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sexta-feira, 9 de junho de 2017 Críticas, Filmes | 19:50

Vaca em crise existencial é trunfo do hermético “Animal Político”

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“Animal Político” já recebeu prêmios em muitos festivais e é a melhor estreia das salas de cinema do Brasil neste final de semana

animal político

Existem filmes que investem na sutileza ao fazer um comentário político ou social. Não é o caso de “Animal Político”, estreia da vez da Sessão Vitrine Petrobras, que estreia em diversas capitais brasileiras. Dirigido por Tião e rodado entre 2010 e 2013 em Pernambuco e na Paraíba, o filme tem como protagonista uma vaca em crise existencial. A opção é legítima, corajosa e desestabilizadora, pois propõe um distanciamento do olhar do espectador para as banalidades de seu cotidiano. Do ponto de vista discursivo é um triunfo, narrativo nem tanto. Há certas barrigas que apenas um olhar lúdico pode contemporizar.

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A vida do protagonista é confortável. Infância feliz, quase nenhuma doença – um par de cáries aqui e ali – família participativa, um bom emprego, mas a sensação de vazio se agiganta. Não é uma trama estranha ao universo de quem se interessa por dramaturgia. Seja ela no cinema, na televisão, na literatura, etc. O que difere “Animal Político” é justamente a ousadia de colocar uma vaca como senhora de uma reflexão capaz de encontrar eco em todos os espectadores.

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animal 11É uma diferença fundamental e que responde pelo que o filme tem de melhor a apresentar – e de mais ingênuo também. É preciso embarcar na viagem proposta pela obra – e o verniz filosófico é potente e bem calibrado. A narração do ator Rodrigo Bolzar para os pensamentos de Cerveja, o nome real da vaca protagonista, nada mais é do que um ensaio de reverberações filosóficas clamorosas.

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A outra presença no filme, humana, mas menos civilizada, que expande a sensorialidade proposta pelo projeto. Há também uma necessária referência a “2001: Uma Odisseia no Espaço”, filme que de certa maneira é precursor de todo o embate existencial encampado aqui. Aspecto interessante a se observar no longa é justamente quando a vaca parece desumanizar-se. Há tanto um componente anárquico – e a piada com o manual da ABNT é simplesmente antológica – como uma ode ao naturalismo do primeiro ato do filme. Valorizando essencialmente a busca pelo sentido da vida, “Animal Político” expõe a citação clássica de Buda em mais um dos grandes pequenos achados que estruturam a narrativa: “A vida não é uma pergunta a ser respondida, mas um mistério a ser vivido”.

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sábado, 3 de junho de 2017 Críticas, Filmes | 09:00

“Mulher-Maravilha” é acerto da Warner em Hollywood, no cinema e na vida

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Com o sucesso de crítica consolidado, o céu é o limite para “Mulher-Maravilha”, o filme que por razões externas à tela grande, coloca a Warner um passo a frente da Marvel na briga de foice entre as gigantes de Hollywood

Gal Gadot é a Mulher-Maravilha

Gal Gadot é a Mulher-Maravilha

É a maior aprovação crítica de um filme de super-herói desde “Batman – O Cavaleiro das trevas” (2008), o paradigma definitivo para o gênero que virou o carro-chefe de Hollywood. “Mulher- Maravilha” detinha até sexta-feira (2) o índice de 93% de aprovação no Rotten Tomatoes, agregador de críticas na internet. O filme de Nolan ostenta 94%. É um senhor dividendo em um contexto bem adverso.

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É sabido que a Warner vem tentando reiteradamente repetir o sucesso da Marvel. Obsessão tamanha que afetou a qualidade de “Esquadrão Suicida” (2016), que apesar de ter arrecadado mais de US$ 700 milhões, foi percebido como um fiasco. “Mulher-Maravilha”, que era um filme já pressionado por ser o primeiro desse filão protagonizado por uma heroína e com uma diretora no comando, recebeu ainda mais pressão. Esse filme tinha que dar certo.

