Publicidade

Posts com a Tag Críticas

quinta-feira, 28 de abril de 2016 Análises, Críticas, Filmes | 17:17

Ao despir seus personagens de simpatia, “A Frente Fria que a Chuva Traz” rejeita o óbvio no cinema

Compartilhe: Twitter
Foto: divulgação

Foto: divulgação

Desde o lançamento de “Cidade de Deus”, as favelas ficaram pop no cinema brasileiro. A ideia de discutir a fetichização das favelas passou a ser uma espécie de fetiche do cinema nacional. Filmes como “Cidade dos Homens” (2007) e “Era uma Vez” (2008) são emblemáticos dessas circunstâncias. “A Frente Fria que a Chuva Traz”, baseado em peça homônima de Mário Bertolotto, é mais urgente na abordagem que faz desse deslocamento urbano e social e econômico na construção de sua mise-en-scène.

O filme, que marca o retorno de Neville d´Almeida à direção depois de um hiato de quase 18 anos, dá verniz a esse conceito de fetiche ao expor a natureza hedonista de jovens abastados que se apropriam do espaço da favela por pura diversão. Sutilmente, com o préstimo do afiado texto de Bertoloto, Neville agrega a solidão e receios de outra ordem à equação.

Em cena, há mais do que o desejo do rico de abusar do pobre e do pobre de absorver o rico. Há mais do que a banalização do sexo nos arremedos do jogo social. Não á toa, logo em um dos primeiros diálogos, um personagem admite ter se cagado enquanto desacordado após um porre daqueles. Neville entrega de cara a sua audiência um fato que logo ganhará forma nas pirocas e cús pronunciados a rodo: estamos diante de um cinema transgressivo. Transgredir, para Neville d´Almeida, é recusar a perplexidade. É rejeitar o marasmo que vassala os personagens em cena e que começa a incomodar Amsterdã, magnificamente interpretada por Bruna Linzmeyer. Pobre e viciada, ela se infiltra entre os ricos que curtem a favela como um clube particular e por eles é tratada com a curiosidade e atenção dispensada a um pet.

É o olhar desencantado, mas também cínico, de Amsterdã para todo aquele universo de porcelana que movimenta os melhores momentos de “A Frente Fria que a Chuva Traz”.

A hipersexualização, no filme, é mais um sintoma desse atrito entre classes antagônicas e conflitantes, do que um veículo de expressão da fase da vida desses jovens. Nesse contexto em particular, a opção por não mostrar cenas de sexo em um filme quase todo ele sexualizado, resulta na transgressão maior de Neville: acuar o público em seu próprio desejo desalojado.

O impacto do filme reside majoritariamente aí. No apontamento de quão deslocadas estão as expectativas. As nossas e a de todos os personagens em cena. O prenúncio da frente fria, afinal, desestabiliza tudo e todos.

Autor: Tags: , ,

quarta-feira, 27 de abril de 2016 Análises, Críticas, Filmes | 15:28

Superlativo e humano, “Capitão América: Guerra Civil” é o filme que a Marvel estava devendo

Compartilhe: Twitter
Foto: divulgação

Foto: divulgação

Vamos tirar o elefante da sala. “Capitão América: Guerra Civil” é o filme que os fãs de HQs merecem e que os fãs do universo cinematográfico da Marvel esperavam. O que não quer dizer que seja o melhor filme da Marvel ou mesmo a melhor produção estrelada por super-heróis. Tanto continuação de “Capitão América: Soldado Invernal”, como sequência natural de “Vingadores: A Era de Ultron”, “Guerra Civil” só funciona plenamente para quem estiver inteirado do universo cinematográfico da Marvel, afastando a ideia de experiência plenamente satisfatória que um filme deve despertar individualmente. Isso não é um problema, apenas uma contextualização para início de conversa.

“Guerra Civil” é superlativo. Se permite ser o auge deste universo em constantes evolução e expansão que é o da Marvel e seu maior trunfo é justamente o equilíbrio com que tudo acontece e é apresentado ao espectador. O acirramento político que opõe Steve Rogers (Chris Evans) e Tony Stark (Robert Downey Jr.) não se sobrepõe às angústias que mobilizam esses personagens. Os conflitos emocionais ganham surpreendente relevo em personagens com menos destaque em cena, como T´Challa (Chadwick Boseman), o Pantera Negra, que debuta aqui antes mesmo de ganhar seu filme solo, prometido para 2018.

