sexta-feira, 22 de janeiro de 2016 Críticas, Filmes | 13:03

“Mad Max do sertão”, “Reza a Lenda” é triunfo do neófito cinema de gênero do País

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Foto: Divulgação

Foto: Divulgação

O cinema nacional se mostra cada vez mais à vontade na confecção do chamado cinema de gênero. Uma produção como “Reza a Lenda” (Brasil, 2016) é a mais cristalina constatação desta nova e bem-vinda fase de nosso cinema. O filme de Homero Olivetto agrega ação e ficção científica de uma maneira tão desamarrada que faz crer que filme de ação é algo trivial no Brasil.

Com ecos de Sergio Leone e influências diretas de “Mad Max”, “Reza a Lenda” é um filme que se distingue mais por sua originalidade e detenção aos predicados do gênero do que por ser um grande filme propriamente dito. Isso, dentro do contexto da produção nacional.  Apesar de não dispor de um orçamento hollywoodiano, o filme de Homero é divertido e objetivo na conjugação dos signos do western.

A ideia de um Nordeste maltratado pela seca e refém de uma religiosidade opressiva é boa demais e a leitura pop que Homero faz dessa realidade denota uma inteligência criativa e um senso de estética que averbam a evolução do cinema brasileiro enquanto modelo de negócio.

Cauã Reymond é Ara, o líder de um bando de motoqueiros que segue as orientações religiosas de Pai Nosso – um sujeito que se mostra um guia espiritual para órfãos em uma terra árida e inóspita.

Tal como Mad Max, Ara é um herói silencioso, pacato e assombrado por dúvidas, hesitações e arrependimentos. Reymond é hábil na construção artesanal do personagem. Com gestos, olhares, expressões e uma postura nervosa, o ator dá a seu Ara a inquietação existencial necessária para que sua trajetória não desapareça em face do inusitado hype que “Reza a Lenda” se configura para uma desacostumada audiência.

Humberto Martins faz o vilão com gosto. Seu Tenório é um homem fiel ao preceito de matar ou morrer. Preferencialmente de matar. Quando seu destino cruza com o bando de Ara, a caçada torna-se um dos grandes sabores da fita.

Há, ainda, um conflito romântico envolvendo as personagens de Sophie Charlotte, namorada de Ara, e Luisa Arraes, uma moça da cidade grande que pode, por vias tortas, significar o fim da seca na caatinga nordestina.

Diversão, violência, sensualidade e clichês nunca rimaram tão bem em uma produção de ação brasileira que poderia ser ambientada em qualquer outra parte do mundo; mas que tem justamente em sua brasilidade, os aspectos que a fazem tão peculiarmente boa.

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segunda-feira, 18 de janeiro de 2016 Críticas, Filmes | 18:46

“Boi Neon” flagra Nordeste moderno e aborda empoderamento feminino e limites de gênero

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Gabriel Mascaro é dos realizadores mais interessantes a emergir no cinema contemporâneo. Prova disso, é a aclamação que seu terceiro longa-metragem, “Boi Neon”, amealhou festivais mundo afora. Com destaque para os prêmios em Veneza, Toronto e Rio de Janeiro.

“Boi Neon” é um filme de inescapável força dramática, ainda que não se escore nos recursos mais tradicionais da dramaturgia para tanto. Mascaro problematiza o corpo e o gênero com a sutileza de um artesão.

Iremar (Juliano Cazarré) é um vaqueiro de curral que viaja pelo Nordeste junto com uma pequena trupe. Ele prepara os bois para as tradicionais vaquejadas (em que sobre cavalos, os vaqueiros precisam alinhar e conduzir os bois para os locais demarcados). Iremar, no entanto, gosta mesmo é de desenhar roupas. Ele sonha em ser estilista de moda. No Nordeste contemplado por Mascaro, Iremar pode até ser excêntrico, mas não é uma ave rara. Galega (Maeve Jinkings), que pertence à mesma trupe, é uma mulher “bronca” na definição de Iremar. Caminhoneira rude no tratamento com as pessoas, ela cede à arte do strip-tease à noite e a roupa que tira é desenhada por Iremar. Há, ainda, Júnior (Vinicius de Oliveira), um rapaz que substitui (Carlos Pessoa) no grupo. A vaidade de Júnior o coloca em frontal deslocamento com a aparência dos homens que vemos por ali.