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Patty Jenkins tinha apenas um filme independente no currículo, “Monster – Desejo Assassino”, que rendeu o Oscar de atriz a Charlize Theron. E lá se vão 13 anos. Jenkins não foi a primeira escolha para o projeto. A Warner escalou Michelle MacLaren, que havia dirigido alguns episódios de “Breaking Bad”, para a empreitada. Mas diferenças criativas com o estúdio provocaram sua saída. Jenkins, que já estava no radar dos estúdios – esteve para dirigir “Thor – O Mundo Sombrio” – assumiu o projeto, o orçamento de US$ 150 milhões e a responsabilidade de corresponder às expectativas de uma agenda feminista que vinha a tiracolo.

Patty Jenkins no set de Mulher-Maravilha

Patty Jenkins no set de Mulher-Maravilha

Para todos os efeitos, “Mulher-Maravilha” é um filme que opera dentro da margem de segurança. Do estúdio – e este é um filme de estúdio – , da referida agenda feminista – há ótimas piadas para agradar a militância – e à audiência convencional do gênero – os clichês estão todos lá, dos vilões às cenas de ação, passando pelo romance. Mas Patty Jenkins tem muitos méritos. O cuidado com as arestas da narrativa é o principal deles. O que parecia fora do tom e do eixo nas produções assinadas por Zack Snyder (“O Homem de Aço” e “Batman vs Superman”) surge como aspecto positivo aqui. Outro acerto foi a dimensão do humor na fita. Jenkins resiste à tentação de emular a Marvel e consegue fazer um filme que não é pautado pelo humor, mas que ainda assim é bem humorado.

Fotos: divulgação

Fotos: divulgação

“Mulher-Maravilha” não é um candidato natural ao clube do bilhão, cada vez mais inflado, mas diferentemente das últimas produções do universo DC no cinema, deve ser percebido como um sucesso. A marca de US$ 600 milhões globalmente é tangível e qualquer coisa além será a confirmação de um sucesso irrepreensível. Fato corroborado, claro, pela boa vontade dispensada ao filme. Não fosse bom, “Mulher-Maravilha” poderia representar um retrocesso nessa pauta que hoje move Hollywood – a da igualdade de oportunidades e remuneração entre os gêneros.

Não é um filme para 93% de aprovação no Rotten Tomatoes, mas é compreensível o entusiasmo com ele. Além do excelente trabalho de Jenkins, a outra grande responsável pelo sucesso do filme é a atriz Gal Gadot. Ela é a Mulher-Maravilha que eles e elas pediram a Deus. Um filme que chega (bem) perto de agradar gregos e troianos merece o confete.

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quinta-feira, 25 de maio de 2017 Críticas, Filmes | 13:44

Sátira das tensões raciais, “Corra!” une comédia ao terror com excelência

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Filme não reinventa a roda, mas consegue preencher clichês de um significado incomum em produções do gênero. Com “Corra!”, Jordan Peele se fia como um artista a se observar no cinema

Cena de "Corra!", filme já em cartaz no Brasil

Cena de “Corra!”, filme já em cartaz no Brasil

A primeira cena de “Corra!”, em que vemos um jovem negro acuado ser sequestrado demonstra que o filme de estreia do ator e roteirista Jordan Peele vai abordar frontalmente as tensões raciais. É justamente a maneira surpreendente e sedutora com que o faz que torna esse hit do cinema independente, que chegou com pompa às salas brasileiras, algo tão atraente e inteligente.

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Chris, a revelação Daniel Kaluuya, está se preparando para passar o fim de semana na casa dos pais da namorada, a doce, compreensiva e aparentemente defensora das minorias Rose (Allison Williams, de “Girls”). Ansioso e apreensivo, ele joga a pergunta: “Seus pais sabem que eu sou negro?”. Ela acha fofo, faz graça e tenta tirar o peso dos ombros do boy. “Corra!”, que se define como uma comédia de horror, gênero incomum, mas que quando dá o ar de sua graça costuma arrebatar, é melhor quando trata o racismo pelo viés da sátira e acredite: a sátira aqui é potente!