Foto: divulgação

Foto: divulgação

Joe e Anthony Russo não são competentes apenas na arquitetura visual de “Guerra Civil”, e o filme é deslumbrante das coreografias de lutas às cenas de ação mais “super”, mas na sensibilidade com que fazem deste filme cheio de arestas e personagens algo coeso e vívido. “Guerra Civil” nunca deixa de ser um filme do Capitão América, mas é, também, um produto Marvel com DNA daqueles crossovers que fan boys tanto se amarram. Todos os personagens têm momentos para chamar de seu e com atores calibrados como Robert Downey Jr.,Elizabeth Olsen, Paul Bettany, Don Cheadle e Scarlett Johansson, o filme ganha nesses momentos de respiro, insuspeita humanidade.

Os Russo conseguiram nivelar, ainda, o humor típico das produções Marvel – que aqui ganha força e propulsão com a boa participação do Homem-Aranha (Tom Holland já parece veterano na pele de Peter Parker) – com o indefectível aspecto sombrio que move essa sequência.

O tom político e a discussão sobre vigilantismo talvez não alcancem o ponto dramático necessário, ou mesmo o possível, mas a primeira hora de “Guerra Civil” é das coisas mais empolgantes surgidas nas adaptações de HQ desde “O Cavaleiro das Trevas” (2008). Ali se enraíza uma discussão complexa e profunda que excede os limites do cinema de gênero. Mas o tratamento é apenas como ponto de partida para algo maior, no caso, a fase 3 da Marvel no cinema. Novamente, não há nenhum problema nisso. Trata-se de uma opção narrativa em um cenário macro, como é o universo da Marvel. Opções estas que, aliadas às restrições que a Marvel tem no cinema em relação aos personagens de seu catálogo, também respondem pelas diferenças entre a guerra civil do cinema e a da saga nas HQs.

Aqui o ponto que opõe Rogers e Stark é se os vingadores devem ou não responder a ONU. Há, sim, garantias individuais em jogo, mas não no escopo da série das HQs, em que o governo cobrava que todos os super-heróis revelassem suas identidades. De qualquer forma, o estupor político é suficientemente inflamatório para gerar grandes repercussões entre amigos que compartilham de ideais bastante similares.

No fim das contas, “Capitão América: Guerra Civil” é o filme que a Marvel estava devendo desde que ascendeu ao centro da cultura pop mundial. Pode não significar nada, mas em um momento que a Warner sai a campo com os personagens da DC, significa muita coisa.

Autor: Tags: , ,

segunda-feira, 18 de abril de 2016 Críticas, Filmes | 16:18

“Rua Cloverfield 10” é sopro de originalidade no engessado conceito de franquias

Compartilhe: Twitter
Foto: divulgação

Foto: divulgação

J.J Abrams ainda não tinha o repertório e o prestígio que ostenta hoje, mas já era uma grife quando produziu “Cloverfield” (2008), um filme de monstro que tinha como principal hype o registro found footage. Um grupo de amigos nova-iorquinos registrava o pânico que se estabelecia na cidade quando uma criatura imensa tomava e destruía Nova York. Dirigido por Matt Reeves, o barato “Cloverfield” gerou um baita buzz e muito dinheiro, mas nunca uma sequência.

Nesse mundo de vazamentos e novidades antecipadas na internet, todos se surpreenderam quando o primeiro trailer de “Rua Cloverfield 10” foi liberado há cerca de dois meses na internet. J.J Abrams viu no argumento de Josh Campbell e Matthew Stuecken, a chance de expandir o universo (que até então inexistia) de “Cloverfield”. O filme de 2016, dirigido por Dan Trachtenberg, portanto, não é uma continuação direta do filme de 2008, mas habita o mesmo universo. Essa é uma pista e tanto para quem já tem o referencial do filme original.

Isso posto, quanto menos se souber da trama do novo filme, melhor.

Mary Elizabeth Winstead é Michelle, uma jovem que se envolve em um acidente de carro e acorda acorrentada em um bunker. Um homem corpulento e receptivo à teorias conspiratórias lhe informa que a salvou e que houve um ataque, químico ou nuclear, e que eles não podem sair daquele bunker em hipótese alguma. Não há a quem recorrer.

