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terça-feira, 29 de dezembro de 2015 Atrizes, Listas | 15:45

Retrospectiva 2015: As dez melhores performances femininas do ano

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Duas brasileiras, estrelas como Charlize Theron e Angelina Jolie, e figuras louvadas como Julianne Moore e Marion Cotillard ostentam as melhores interpretações femininas que chegaram às telas de cinema brasileiras no ano. Confira, a seguir, o ranking do Cineclube.

10- Marion Cotillard (“Dois Dias, Uma Noite”)

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A francesa não precisa se esforçar muito para entrar em qualquer lista de melhores do ano, mas nessa colaboração com os irmãos Dardenne, que valeu nova indicação ao Oscar, a atriz põe à mostra toda a sua musculatura dramática em um filme que depende única e exclusivamente dela para respirar.

9 – Kristen Stewart (“Acima das Nuvens”)

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O show é todo de Juliette Binoche neste sofisticado drama de Olivier Assayas, mas de alguma maneira é Kristen Stewart, como a assistente espirituosa de uma veterana atriz hesitante, que nos hipnotiza. Stewart domina sua personagem com um misto irresistível de cinismo e apreço e nos cativa irrevogavelmente.

8 – Charlotte Rampling (“45 Anos”)

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Não é qualquer atriz que é capaz de mostrar ao esconder e de sugerir com olhares e movimentos aparentemente espontâneos. Charlotte Rampling faz isso e muito mais em uma das atuações mais envolventes do ano. A mulher que, casada, se ressente de sentir ciúme de uma história de amor que o marido viveu antes de conhecê-la, mas que revive em um desfecho cheio de repercussões emocionais no aqui e agora. Um trabalho de minúcias e muita contenção.

7 – Julianne Moore (“Para Sempre Alice”)

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O trabalho que finalmente deu um muito adiado Oscar a atriz é um desempenho em que Moore reafirma seus predicados como intérprete. Capaz de operar nas notas mais altas, mas também de submergir à agonia da personagem, a atriz defende um trabalho menos sutil, mas de muita força e dedicação. Apenas as grandes evitam a caricatura em um registro totalmente propenso a ela.

6 – Camila Márdila (“Que horas ela volta?”)

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Inadvertidamente, a atriz menos notória da lista se fez sentir. Tal como sua personagem no belíssimo filme de Anna Muylaert, Márdila se insinua com desenvoltura em cena e com muito rigor dramatúrgico expõe toda a verdade de sua personagem, uma jovem em colisão com fachadas sociais e hábitos oligárquicos.

5 – Julianne Moore (“Mapa Para as Estrelas”)

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Moore surge em tons surrealistas na pele dessa vaidosa atriz que parece desconhecer os limites do bom senso. Ou simplesmente ignorá-los. Deliciosamente sarcástica, Moore injeta nitroglicerina no histérico filme de David Cronenberg.

4 – Angelina Jolie (“À Beira-Mar”)

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É, sim, uma atuação autocentrada. As câmeras da diretora Angelina Jolie sempre buscam a atriz Angelina Jolie, sempre bem adornada em cena. Mas é, também, uma atuação corajosa. A atriz se deixa influenciar por frustrações pessoais e expõe uma mulher desapaixonada e invejosa em suas pérfidas miudezas, mas sem desatentar das fragilidades que convulsionaram sua autoestima.

3 – Regina Casé (“Que Horas ela volta?”)

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Conjugando momentos de humor e drama, todos conduzidos com muita ternura, Casé vocaliza tanto quanto interioriza com uma composição nada menos do que irretocável. Sua Val é tão familiar que nos pegamos duvidando de nós mesmos e a todo momento problematizando o que vemos na tela. Mérito de uma atriz que sabe sublinhar o componente social demandado pelo argumento, mas não descuida da humanidade de sua personagem.

2 – Emily Blunt (“Sicario: Terra de Ninguém”)

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Combinar brutalidade e fragilidade pode parecer fácil se você pode chorar, gritar ou espernear, mas em “Sicario”, Emily Blunt não pode fazer nada disso. Sua personagem, uma agente do FBI sugada para uma trincheira da guerra às drogas, faz as vezes da plateia de choque em choque ao finalmente entender que nada pode entender de um mundo que parece abduzir o seu. Um trabalho cheio de nuanças e que enriquece o bom filme de Denis Villeneuve.

1 – Charlize Theron (“Mad Max: Estrada da Fúria”)

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Silenciosa, mortífera, sensível, implacável, solidária… Furiosa é um poço de complexidade e fascinação que Charlize Theron abraçou com um desprendimento que queima na tela do cinema. Seu trabalho é totalmente desviado do que se costuma eleger como “uma atuação do ano”, mas não se pode desviar dele.

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segunda-feira, 28 de dezembro de 2015 Críticas, Filmes | 18:32

“Beasts of No Nation” flagra horror em sua forma mais pura

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A opção por não batizar o país africano em que se passa “Beasts of No Nation” (EUA 2015) pode parecer fruto de uma hesitação por parte da realização, mas é, na verdade, um dos muitos acertos desse filme de alto impacto, potência e beleza.