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Chegando à casa dos pais de Rose, Cris estranha de antemão a postura dos empregados negros da casa. Mas o pai de Rose (melhor papel de Bradley Whitford em anos), um neurocirurgião cujo pai perdeu a classificatória olímpica para Jesse Owens – aquele que humilhou Hitler em Berlim – se apressa em dizer que votaria em Obama para um terceiro mandato. O segundo ato do filme é todo ele dedicado a desmascarar nossos impulsos racistas velados e é um deleite a maneira como Peele os esquematiza.

A mãe de Rose, vivida pela sempre competente Catherine Keener, é uma psiquiatra que se orgulha da capacidade de hipnotizar as pessoas. Aos poucos, Peele vai nos ensejando que aquele clima de estranheza na verdade é um clima de muita hostilidade disfarçada e, sensitivo, Chris começa a reagir a isso.

Uma reunião informal: "Corra!" trata das tensões raciais que fingimos não existir

Uma reunião informal: “Corra!” trata das tensões raciais que fingimos não existir

Não é exatamente surpreendente a curva que o filme toma em seu terceiro ato, uma referência óbvia aos mais experimentados no gênero é “O Albergue” (2005), o terror gore de Eli Roth, mas o viés satírico da trama e a talentosa arquitetura narrativa de Peele fazem de “Corra!” um bicho de outra natureza.

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Produzido pela mesma Blumhouse que reabilitou a carreira de M.Night Shyamalan e entregou alguns dos filmes mais interessantes do gênero, “Corra!” ganha pontos por incorporar um discurso necessário, sem soar militante. É cinema de entretenimento, mas com vigor e reverberação.  A maneira como trata da fetichização do corpo negro é um assombro.  É um filme tão bem resolvido com seu tema, que extrai os momentos de maior terror e opressão de cenas aparentemente banais.

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terça-feira, 16 de maio de 2017 Críticas, Filmes | 15:43

“Taego Ãwa” permite que índios narrem a própria tragédia

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Novo lançamento da Sessão Vitrine Petrobras, “Teago Ãwa”, não é um filme de entretenimento, mas uma tese apaixonada sobre um Brasil que se perdeu

Cena do filme "Taego Ãwa"

Cena do filme “Taego Ãwa”

É fato que “Taego Ãwa” será um filme pouco visto, mas é importante como brasileiro que falemos dele. Não só por ser o primeiro filme goiano a ser distribuído comercialmente no País em 20 anos, mas por dispensar um necessário olhar à causa indígena. Causa esta que reveste e preenche discursos políticos, geralmente inseridos no espectro mais à esquerdada sociedade, mas que muito raramente avança ao discurso. O filme faz parte do projeto Sessão Vitrine Petrobras e já está em cartaz nos cinemas a preços promocionais.

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Os irmãos cineastas Henrique e Marcela Borela investiram mais de 12 anos na feitura de “Taego Ãwa”. Foi através de cinco fitas VHS com registros dos índios Ãwa, mais conhecidos como Avá-Canoeiros do Araguaia, achadas numa faculdade, que Marcela e Henrique deram início ao projeto. A partir daí, encontraram outros materiais e foram em busca daquele povo, investigando a fundo a origem e a trajetória dos Ãwa até aqui, inclusive o passado de enfrentamento com os brancos, o histórico de reclusão, a luta por demarcação de território e pela restituição das terras.