Foto: divulgação

Foto: divulgação

Esses recortes expõe a verdade que Mascaro quer relativizar com seu filme. Os limites de gênero, impostos lá atrás, estão se dilatando não apenas nas grandes metrópoles. Mas o filme, que mostra este Nordeste redentor, de gente que aspira mais, mas está muito bem com sua rotina, tem mais a revelar com seu minimalismo narrativo e seu desprendimento visual.

O corpo é uma das matérias-primas de “Boi Neon”. Tanto os corpos humanos como os dos animais. Iremar, por exemplo, abriga uma feminilidade no gestual e na relação com Cacá (Alyne Santana), filha de Galega, que não expulsa de seu corpo a masculinidade característica de um homem com seu ofício. Essa contradição do corpo é uma das maiores belezas, na provocação perene que estabelece, de “Boi Neon”.

A imagem é soberana em “Boi Neon”, mas muito das inflexões do filme não estão nelas, mas partem do que elas propõem. Um exemplo disso é o empoderamento feminino. O sexo em “Boi Neon”, tratado com a parcimônia dos amantes experimentados, parece adornado para dimensionar como os clichês do comportamento social já soam deslocados em um Nordeste muito mais moderno do que o pregado a torto e a direito.

Há uma cena de sexo, envolvendo uma mulher grávida, em que o clamor do desejo é correspondido com ternura e delicadeza, mas também muito tesão. É uma cena de sexo quase explícita, em termos gráficos, mas extremamente reveladora de um mundo em transformação. Não à toa, é uma das cenas mais longas do filme.

“Boi Neon” é um cinema de propostas sólidas, de uma reflexão manente e de narrativa delicada. É um filme que precipita seu contexto com inventividade e inquietação. Para quem gosta de cinema, não dá para pedir mais do que isso.

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sexta-feira, 8 de janeiro de 2016 Diretores, Filmes | 14:39

Eu queria resgatar o tempo do sexo no cinema, diz diretor do aclamado “Boi Neon”

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Na próxima quinta-feira (14), estreia no Brasil o filme “Boi Neon”, o mais novo elixir oriundo do cinema pernambucano. Assinado por Gabriel Mascaro, que antes já havia causado sensação com “Doméstica” (2012) e “Ventos de Agosto” (2014), o filme mostra um Nordeste radicalmente diferente da leitura tradicional que se tem da região. Mas não é só.

“Boi Neon” é um filme que pensa o corpo como nenhum outro ousou fazer no cinema recente. Mascaro, com muita sutileza, tateia a questão de gênero, e seus limites cada vez mais dilatados, com imaginação e riqueza visual.

O cineasta pernambucano Gabriel Mascaro na pré-estreia do filme em São Paulo (Foto: divulgação/Imovision)

O cineasta pernambucano Gabriel Mascaro na pré-estreia do filme em São Paulo
(Foto: divulgação/Imovision)

Premiado em Veneza e Toronto e grande vencedor do último festival do Rio, “Boi Neon” é, sob muitos aspectos, representante de um cinema brasileiro mais oxigenado e que pode, e deve, ajudar a transformar o olhar estrangeiro sobre o nosso cinema. Não à toa, o filme fez uma longa carreira em festivais internacionais antes do lançamento comercial no País.