Howard (o excelente John Goodman) é um tipo estranho, mas no geral aparenta estar bem intencionado. O mesmo pode se dizer de Emmett (John Gallagher Jr.), outro que habita o local. Michelle, por razões óbvias, duvida das boas intenções daquele que considera ser seu sequestrador, mas parece crer mais em Emmett.

Durante boa parte de sua metragem, “Rua Cloverfield 10” é um elaborado estudo sobre a paranoia. A de Howard é a mais clara. Ele sempre foi maníaco por segurança, o que eventualmente o afastou de sua família. Mas o roteiro, supervisionado por Damien Chazelle (“Whiplash: Em Busca da Perfeição”) é hábil em nivelar esse sentimento com os demais personagens em cena e, também, com o público. Será o fim do mundo mesmo? Howard é um psicopata?

“Rua Cloverfield 10”, neste contexto, é um filme muito mais ambicioso, estética e narrativamente, do que “Cloverfield”. Além de promover um feito para lá de ousado nesse cinema contemporâneo tão previsível que é introduzir o conceito de antologia nas cada vez mais imperiosas franquias cinematográficas. É um processo criativo cheio de potencialidades e que, se bem conduzido, pode render maravilhas. J.J Abrams foi desenvolvimentista o suficiente para perceber isso no caso de “Cloverfield”.  O roteiro de Campbell e Stuecken originalmente não tinha qualquer relação com a marca Cloverfield, mas Abrams comprou os direitos do texto e vislumbrou uma boa oportunidade de ousar. Escondeu o projeto até que ele ficasse pronto. “Rua Cloverfield 10” abusa de sua simplicidade e justamente por isso é tão eficiente enquanto suspense. O ato final pode ser frustrante se observado apenas no contexto episódico, restrito a experiência deste filme, mas se analisado no escopo maior, como deve ser, entusiasma pelo fascinante leque que Abrams agora empunha para recontar uma mesma história de maneiras tão diversas quanto cativantes.

Autor: Tags: ,

quarta-feira, 13 de abril de 2016 Análises, Críticas, Filmes | 19:32

“Batman vs Superman” não supera o hype e deixa transparecer improvisos

Compartilhe: Twitter
Foto: divulgação

Foto: divulgação

Depois de muita espera, “Batman vs Superman: A Origem da Justiça” ganhou o mundo com as potencialidades e imperfeições de um projeto erguido de improviso e sob a batuta de um cineasta controverso como Zack Snyder. Controverso porque o diretor de “300” e “Watchmen” inegavelmente é um ás da linguagem visual, mas descuida reiteradamente da integridade narrativa de seus filmes. “Batman vs Superman”, naturalmente, carrega este mesmo estigma.

Orçado em pouco mais de US$ 250 milhões, a pressão por um sucesso no filme que se incumbe de deflagrar o universo DC no cinema é monstruosa. Principalmente depois de “O Homem de Aço” (2013), cuja falha em alcançar a vultosa marca de US$ 1 bilhão nas bilheterias desencadeou o projeto de reunir Batman e Superman no cinema, não ter correspondido plenamente às expectativas do estúdio, a Warner.

Algumas semanas depois da estreia, é seguro dizer que, em matéria de rendimento, “Batman vs Superman” já superou “O Homem de Aço”, mas o respaldo da crítica foi tão insatisfatório quanto.

O grande problema do filme não reside propriamente dito na grandiloquência com que Snyder filma esses Deuses gregos modernos que são Batman e Superman; ou mesmo na construção do conflito entre os dois personagens – de modo geral, bem ritmada e contextualizada. Mas na insistência de Snyder em ter a presença do mal no filme. O Lex Luthor de Jesse Eisenberg parece um decalque do Coringa clássico. Extremamente afetado, o personagem é bom, mas pouco lembra o arquirrival do Superman. Por outro lado, todo o terceiro ato surge equivocado. Desde o apressado e frágil entendimento entre os heróis até a espalhafatosa luta com o Apocalypse.

Foto: divulgação

Foto: divulgação

Mesmo assim, há virtudes. Todo o arco envolvendo o Superman, imerso naquele conflito existencial que ditou toda a ação de “O Homem de Aço”, funciona muito melhor do que no filme em questão. A discussão sobre a divindade do Superman e se ele deveria ou não se submeter a algum tipo de fiscalização do governo merecia um filme à parte. Há muito potencial narrativo desperdiçado em um filme que só se vale dele para nivelar os anseios e angústias destes dois ícones em rota de colisão.