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No longa-metragem, o grupo Avá-Canoeiro do Araguaia narra sua trajetória de desterro, cativeiro e luta pela reconquista de sua terra tradicional, também chamada Taego Ãwa – que leva o nome da primeira mulher de Tutawa, Taego, que é mãe de Kaukama – ela que por sua vez é mãe, avó e bisavó de todos os Avá-Canoeiro do Araguaia que nasceram após o contato de 1973. No contato, realizado pela FUNAI, os Ãwa foram retirados à força da Mata Azul e de pois foram enjaulados e expostos para visitação pública. Boa parte do grupo morreu de doenças alheias. Os remanescentes acabaram entregues aos Javaé – ocupantes de uma terra vizinha ao território Avá-Canoeiro. Tutawa, capturado ainda jovem pela frente da Fundação Nacional do Índio (Funai), morreu em 2015 sem ao menos ter o direito de ser enterrado no último refúgio de seu  povo antes do trágico contato: o Capão de Areia.

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Trata-se de um filme essencialmente contemplativo. Há poucos diálogos e muita observação. Aos poucos os índios, todos civilizados, vão ficando mais à vontade com a câmera. Há uma cena, em que se deixam filmar fazendo uma pintura corporal, que mostra o choque geracional. Tutawa diz: “eu não tenho vergonha de mostrar meu pênis como vocês”. É um momento simples, fortuito até, mas que revela toda a tragédia não só dos Ãwa, mas dos índios no Brasil.

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terça-feira, 25 de abril de 2017 Críticas, Filmes | 12:59

Sensível e bem-humorado, “O Novato” aborda bullying escolar com propriedade

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Filme francês já está em cartaz nos cinemas brasileiros e acerta em cheio com sua trama sobre amizade e os dissabores do convívio escolar

A turminha de losers de O Novato: filme cativante

A turminha de losers de O Novato: filme cativante

Em meio a todo o debate sobre bullying provocado pela série “13 Reasons Why”, um belo filme francês estreia nos cinemas brasileiros e passa praticamente despercebido – embora agregue muito valor ao debate ensejado pela série da Netflix. Trata-se de “O Novato”, que foi exibido no festival Varilux de 2016 e que estreia agora em circuito comercial distribuído pela Bonfilm.

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Em cartaz em São Paulo, Rio de Janeiro, Belo Horizonte, Curitiba e Niterói, “O Novato” acompanha Benoît (Réphaël Ghrenassia), jovem recém-chegado em Paris, que se esforça para se enturmar no colégio. O longa de Rudi Rosenberg ilumina uma problemática contumaz no tecido social que é o bullying, mas não o faz de maneira protocolar. Há muita sutileza e sensibilidade na maneira com que Rosenberg aborda não só os conflitos de Benoît, mas também daqueles que gravitam seu universo.

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Ainda que apressado, o rótulo de “Glee francês” não é inacurado. O filme trabalha, e bem, o conceito de ser um loser e de se sentir um em um ambiente predominantemente hostil.

Cena de O Novato: desilusão amorosa

Cena de O Novato: desilusão amorosa

Benoît faz amizade com a sueca também recém-chegada Johanna (Johanna Lindstedt), mas logo a menina se atrai pela turma bagunceira de Charles (Eythan Chiche) e deixa o novato em segundo plano. Na intenção de ajudar o sobrinho a fazer novas amizades, o tio de Benoît tem a ideia de fazer uma festa para a classe inteira. O que o menino não esperava era que a partir daí encontraria o seu verdadeiro grupo.

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A leveza com que trata temas duros e olhar otimista e esperançoso que dispensa para uma das fases mais conturbadas da vida dá a “O Novato” não só relevância, mas eficácia dramática. Filme e personagens vão de encontro a mais hypada “13 Reasons Why” e se firmam como um valioso contraponto para um debate inesperado, mas necessário.