A coluna bateu um papo com o cineasta no dia em que ele apresentou o filme para convidados na capital paulista. Mascaro se mostrou orgulhoso do resultado.  Nada mais justo, já que o filme é maravilhoso, e entusiasmado com as possibilidades para seu rebento daqui para a frente. “Quero que o filme seja descoberto e que chegue ao interior. Quero muito ver quais serão seus efeitos por lá”.

Leia também: Longa brasileiro “Boi Neon” busca contradição do corpo e causa boa impressão em Veneza

Cineclube: Você diria que “Boi Neon” é seu filme mais ousado? Por quê?

Gabriel Mascaro: Eu não saberia dizer. Porque não faria “Boi Neon” se não tivesse feito os outros filmes. É uma experiência muito única. Essa troca com os atores, com a equipe. Certo, posso dizer, é que foi um processo muito rico.

Cineclube: Qual é a sensação de estrear um filme no Brasil depois de uma carreira tão bem sucedida em festivais mundo afora?

GM: Alegria imensa. Ter essa possibilidade de mostrar para as pessoas que o filme é reconhecido. A sensação é de ter fechado esse ciclo.

Cineclube: O corpo e a questão de gênero são muito prementes no filme. Como foi trabalhar isso visualmente e de que maneira você concebeu essa característica do filme para os propósitos narrativos?

GM: O corpo é uma coisa muito forte no filme. É sobre transformação. Ele acumula. Onde os homens estão reapropriando essa ideia do masculino. Tem uma série de novas possibilidades de vivência que estão acontecendo lá (no Nordeste) e que para mim era importante trazer para o filme. O sexo, a urina do Iremar (o filme se demora na exposição desses ritos). O cinema não tem tempo para mostrar um ato sexual do começo ao fim e eu queria resgatar isso.

Cineclube: A quebra de paradigmas parece um norte do filme. Vivemos em um mundo que a relativização é bem-vinda? Seria esse o ponto de encontro da sua filmografia? Eu estou viajando ou é por aí mesmo?

GM: Acho que você coloca uma coisa muito pertinente. Personagens diferentes. Estranhos. Que são exceções. O filme cria ambiguidade e o filme te aproxima desses personagens que a gente acha diferente e escancara a possibilidade de convergência. A ambiguidade está lá apenas para afastar a ideia de normalidade. Viajei mais do que você (risos).

A gente imagina que a cultura do Nordeste é aquele lugar que as pessoas querem ir embora pela dificuldade e tal, nesse filme ninguém quer ir embora. Querem modificar a vida, mas permanecer ali. São personagens que resistem de certa forma. Ousam sonhar sonhos diferentes.

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quarta-feira, 23 de dezembro de 2015 Filmes, Listas | 16:29

Retrospectiva 2015: Os filmes nacionais do ano

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Desnecessário dizer que o cinema nacional está cada vez mais plural, diverso e próspero. De uns anos para cá, porém, essa máxima tem se imposto na medida em que se esmiúça o que foi lançado ao longo do ano.

Ao olhar em retrospecto para 2015 é possível perceber que o maior avanço que o audiovisual brasileiro deu foi em matéria de cinema de gênero. Mas não foi só isso. O Brasil discutiu o pós-Lula em filmes complementares e, em certo sentido, antagônicos (“Que Horas ela Volta? e “Casa Grande”), olhou com carinho para os anos 80, fez filme de arte provocador e filme de arte reflexivo. Lançou terror satírico, adaptação engenhosa de Shakespeare e um documentário reverente a um mestre da linguagem cinematográfica. E Irandhir Santos reinou! Se 2015 é o ano que não acabou, o cinema brasileiro só tem a agradecer.

Foto: montagem/reprodução

Foto: montagem/reprodução

“Que horas ela volta?”