Cary Fukunaga, que além da direção brilhante, assina o roteiro deste que é o primeiro filme distribuído pelo Netflix, observa com olhar desapaixonado a virulência com que se prolifera a violência nos recônditos africanos em constante guerra civil.

A trajetória do menino Agu (o soberbo Abraham Attah), vítima de mais uma entre as incontáveis tragédias familiares que acontecem diariamente em países imersos em conflitos militares e aliciado por um grupo paramilitar, é narrada de maneira crua, concreta e apavorante. Fukunaga, porém, recorre à abstração de Agu para pintar com mais propriedade esse aterrador quadro em que “a única maneira de parar de lutar é morrer”, como teoriza o jovem de alma velha que tanto nos impressiona em “Beasts of No Nation”.

A figura do comandante, que se fia como pai e predador dos muitos órfãos que alicia pelos vastos campos africanos em que combate, é tangenciada por Idris Elba com o horror, afetação e carisma que o registro de Fukunaga demanda.

É, portanto, nas entrelinhas desse conto tão macabro quanto honesto, que o verdadeiro horror se revela. Ninguém se importa com o que acontece nesses países inominados da África. Nessas republiquetas de aluguel que municiam rebeldes e fabricam pequenos demônios. O joguete político é apenas uma manifestação da exploração constante de uma inocência perdida para sempre.

“Beasts of No Nation” se politiza, portanto, ao não politizar. Ao não esfregar na cara a complacência do Ocidente e de seus fóruns estabelecidos (ONU, para citar o exemplo mais óbvio) para com o quadro pérfido que se testemunha em uma África mais selvagem do que aquela mostrada em documentários do Animal Planet, o filme escancara o abandono que a região e seus habitantes enfrentam. O comandante, também ele, é fruto de suas circunstâncias.

Trata-se de um grande filme. “Beasts of No Nation” não é, de maneira alguma, algo remotamente identificável como entretenimento. É um grito surdo na arte que se propõe problematizante de nossa contemporaneidade. E filmado com todo o rigor que um artista seguro de suas convicções pode oferecer. Do ponto de vista intelectual ao plástico, “Beasts of No Nation” é lindo de se ver. Ao realçar o horror com essa beleza oca, plasmada, ruidosa, Fukunaga faz mais do que um filme importante. Faz um testamento de que a arte alcança até mesmo onde recusamos posar nossos olhos.

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Críticas, Filmes | 14:14

Virtuosismo e amor à primeira vista garantem frenesi de protagonista de “Victoria”

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O cineasta alemão Sebastian Schipper, que já pôde ser visto como ator em bons filmes germânicos como “Triangulo amoroso” (2010) e “Corra Lola Corra” (1998), tentou três vezes e conseguiu fazer “Victoria”, premiado no último festival de Berlim, em um único plano sequência de 134 minutos.

Do criativo e frenético “Corra Lola Corra”, Schipper empresta o senso de urgência do registro. Mas para por aí. Se a originalidade irradiava do filme de Tom Tykwer, “Victoria” se sustenta basicamente em seu virtuosismo. E em Laia Costa, dona de uma presença poderosa.

A Victoria (Costa) do título é uma espanhola residente em Berlim a tempo suficiente para já ter um emprego, mas ainda se sentir descobrindo a cidade. Ao sair de uma balada em um belo dia, cruza com um grupo de jovens brincalhões e o interesse de um deles, Sonne (Frederik Lau) por ela parece recíproco. Talvez por isso seja possível acreditar na indulgência com que Victoria vai tratando aquele fim de madrugada. Mais do que a ingenuidade da moça ao perceber que aqueles sujeitos podem não ser tão bonzinhos assim, a faísca da paixão – que floresce em madrugadas nas grandes metrópoles – justifica a permanência de Victoria na companhia do grupo de rapazes depois deles terem tentado roubar um carro e furtado uma loja de conveniência.

A primeira hora de “Victoria” é isso. Um legítimo ‘boy meets girl’ do cinema que se pretende mais naturalista. Depois o filme mostra sua faceta mais ambiciosa. Sonne e seus comparsas vão assaltar um banco naquela manhã – um serviço para um criminoso imponente que providenciou para que a passagem de um dos rapazes pela prisão não tivesse maiores repercussões. De um jeito pouco convincente, mas novamente viável dentro da estrutura de interesse sexual e emocional entre duas pessoas, Victoria se vê arrastada para dentro desse assalto.

Schipper se fia todo em sua estética. É um sobe e desce de escadas, entra e sai de carros e mudança de ambientes constantes. “Victoria” é a excelência da câmera por definição. Não à toa, o nome do operador de câmera (Sturla Brandth) é o primeiro a surgir quando sobem os créditos. Virtuosismo à parte, há muito pouco a atrair em “Victoria” e isso é um problema. O roteiro foi apenas um ponto de partida para a situação dramática que Schipper queria construir cinematograficamente – a tensão pré- assalto, o assalto propriamente dito, a euforia e a tragédia que se seguem, etc. Os atores tiveram liberdade para improvisar nos diálogos em uma experiência narrativa muito produtiva para quem participa do processo. Para quem assiste, nem tanto. “Victoria” é demasiadamente longo para o que tem a apresentar além de seu elaborado, bem urdido e impactante plano sequência.