Já a aguardada estreia de Ben Affleck na pele de Bruce Wayne/Batman configura-se mesmo como a grande atração do filme. Ainda que o arco do personagem atravesse o filme com razoável dose de previsibilidade, Affleck dá a seu Bruce Wayne maduro, violento e desencantado a verve de um homem afundado em arrependimentos e com uma agressividade latente. Material que indubitavelmente será mais bem abordado no filme solo que Affleck comandará.

“Batman vs Superman: A Origem da Justiça” se reveste do ônus de costurar a gênese da Liga da Justiça, que ganhará dois filmes nos próximos anos. Essa dispersão também afeta a coesão narrativa da produção, ainda que a degustação da Mulher-Maravilha seja muitíssimo bem-vinda e ajude com o hype do filme.

De todo o jeito, este é um filme que carece de uma visão. De um discurso efetivo. “A Origem da Justiça” parece existir apenas pelo hype e é este o seu pecado definitivo.

Autor: Tags: , , , , ,

segunda-feira, 14 de março de 2016 Críticas, Filmes | 17:42

Com subtexto feminista, “A Bruxa” é um filme de terror que investe no incomum

Compartilhe: Twitter
Foto: Divulgação

Foto: Divulgação

A estreia de Robert Eggers como diretor em “A Bruxa” (EUA, 2015) não poderia ser mais feliz. Seu filme descende diretamente de obras como “O bebê de Rosemary”, de Roman Polanski, e “O Iluminado”, de Stanley Kubrick, em que a atmosfera do medo importa mais do que a estetização do horror. Não espere por sustos em “A Bruxa”, o terror engendrado pela esperta narrativa do filme, esmerada em contos de fadas macabros, é de outra ordem.

A sugestão é a mãe de todos os horrores na trama que acompanha a rotina de uma família, composta pelo pai, mãe e mais cinco filhos que, exilados de uma pequena vila nos Estados Unidos colonizados pela Inglaterra, vão morar às margens dessa civilização em construção, em uma floresta.

O pai (Ralph Ineson) faz o tipo fervoroso, homem plenamente devotado a sua fé e “A Bruxa” deixa logo claro que esse extremismo detonou o banimento da família do convívio social. Tentando estabelecer uma fazenda às margens dessa vasta e imponente floresta, a família se flagra imersa em uma teia de inexplicáveis e cada vez mais aterrorizantes acontecimentos.

À primeira vista, trata-se de uma crescente e intrincada provação dessa fé até então inquestionável, mas conforme a trama avança percebe-se a sofisticação da narrativa de Eggers. Está ali uma valorosa vertente feminista, sobre como mulheres que não se encaixavam nos ditames sociais da época eram apressadamente rotuladas como bruxas – algo que acontece com a filha mais velha, a adorável Thomasin (Anya Taylor Joy). Há, também, a robustez de um drama familiar. Há o desejo inominável entre os irmãos, o ressentimento da mãe que vê marido e filho sequestrados pela juventude da filha mais velha e todo o subtexto religioso. Nesse aspecto, o viés de fábula do filme acaba por reforçar todas essas camadas, tornando “A Bruxa” uma experiência muito mais sintomática do que observacional. O medo é proveniente daquilo que se toma por verdade.

É um filme econômico em suas elaborações, não necessariamente no que tem a dizer. Justamente por isso, a cena final, que assume uma realidade que a narrativa até então mantinha no campo da possibilidade, adquire uma forte conotação.  Não havia alternativa para aquela personagem a não ser aquele caminho. Neste momento, “A Bruxa” se resolve tanto como filme de terror, expondo o real horror das circunstâncias da personagem, como veiculo feminista.

Autor: Tags: , ,

segunda-feira, 29 de fevereiro de 2016 Análises, Filmes | 16:04

Com vitória de DiCaprio e triunfo de “Spotlight”, Oscar reafirma suas apaixonantes contradições

Compartilhe: Twitter
Foto: Getty Images

Foto: Getty Images

Era o ano de Leonardo DiCaprio. Era, também, o ano de Ennio Morricone. Tudo mundo meio que já sabia disso. O Oscar tem seus caprichos e Leonardo DiCaprio, tantas vezes esnobados, teve o privilégio de fazer um relativamente longo discurso de agradecimento sem o inconveniente incômodo da música lhe lembrando da finitude daquele momento de glória.