A maternidade como questão social em um Brasil em mutação

“Casa Grande”

O pós-Lula escancara o derretimento da classe média brasileira

“A história da Eternidade”

O Nordeste lúdico e ardente ganha cor, tom e alma

“Califórnia”

Os jovens dos anos 80 mandam um alô para os jovens de hoje

“Permanência”

O passado em transe com o futuro

Foto: Montagem/reprodução

Foto: Montagem/reprodução

“Amor, plástico e Barulho”

Porque os sonhos devem ser perseguidos plenamente

“Últimas Conversas”

A informalidade de um adeus formal a Coutinho

“Obra”

O futuro ensimesmado com o passado

“A Floresta que se Move”

Shakespeare faz mais sentido em português

“Condado Macabro”

Horror gore com sotaque brasileiro

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sexta-feira, 11 de dezembro de 2015 Críticas, Filmes | 18:01

Documentário “Osvaldão” ilumina figura mítica da guerrilha do Araguaia

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Foto: divulgação

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Falar de personagens amplamente conhecidos pela história pode não ser exatamente fácil, mas certamente é mais realizável. “Osvaldão”, documentário que visa iluminar vida e trajetória de Osvaldo Orlando da Costa, o comandante negro da guerrilha do Araguaia e mais um das muitas vítimas da ditadura brasileira, é, portanto, um filme que precisa ser saudado por sua coragem e desprendimento.

O filme, rodado de maneira independente recorreu ao financiamento coletivo na internet para que o lançamento fosse viabilizado em sete cidades brasileiras neste final de semana. Incluindo São Paulo e Rio de Janeiro.

Não há nada no filme assinado pelos diretores Ana Petta (“Repare Bem”), André Michiles (“Através”), Fabio Bardella (“Através”) e Vandré Fernandes (“Camponeses do Araguaia”), que integram o coletivo cinematográfico Gameleira, além do interesse de entender essa figura tão incomum. Osvaldão é, de fato, um personagem mais rico do que um preconceito sugere. Ao deflagrar o passado de Osvaldo, os diretores apresentam um contundente vaticínio contra as mazelas da ditadura, muitas delas ainda enterradas pela má vontade do Estado em assumir o inglório passado.

Não se trata de um filme com um discurso em evolução, no entanto. Há um ponto de vista muito claro ali, mas os realizadores são sábios em não deixar que essa perspectiva se imponha sobre o personagem investigado. Essa generosidade resguarda o filme de críticas oriundas de um posicionamento diverso daquele verificado nas entrelinhas da produção.

Pugilista talentoso, devoto familiar e benquisto pelos amigos, o Osvaldo que surge em “Osvaldão” é muito simpático. Talvez esteja aí o grande problema do filme. O personagem não é problematizado em momento algum. Não deixa de se residir aí, também, um preconceito por parte da realização. Difícil crer que com a variedade de documentos e depoimentos que o filme dispôs, nada tenha se encontrado para instaurar um conflito sequer na pessoa de Osvaldo.

De toda forma, o filme equilibra a reconstituição do cenário político que levou à guerrilha no Araguaia, com a memória de um homem afetuoso, querido e muitíssimo bem lapidado para a atividade política, com uma experiência internacional nada desprezível.

Goste-se ou não de “Osvaldão”, e há mais razões para gostar do que desgostar, é o tipo de cinema que dá gosto de ver no Brasil. Do tipo que milita tanto pela compreensão de um contexto, como por um cinema oxigenado e fora das convenções de mercado.

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quinta-feira, 3 de dezembro de 2015 Críticas, Filmes | 13:56

“Califórnia” trata de sonhos e descobertas da adolescência

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Foto: divulgação

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Quem nunca arranhou os versos da famosa canção de Lulu Santos? “Garota, eu vou pra Califórnia/Viver a vida sobre as ondas/Vou ser artista de cinema/O meu destino é ser star”. “Califórnia” (Brasil 2015), primeiro longa-metragem ficcional de Marina Person, leva para o cinema a brisa redentora ofertada pela música de Lulu. Uma obra não tem nada a ver com a outra, ainda que Marina tenha a perspicácia de incluir a música de Lulu em um momento chave de seu filme.