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terça-feira, 18 de abril de 2017 Filmes | 19:26

“Velozes e Furiosos 8” dá protagonismo absoluto da série a Vin Diesel

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Franquia dá partida em nova trilogia que deve ter Vin Diesel como protagonista absoluto e aposta maior no humor. Filme já estraçalhou recordes em seu primeiro fim de semana em cartaz

Vin Diesel e Charlize Theron em cena de "Velozes e Furiosos 8": filme bateu recorde de "O Despertar da Força" e é a maior bilheteria de abertura da história

Vin Diesel e Charlize Theron em cena de “Velozes e Furiosos 8”: filme bateu recorde de “O Despertar da Força” e é a maior bilheteria de abertura da história

É louvável o esforço criativo que produtores e roteiristas de “Velozes e Furiosos 8” fizeram para que o filme funcione dramaticamente e dentro da franquia. Não é fácil dar torque a uma série tão longeva e que já passou por tantas reinvenções. Chris Morgan, responsável pelo roteiro desde quando Vin Diesel voltou à franquia, em “Velozes e Furiosos 4”, revirou o passado de Dominic Toretto (Diesel) para armar o conflito central do novo filme.

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Em “Velozes e Furiosos 8” Dom se volta contra sua “família” e a razão de fazê-lo, chantageado pela ciberterrorista Chyper (Charlize Theron), é um desses arranjos que Morgan propõe. Há outros e todos eles funcionam com a condescendência do espectador, que já a utiliza para tolerar os exageros e excessos envolvendo as cenas de ação, cada vez mais espetaculares e amalucadas.

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É dramaticamente eficiente ver Toretto, um personagem que foi apresentado ao público como vilão, instigado a voltar à criminalidade. Por outro lado, trata-se de um subterfúgio narrativo, já que o público sabe logo que ele está sendo chantageado e o elemento que qualifica a chantagem. De todo modo, a premissa serve a outro propósito, a de viabilizar Diesel como protagonista absoluto da franquia. Com a morte de Paul Walker, seu personagem é referenciado algumas vezes no novo filme, esse era um dos caminhos a se seguir – uma vez que já temos dez filmes da franquia confirmados. Outra possibilidade era abrir o show para os coadjuvantes. Morgan é esperto e trabalha bem com essa possibilidade. Além do Luke Hobbs de Dwayne “The Rock” Johnson, os personagens de Jason Statham e Kurt Russell ganham em importância e apelo no oitavo filme.

A trupe de coadjuvantes reunida: elenco maior e melhor

A trupe de coadjuvantes reunida: elenco maior e melhor

A flexibilidade entre mocinhos e vilões sempre foi um dos elementos vitais da série e a atual fase da franquia capitaliza isso muito bem. A personagem de Charlize Theron, por exemplo, que apesar de surgir só agora já dava as cartas pelo menos desde o sexto filme – pelas atualizações propostas por Morgan – tem potencial para ser a vilã principal dessa nova trilogia.

Theron, aliás, é um dos acertos do filme. Se Statham capricha no timing cômico e Helen Mirren é um mimo e tanto, a atriz dá a sua vilã toda pujança e canastrice esperadas de um vilão de “Velozes e Furiosos”. É possivelmente a melhor vilã da franquia.

Kurt Russell, como o Sr. Ninguém, um papa da CIA que trabalha com a equipe de Dom, se diverte em cena e pode muito ser percebido como uma metáfora do público nesse verdadeiro parque de diversões que é a franquia.

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O diretor F. Gary Gray, que já havia dirigido Theron e Statham em “Uma Saída de Mestre” – que também envolvia fugas em carros – , não oferta grandes cenas de ação, mas investe (bem) no humor. Além do mais, sob sua direção, as cenas com carros voltam a ocupar um bom espaço no filme.

“Velozes e Furiosos 8” se resolve como um dos filmes mais divertidos da franquia. Não é nem de longe o melhor, mas ganha pontos por reinventar – mais uma vez – uma série acidental e ostensivamente lucrativa. É um filme para consumir a pipoca com gosto!