Morricone, grande compositor que já ganhara um Oscar honorário em 2006, venceu pela robusta e oponente trilha de “Os Oito Odiados”. A bem da verdade, o Oscar da mea-culpa estava armado bem antes disso. Na esteira de toda a polêmica envolvendo a falta de diversidade entre os indicados, o Oscar abraçou a crítica e o mestre de cerimônias Chris Rock foi o arauto do apocalipse ao apontar o quão elitista e segregacionista Hollywood pode ser. Foram muitos os momentos inspirados do apresentador, a começar por seu monólogo de abertura, passando por quadros satíricos envolvendo Jack Black e a falta de representatividade entre os principais filmes concorrentes junto a comunidade negra americana.

Mas caprichosa que é, a academia preferiu o britânico Mark Rylance, egresso do teatro, a Sylvester Stallone, o brucutu que ganhou o coração do povo, entre os atores coadjuvantes. O que dizer da cara de desapontamento de Patricia Arquette quando não anunciou a vitória de Sly? Ou da emoção mais do que platônica de Kate Winslet quando viu o seu eterno Jack voltar a ser o rei do mundo? E o punho cerrado de Michael Keaton para celebrar a vitória de seu filme na principal categoria da noite?

Porque o Oscar, afinal, tem tudo a ver com ciclos, justiças históricas, injustiças perenes, preferências, prioridades e autoindulgência.

Mas foi, também, o ano de “Spotlight”. Filme redondo, bem fundamento dramática e narrativamente, que tinha tudo para prevalecer em um ano de tantas hesitações na categoria principal. Ah, mais é menos cinema do que “Mad Max” e “O Regresso”! Talvez por isso tenha ficado com menos Oscars do que seus dois rivais. Mas é um filme que valoriza a prospecção da verdade. A perseverança dos justos. Que pisca os olhos para um mundo melhor. É, portanto, uma escolha mais emocional do que racional. Algo bem comum em termos de Oscar.

O que não é comum é um diretor ganhar o Oscar por dois anos seguidos. Alejandro González Iñárritu fez, sim, história e ele merece. É um artesão do cinema. Um pensador inquieto de seu ofício e ainda que não fosse o melhor realizador entre os indicados ostentava um trabalho digno do Oscar. Seu colaborador Emmanuel Lubezki venceu pelo terceiro ano consecutivo a estatueta de melhor fotografia por “O Regresso”. Ele havia vencido por “Birdman” em 2015 e “Gravidade” em 2014. Mais um feito histórico alcançado no Oscar deste ano.

Assim, ali entre a história que foi feita e a que por um suspiro deixou de acontecer, a edição de 2016 do Oscar se subscreveu como o sonho dourado que todos os mortais, sejam eles estrelas de cinema, cinéfilos ou meros espectadores, sonham uma vez por ano todos os anos.

Autor: Tags: , ,

quinta-feira, 25 de fevereiro de 2016 Críticas, Filmes | 14:12

Versão com zumbis de “Orgulho e Preconceito” é elogio do empoderamento feminino

Compartilhe: Twitter
Foto: divulgação

Foto: divulgação

A ideia de juntar zumbis e Jane Austen é tão boa que “Orgulho e Preconceito e Zumbis”, a despeito de alguns problemas na produção, viu a luz do dia. O filme de Burr Steers, ator que se aventurou na direção de séries televisivas e agora estreia na direção de cinema, no entanto, é mais uma sátira aos costumes aristocratas da Inglaterra da era vitoriana do que uma paródia gore da febre zumbi na cultura pop.

As irmãs Bennett aqui não são jovens indefesas à espera de um bom homem para casar. São guerreiras treinadas nas artes marciais chinesas, altamente independentes para a época e que não descartam um casamento por amor. “Minhas filhas não foram criadas para trocar as espadas pela cozinha”, diz em um dado momento o Sr. Bennett (Charles Dance) diante do assédio de sua esposa para que as meninas compareçam a um baile para que aumentem suas chances de serem desposadas.

Os zumbis estão ali mais como uma alegoria de uma Inglaterra decadente do que qualquer outra coisa. É da relação fraturada e cheia de resiliências entre Elizabeth Bennett (Lily James) e o Sr. Darcy (Sam Riley) que o filme se alimenta primordialmente, evitando perder de vista a referência à obra original de Jane Austen.

Leia também: Cinderela vira exterminadora de zumbis em nova versão de “Orgulho e Preconceito”

Nesse contexto, “Orgulho e Preconceito e Zumbis” se mostra uma divertida metáfora desse momento de erupção feminista que vive o mundo. Há diversas cenas, que dão viço ao humor negro que recheia o filme, que atestam esta condição.