“Califórnia” é sobre adolescência e, antes disso, sobre ser adolescente nos anos 80. É um filme cativante nas referências culturais que carrega e musicado na maneira como se comunica com o espectador – especialmente se ele tiver sido adolescente nos anos 80.

Estela (Clara Gallo) quer ir para a Califórnia, onde mora o tio que tem um contato mais direto com uma cena cultural que fascina Estela. O surgimento da MTV, David Bowie, o cinema americano, etc. Daí se justifica a Califórnia do título, na materialização desse sonho dourado que o estado mais rico dos EUA representa para muita gente.

Estela também está apaixonada. Mas todas as dúvidas que circundam uma adolescente apaixonada a atormentam. Essa transitoriedade da adolescência – repleta de questionamentos e momentos de afirmação – constitui um interesse primal de Marina Person. Por meio de alguns recursos visuais, que a princípio podem parecer mera intervenção estilística, Person estipula essas camadas que a personagem vai ganhando – ou se livrando.

Cinéfila da mais fina estirpe, Marina Person pode parecer não querer correr riscos nessa sua estreia na ficção, mas apresenta um cinema jovial, sem ser condescendente, e cheio de personalidade, sem ser discursivo. É, nesse contexto, uma estreia tão sólida quanto entusiasmante.

Há, ainda, a música. Person sabiamente se utiliza da música para refinar o estofo dramático de seu filme e buscar uma conexão sensorial com o público. É pela música que Estela se conecta aos personagens que mais lhe influenciam. O tio Carlos (Caio Blat) e JM (Caio Horowicz), um menino que chega na escola envolto em boatos e preconceitos e vai seduzindo Estela de uma maneira totalmente insuspeita.  É no desenho da relação de Estela e JM que Person melhor coloca seu talento como cineasta.

Um embalo de inocência, desejo, afinidades e carência une os dois e é tangenciado com sensibilidade e ternura pela cineasta. É um recorte que torna “Califórnia” mais universal, menos previsível. Não se trata de uma história de amor com começo, meio e fim. Trata-se de uma busca de outra ordem e que, de alguma forma, tem tudo a ver com o acertado título do filme.

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quarta-feira, 2 de dezembro de 2015 Filmes, Notícias | 12:59

Melhores curtas brasileiros de 2015 ganham retrospectiva na Vila Madalena (SP)

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Para celebrar o que de melhor foi exibido em 2015 em matéria de curtas-metragens brasileiros, o crítico de cinema e curador do festival Cine Vitrine Independente, Christian Petermann, e a produtora Mega Cultural armam exibição gratuita de seis filmes no Epicentro Cultural (Vila Madalena). O evento acontece no dia 11 de dezembro, a partir das 19h. A noite será embalada por uma seleção especial de trilhas sonoras de clássicos do cinema, e um bar estará à disposição com bebidas e comidinhas.

Foto: divulgação

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“Esses curtas apontam para uma diversidade estética e narrativa que muito caracteriza o audiovisual brasileiro”, opina Petermann que já escreveu para Folha de São Paulo e revista SET.

Os filmes que compõe o evento são os seguintes:

“Até a China”, de Marcelo Marão. XIX Festival Cine-PE (Prêmios: Melhor Roteiro, Melhor Filme pelo Júri Popular e Melhor Filme pelo Júri Oficial). 23º Festival Internacional de Animação Anima Mundi (Prêmios: Melhor Filme Brasileiro RJ + SP e Prêmio BNDES).

“Corço”, de Rafael Vascon. Premiado no III Recifest – Festival de Cinema da Diversidade Sexual e de Gênero, prêmio ABD/Apeci . Realização em parceria com a AIC (Academia Internacional de Cinema).

“Cordilheira de Amora II”, de Jamille Fortunato. Prêmios do Júri Popular e na categoria Documentário na Mostra Audiovisual de Dourados em 2015; Melhor Documentário em Curta e Prêmio ABD-SP no É Tudo Verdade – Festival Internacional de Documentários em 2015.