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quarta-feira, 29 de março de 2017 Críticas, Filmes | 18:57

História de fantasma em “Personal Shopper” coloca protagonista para encontrar a si mesma

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Novo filme do cineasta Olivier Assayas parte do sobrenatural para permitir que personagem de Kristen Stewart reclame propriedade sobre a própria identidade

Kristen Stewart em cena de Personal Shopper

Kristen Stewart em cena de Personal Shopper

Olivier Assayas é aquele tipo de cineasta que gosta de fazer filmes diferentes. “Personal Shopper”, na superfície, é uma história de fantasma. No entanto, o segundo trabalho do francês com Kristen Stewart, o primeiro rodado inteiramente em língua inglesa, é uma drama algo imaginativo sobre o luto e a necessidade de se achar no mundo.

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Kristen Stewart é Maureen, uma jovem americana que mora em Paris e trabalha como personal shopper de uma badalada celebridade local. Quando tomamos contato com ela, Maureen se aloja por uma noite em uma mansão para tentar contato com uma presença, fantasma ou espírito, como preferir o leitor/espectador. Logo descobrimos que a tentativa de contato fora com seu irmão, que morreu na residência, que está para ser vendida.

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Maureen, a exemplo do irmão, se define como médium. Mas diferentemente dele, ela se mostra pouco à vontade com sua condição. A ideia de exercitar sua mediunidade é um sinal de que está carente dele, da representatividade do irmão em sua vida.

Olivier Assayas no set de Personal Shopper

Olivier Assayas no set de Personal Shopper

Assayas é hábil em utilizar esse mote para fazer elaborações sutis sobre o processo de luto e nada mais específico do que a tentativa de se conectar com um fantasma. Há, ainda, a reverberação a respeito do além vida e de como esse esforço para crer pode repercutir socialmente.

Não obstante, Assayas teoriza sobre o sentimento de inadequação que furta a paz de uma pessoa em certas circunstâncias. A ideia de passar o dia comprando coisas caras e luxuosas para uma estrela e viver em Paris certa vez soou como o melhor dos mundos para Maureen, mas conforme a acompanhamos essa condição passa a incomodá-la cada vez mais.

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Sem o irmão e sem algo que a afirme como pessoa, é como se Maureen tivesse se chocado com uma até então tolerável ausência de identidade. Um indicativo disso é a maneira como a relação dela com o namorado evolui ao longo do filme.

“Personal Shopper” não seria metade do filme que é sem a total devoção de sua protagonista. Kristen Stewart nunca esteve melhor. Ela deixa-se invadir pelo olhar de Assayas com misto de vulnerabilidade e coragem. Uma dicotomia que só grandes atrizes são capazes de elevar e este filme definitivamente existe para justificar que a atriz atinja outro nível de excelência como intérprete. Filme e atriz se fiam na irresolução para se comunicarem intimamente com a audiência.

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quinta-feira, 23 de março de 2017 Críticas, Filmes | 17:34

Perturbador e cheio de clima, “Fragmentado” é novo acerto do cineasta de “O Sexto Sentido”

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Novo filme de M. Night Shyamalan agrada em cheio aos fãs do diretor e deve repercutir muito bem com fãs do bom cinema de suspense

James McAvoy em cena de "Fragmentado", já em cartaz nos cinemas brasileiros

James McAvoy em cena de “Fragmentado”, já em cartaz nos cinemas brasileiros

Depois do elogiado “A Visita”, que selou o retorno à boa fama junto à crítica de M. Night Shyamalan, o cineasta apresenta “Fragmentado”, filme que mantém a estrutura de baixo orçamento adotada pelo indiano em “A Visita”, mas representa uma ousadia formal em termos de narrativa. Há um trânsito desimpedido por gêneros como horror, thriller psicológico, entre outros.

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James McAvoy faz Kevin, um sujeito com 23 personalidades confinadas dentro dele. No filme não temos contato com todas elas, uma opção correta de Shyamalan que foca em cinco delas e perpassa as outras por meio de diálogos plenamente justificados ao longo de “Fragmentado”.