Está, no entanto, na protagonista que recusa os ditames sociais da época e mata zumbis com uma habilidade incrível, a força dessa insuspeita brincadeira com zumbis que acaba achando um jeito divertido de falar sério.

Autor: Tags: ,

terça-feira, 23 de fevereiro de 2016 Críticas, Filmes | 16:49

História de amor e imigração garantem eficiente melodrama de “Brooklin”

Compartilhe: Twitter
Foto: divulgação

Foto: divulgação

Com roteiro do cultuado Nick Hornby e três indicações ao Oscar (filme, roteiro adaptado e atriz), “Brooklin” pertence àquela linhagem de melodramas de grife. Produção britânica bem azeitada, dirigida com competência, com elenco afiado e uma trama romântica adornando um contexto histórico, no caso o fluxo imigratório da Irlanda para a Nova York dos anos 50.

Saoirse Ronan dá vida a Ellis, uma jovem irlandesa que a irmã consegue providenciar para ir para os EUA. A ideia é que Ellis tenha uma vida que na Irlanda não seria possível.

O filme se desdobra por todas as etapas previsíveis. A viagem problemática e cheia de enjoos pelo Atlântico, a dificuldade de se adequar ao novo ambiente e a descoberta do amor. Para então, com Ellis bem aventurada com sua vida no Brooklin, estabelecer um grande dilema para sua protagonista.

O grande mérito do filme é que ele percorre todo esse arco com muita elegância e reverberação dramática. O roteiro de Hornby é tão eloquente e bem estruturado que é impossível não se cativar pela história. A direção de John Crowley é segura e conscienciosa e Saoirse Ronan é um espetáculo de contenção e ternura em cena. Ela pega o espectador pela mão e não o deixa mais partir.

Não há nada fora do lugar em “Brooklin” e o filme ainda tem pequenos grandes momentos como quando na pensão em que reside, surpreendida pela declaração de amor do rapaz que está namorando, Ellis questiona uma moça mais velha, que já fora casada, se ela gostaria de casar de novo. A resposta da moça, tão sábia quanto graciosa, antecipa o conflito final da personagem e cristaliza um dos grandes dilemas da humanidade. O fascínio que todos nós temos pelo “e se”. Entre certezas e hesitações, “Brooklin” se arranja como um belíssimo filme.

Autor: Tags: , , ,

segunda-feira, 22 de fevereiro de 2016 Críticas, Filmes | 14:15

Grande mérito de “O Quarto de Jack” é extrair encantamento de situação trágica

Compartilhe: Twitter
Foto: Divulgação

Foto: Divulgação

Vencedor do Festival de Toronto, “O Quarto de Jack” (2015) é um feito cinematográfico e tanto. Superficialmente, é um drama sobre uma jovem sequestrada que teve seu filho em cativeiro e recorre à ilusão para tornar a rotina do menino menos opressiva. No âmago, porém, é um exercício cinematográfico requintado e uma ode ao espírito humano.

Dirigido com imaginação e propriedade por Lenny Abrahamson, a partir da adaptação de Emma Donoghue da própria obra, “O Quarto de Jack” tem o mérito de mudar toda a sua estrutura narrativa após 40 minutos de filme e manter-se dramaticamente pulsante e francamente inquietante.

O primeiro ato do filme, ambientado todo dentro de um pequeno quarto, é um tour de force tanto de Brie Larson quanto de Jacob Tremblay. Eles tangenciam a desprovida rotina de mãe e filho com emoção e propriedade. Aqui Abrahsamson trabalha muito bem alguns fundamentos narrativos e, ainda que alguns expectadores possam lembrar de “A Vida é Bela”, o contexto é completamente diferente. Algo que os atos subsequentes deixam mais claro.

No segundo ato, “O Quarto de Jack” se reconfigura completamente. O registro cru, formal e tenso dá vez a um drama robusto, mais insidioso das pequenas fissuras verificadas nos personagens em cena. Trata-se de uma mudança estrutural profunda, administrada por Abrahamson e pelo roteiro de Donoghue com muito equilíbrio e perspicácia.

Mais adiante, o filme avança ainda mais nessa nova dialética e mantém o espectador intensamente conectado com a trama graças aos trabalhos irrepreensíveis de Larson e Tremblay.