“Tarântula”, de Aly Muritiba e Marja Calafange. Prêmio – Melhor Roteiro, Melhor Ficção e Melhor som no 13º Curta Santos; Melhor Direção de Arte no 48º Festival de Brasília do Cinema Brasileiro e no 22º Festival de Vitória; 25º Curta Cinema, Festival Internacional de Curtas do Rio de Janeiro – Prêmio Especial do Júri; exibição nos festivais de Veneza e Biarritz.

“Virgindade”, de Chico Lacerda. Premiado no III Recifest – Festival de Cinema da Diversidade Sexual e de Gênero, melhor filme da mostra competitiva pernambucana segundo o júri oficial. Realização do coletivo Surto & Deslumbramento.

Cine Vitrine Independente é um festival semestral com mostra competitiva de curtas e médias-metragens que está em processo de reformulação para retornar às atividades regulares em 2016. Para manter a tradição, este será um formato compacto do evento.

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sexta-feira, 2 de outubro de 2015 Críticas, Filmes | 20:57

“Mate-me por favor” aborda repressão sexual a partir do contato com a morte

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Cena do filme "Mate-me por favor"

Cena do filme “Mate-me por favor”

Um close demorado na face de uma mulher. Corta. Ela corre desesperada de alguém, tropeça e grita. Esse prelúdio, filmado com incomum estilização no cinema brasileiro recente anuncia um filme que evita as soluções fáceis. “Mate-me por favor”, estreia na direção de longas-metragens da carioca Anita Rocha da Silveira, é um poderoso comentário acerca das circunstâncias do desejo e de sua repressão. O filme tem como pano de fundo um caso de serial killer a desovar corpos de jovens bonitas em terrenos baldios da Barra da Tijuca, bairro nobre da Zona Oeste do Rio de Janeiro. O interesse da cineasta, no entanto, reside na maneira como o caso afeta Bia (Valentina Herszage) e suas amigas que travam aquele tipo de amizade inseparável tão comum à adolescência.

Bia se vê infligida por uma súbita curiosidade de experimentar com o seu corpo. Esse desejo encontra uma barreira no namoradinho que parece mais suscetível às influências religiosas do que Bia. Mesmo assim, ele cede a algumas das investidas de Bia (em um dos muitos recortes sobre o verniz hipócrita de nossa sociedade ofertados por Anita), que logo parte para experimentações mais extremas.

“Mate-me por favor” valoriza os contrapontos e, nesse sentido, a relação da jovem com suas amigas – todas pinceladas com propriedade pelo roteiro de Anita, ganha relevo para além dos dramas individuais. O irmão de Bia, João (Bernardo Marinho), imerso em uma relação que jamais excede o campo virtual, é outra sutileza da cineasta que propõe um olhar revisionista ao Rio de Janeiro.  Da Barra da Tijuca filmada de maneira quase abstrata ao uso contumaz do funk, como alegoria, mas também como expressão da cultura local, a cidade é um personagem tão ou mais hermético do que Bia em sua recém-implementada divagação existencial.

Sem obedecer à lógica de um só gênero, a cineasta se permitir flertar com a sátira aqui e ali, mas adorna seu filme de uma atmosfera de terror filtrada de clássicos de David Lynch como “Veludo azul” e “Twin peaks”.  Apesar da temática, “Mate-me por favor” não é um filme fatalista. A morte jamais surge como um desejo absoluto, mas como um traço de um desejo muito mais complexo, incandescente e ruidoso.

A cena final, daquelas de tirar o fôlego da plateia e ampliar o significado de todo um filme, é das coisas mais impactantes produzidas no cinema recente. Anita Rocha da Silveira é, indubitavelmente, um nome do cinema nacional para se acompanhar de muito perto.

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