Outra preocupação digna de nota do indiano é fundamentar bem o distúrbio de Kevin para o público. Parte da graça do filme é ir descobrindo essas reminiscências.

Cena do filme Fragmentado

Cena do filme Fragmentado

A espetacular Anya Taylor-Joy (“A Bruxa”) vive uma menina retraída que é sequestrada com duas colegas de classe por Denis, uma das personalidades de Kevin. Diferentemente das colegas, ela parece reagir às circunstâncias de maneira mais fria e aí está armado o cenário para Shyamalan potencializar uma das maiores virtudes de seu cinema: o poder de metaforização.

Estamos aqui falando de monstros da vida real e de suas circunstâncias e tudo na construção cênica do filme lembra arquétipos de vilões que costumam aparecer em filmes de heróis, tudo muito mais soturno e fincado na realidade, é claro. A exemplo do verificado em “A Visita”, os traumas sofridos pelos personagens detém profundo valor dramático. Importante nessa concepção nada acidental é a atuação de James McAvoy. O escocês apresenta aqui um verdadeiro tour de force. Da atenção aos detalhes da caracterização – cada personalidade tem suas peculiaridades – à proeminência das emoções que palpitam conforme a relação entre as personalidades de Kevin, mas também delas com sua terapeuta (Betty Buckley) e reféns, evolui, o ator dá um show à parte.

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Tenso, intrigante e frequentemente surpreendente, “Fragmentado” é, em vários sentidos, um atestado da intransigência de Shyamalan como artista. No melhor dos sentidos. Impecável do ponto de vista narrativo, ou mesmo técnico – e o filme emula uma proposital atmosfera claustrofóbica – o cineasta evoca o passado para alinhar seu futuro de uma forma que vai mexer com a nostalgia dos fãs conquistados em “O Sexto Sentido” (1999) e “Corpo Fechado” (2000).

 

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segunda-feira, 27 de fevereiro de 2017 Críticas, Filmes | 07:50

Vencedor do Oscar, “Moonlight” é rico em subtextos visuais e narrativos

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Vencedor de três Oscars, “Moonlight” é cinema articulado de maneira sensível narrativamente, mas robusta em termos visuais. Para a coluna, Oscar de melhor filme é justo em todos os ângulos possíveis

Trevante Rhodes em cena de "Moonlight"

Trevante Rhodes em cena de “Moonlight”

“Moonlight: Sob a Luz do Luar” não é o melhor filme da temporada de premiações, mas é um filme que merece muito o Oscar de melhor filme. Não por qualquer justiça social depois de duas temporadas de #oscarsowhite e muita dissimulação nas redes sociais. Mas porque é um filme de rara franqueza emocional e inteligência argumentativa.

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A direção de Barry Jenkins, que assina o roteiro a partir da peça de Tarell Alvin McCraney, é das coisas mais lindas do cinema recente. A fotografia de James Laxton, em tons de azul e neon, mescla o calor de Miami à solidão do personagem central Chiron. Jenkis filma o corpo masculino negro como se o penetrasse. O ex-atleta Trevante Rhodes, que estreia como ator dando vida a Chiron na 3ª fase da sua vida capturada pelo filme, é filmado como um muso. Seu corpo fala. Um mérito tanto do ator como de Jenkis. “Moonlight” é esse cinema de subtextos visuais e narrativos.

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“Sob a luz do luar todo menino negro é azul”. “Todo crioulo é uma estrela”. Duas frases pinceladas de momentos distintos do filme. A primeira é daquela que talvez seja a melhor cena da produção. Quando Juan (Mahershala Ali) dá uma lição de vida ao jovem Chiron (Alex Hilbert) que ele só poderia ser capaz de entender por completo muito tempo depois. A segunda é de um verso da música “Every nigger is a star”, de Boris Gardiner, que são as primeiras palavras que ouvimos no filme pouco antes de avistarmos Mahershala Ali surgir em um carro azul.