O menino de nove anos merece uma menção à parte. Personificar Jack não era uma tarefa fácil. O personagem atravessa muitas fases e se depara com conflitos potencialmente dramáticos em momentos-chave do filme. Não é uma criança sendo uma criança em cena. É um ator, da mais fina estirpe, exercendo sua arte com dedicação e método.  Tremblay dá a Jack toda a fragilidade e inocência características de uma criança e muda as cores dessas características conforme o personagem vai evoluindo dramaticamente. É importante observar que todo filme se constrói a partir do ponto de vista de Jack, aumentando a responsabilidade de Trembay como ator.

Trata-se de um trabalho realmente invejável. Tremblay alcança notas, nuanças de seu personagem e afere força a momentos decisivos de “O Quarto de Jack” com a firmeza de um veterano. Larson, por seu turno, acolhe a complexidade dos conflitos de sua personagem com tremenda presença de espírito.

Ao extrair graça e encantamento de uma situação trágica, “O Quarto de Jack” capitaliza em cima da emoção, uma das grandes matérias-primas do cinema, mas também reafirma o espírito humano. Tão combalido pelo peso de todo o sensacionalismo da vida.

Autor: Tags: , , ,

segunda-feira, 15 de fevereiro de 2016 Críticas, Filmes | 14:14

“Deadpool” presenteia público com humor sem concessões

Compartilhe: Twitter
Foto: divulgação

Foto: divulgação

Você pode encarar “Deadpool” de duas maneiras diferentes. A primeira como um filme que utiliza o humor como um expediente para disfarçar sua pouca profundidade e a falta de uma verve autoral tão comum às mais recentes adaptações de HQs. A segunda, e mais correta, corresponde a um filme que rejeita qualquer concessão e tem no humor, sua principal ferramenta de crítica ao gênero do momento em Hollywood, o filme de super-herói.

“Deadpool” não é o grande filme do ano, mas dificilmente outro vai proporcionar tanta diversão na sala escura em 2016.

A honestidade do filme, que apresenta no cinema o Deadpool das HQs com todas as suas características – sendo a consciência de ser um produto de HQ, no caso, o personagem de um filme, a mais surreal e surpreendente delas – garante o respeito do espectador. Esse espectador pode até se surpreender com o nível das piadas, uma mais suja e sacana do que a outra; e isso é muito bom.  Primeiro porque não costumamos mais nos surpreender de fato no cinema e segundo porque “Deadpool” é um filme que foi concebido como deveria ser e, no final das contas, todo mundo vai perceber isso.

A ideia não é necessariamente descontruir os filmes de super-heróis, mas a estrutura do filme – que é também um filme de origem – acaba fazendo isso. Há piadas de toda sorte e nem mesmo a Fox, que custou a aprovar a produção do filme, é poupada.

A cena pós-créditos, para quem ainda não tinha percebido a sátira ao filme de super-heróis, escancara toda a fórmula que, a bem da verdade, já está cansando.

Wade Wilson (Ryan Reynolds) é um mercenário que após ser diagnosticado com câncer acaba aceitando fazer parte de um projeto genético que ativa genes mutantes. As coisas, naturalmente, não terminam bem para ele que se vê afastado do grande amor de sua vida, Vanessa (a brasileira Morena Baccarin) e com efeitos colaterais que o deixam visualmente horripilante.

Wilson, no entanto, mantém-se abrigado no humor. Sua principal ferramenta para viver os dias. E “Deadpool” é um filme que faz uso inteligente do humor. Outro aspecto que chama atenção no filme é a maneira desimpedida com que a sexualidade do personagem é trabalhada. A pansexualidade (atração sexual que independe do gênero) de Wade Wilson é exposta com gosto e sem frescuras. Outro atestado da coragem do filme em não se submeter a eventuais resistências do público.

Sob muitos aspectos, “Deadpool” é um acerto da perseverança. Ryan Reynolds vivia ostracismo em Hollywood, mas nunca desistiu de fazer o filme que o personagem merecia. Hoje, com a bilheteria acachapante que a produção já contabiliza, o selo de aprovação da crítica e a confirmação da sequência, Reynolds riu por último. Calhou do filme que o personagem merecia ser o mesmo que o público queria.

Autor: Tags: , ,

  1. Primeira
  2. 3
  3. 4
  4. 5
  5. 6
  6. 7
  7. 10
  8. Última