A condução de Jenkis, misturando imagens que são puro devaneio estilístico, mas que remetem ao estado de solidão de Chiron, com momentos de grande intensidade dramática, adensa “Moonlight” enquanto cinema.

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Uma produção que trata o preconceito racial de uma maneira tão suave e incomum que parece que nem mesmo está falando de preconceito. O grande mérito de “Moonlight” talvez seja essa de ser um filme para se sentir diferente à luz do olhar de cada expectador.

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terça-feira, 21 de fevereiro de 2017 Críticas, Filmes | 13:01

Entre falhas e acertos, “A 13ª Emenda” acena para América mais humanizada

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Documentário, já em cartaz na Netflix, concorre ao Oscar 2017 na categoria e se destaca pelo ponto de vista forte e substancial que a cineasta Ava DuVernay emprega na narrativa

A cineasta Ava DuVernay e o político republicano Newt Gingrich pouco antes de uma das entrevistas do documentário

A cineasta Ava DuVernay e o político republicano Newt Gingrich pouco antes de uma das entrevistas do documentário

“Entender o que é ser um negro nos Estados Unidos é algo que branco algum jamais poderá fazer”, diz o ex-congressista e ex-pré-candidato à presidência dos Estados Unidos pelo partido Republicano Newt Gingrich a certo ponto de “A 13ª Emenda”, fulminante documentário da cineasta Ava DuVernay (“Selma: Uma Luta pela Igualdade”), indicado ao Oscar 2017 de melhor documentário. Este é um momento chave do filme, que parece ungido da missão de convencer o espectador de que a constatação de Gingrich procede.

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O ponto partida de “A 13ª Emenda” é original, relevante e um convite à reflexão. DuVernay se vira para um problema crônico dos Estados Unidos desde a emancipação dos direitos civis na década de 60, quando a população negra após muito sofrimento conseguiu assegurar acesso a alguns direitos básicos: a elevação constante da população carcerária. Desnecessário dizer que neste boom, que ainda hoje está em alta, há preponderância de minorias como negros e latinos.

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O grande mérito do filme não é propor uma reflexão, mas se materializar como um alerta. DuVernay tem uma verdade a defender. A de que a elite branca precisou reagir a 13ª emenda na constituição americana que pôs fim definitivo à escravidão. Era preciso encontrar uma nova maneira de sustentar a economia sulista, toda ela dependente da mão de obra escrava. Esse raciocínio foi evoluindo – e a maneira como o doc trabalha o impacto do filme “O Nascimento de uma Nação” no imaginário cultural da época é um achado – até que o preconceito racial, mais velado à maneira que mais se enraizava, virou uma commodity política que tanto democratas como republicanos exploraram ao longo dos anos.

Cena de A 13ª Emenda (Fotos: divulgação)

Cena de A 13ª Emenda
(Fotos: divulgação)

DuVernay obviamente dá voz a especialistas simpáticos à visão de mundo e do problema que o documentário defende. Mais do que especialistas, grande parte dos entrevistados são ativistas. Não há nenhum problema nisso. No entanto, a fragilidade do filme reside no pouco espaço dado às divergências. Quando um ponto de vista adverso surge, há um tom de ridicularização intermitente. DuVernay peca, ainda, por alterar a sistemática de seu documentário quando Barack Obama assume a Casa Branca. Ela muda os parâmetros até então empregados e prefere atacar a indústria do lobby a submeter Obama ao mesmo escrutínio imposto a Clinton, Bush, Reagan, Nixon e os demais.

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Esse subterfúgio enfraquece o discurso que o filme defende, mas não mina seus méritos. “A 13ª Emenda” é aquele tipo de filme necessário. Que precisa passar nas escolas e que deve estimular todo um debate sobre ele. Entre seus acertos e erros como cinema, salva-se a nobre intenção de contribuir para uma América mais humana.

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