Infelizmente a sensação é de que a ideia de fazer estatística cinematografia norteou o projeto. Mesmo com sua estética pulsante e ambiciosa, “Victoria” deixa a desejar no mais fundamental elemento de um filme: a capacidade de seduzir a memória de quem o assiste.

 

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domingo, 27 de dezembro de 2015 Atores, Listas | 16:17

Retrospectiva 2015: As dez melhores performances masculinas do ano

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Entre trabalhos sutis e exibicionistas, atores consagrados que há muito não exibiam seu talento, como Johnny Depp e Brad Pitt, e gente que sempre foi talentosa, mas dispunha de pouca chance para brilhar, 2015 foi generoso com os atores e o Cineclube separou as dez melhores performances masculinas que aportaram nas nossas telas de cinema no ano.

10 – Steve Carell (“Foxcatcher – Uma História que Chocou o Mundo”)

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Como o obtuso milionário John Du Pont, o ator mais identificado com a comédia revela um talento dramático todo lapidado. Carell é hábil em demonstrar toda a angústia e insegurança deste homem solitário sem esconder sua vocação opressora. Em uma atuação labiríntica consegue sugerir tudo o que o denso filme de Bennett Miller ambiciona nas minúcias do gestual e do olhar.

9 – Channing Tatum (“Foxcatcher – Uma História que Chocou o Mundo”)

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Muito injustiçado na última temporada de premiações, Tatum entrega aqui uma interpretação condoída e absorvente de toda a hesitação do mundo que seu personagem habita. A fragilidade emocional de seu Mark Schultz é realçada com muita sutileza pelo ator que entrega o melhor desempenho de sua carreira.

8 – Guillermo Francella (“O Clã”)

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Sem o reconhecimento internacional de um Ricardo Darín, Francella lidera o ótimo elenco do novo filme de Pablo Trapero. Em “O clã”, ele dá vida a um sujeito que se recusa a aceitar o fim da ditadura e incorpora com brilhantismo todo o ranço de um dos períodos mais sombrios da história argentina.

7 – Edward Norton (“Birdman”)

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Dar a cara a tapa não é uma coisa fácil. Apenas o desprendimento de surgir em “Birdman” como um decalque de si mesmo, ou da fama que ostenta, ao menos, já deveria valer a Norton algum tipo de menção por aqui. No entanto, o que ele faz é muito mais laudatório. O ator preenche o esnobe Mike Shiner de um niilismo irresistível. O misto de arrogância e insegurança que Norton veste diante de nossos olhos é nada menos do que inebriante.

6 – Bradley Cooper (“Sniper Americano”)

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O patriotismo cego de Chris Kyle é adornado com propriedade por Bradley Cooper, mas é na recusa do personagem em aceitar a repercussão emocional e psicológica desse patriotismo inabalável que Cooper demonstra mais uma vez o grande intérprete que é. Trata-se de um desempenho com muito mais camadas e nuanças do que o olho nu alcança.

5 – David Oyelowo (“Selma”)

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O personagem e o texto ajudam, é verdade, mas o inglês Oyelowo agarra Martin Luther King como se sua vida dependesse disso e eleva a experiência de se assistir “Selma” a um patamar quase que espiritual. É um daqueles casos em que passa-se a associar o intérprete à figura histórica, como Ben Kingsley e Gandhi.

4 – Brad Pitt (À Beira-Mar)

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Contracenando com sua esposa da vida real em um casamento em ruínas na ficção, Pitt dá ao escritor e marido angustiado Roland a dimensão do macho indefeso. Alcoólatra que ainda tenta timidamente alcançar a mulher, o personagem ostenta fraquezas e virtudes, todas realçadas com a devida franqueza e abnegação por Pitt em uma atuação que vai do minimalismo ao ostensivo em segundos.

3 – Johnny Depp (“Aliança do Crime”)

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Johnny Depp emprestou a frase de Betty Davis e mau, em “Aliança do Crime”, se prova muito melhor. Fazia tempo que o ator não surgia em um filme desvinculado de seus tiques e, como um gangster implacável, provoca calafrios na plateia em uma conversa à mesa de jantar. Uma atuação tão interiorizada quanto exibicionista. Um paradoxo que apenas um intérprete tão opulento quanto Depp seria capaz de dar conta, mesmo que para isso tenha que renunciar à opulência que lhe caracteriza. A semântica não dá conta de tanto talento.

2 – J.K Simmons (“Whiplash – Em Busca da Perfeição”)

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Veterano, Simmons finalmente recebeu a atenção que há muito merecia por este filme. Não foi para menos. Ele está hiperbólico, pueril, malvadão, canastra e glorioso em “Whiplash”. Os adjetivos se impõem. Não é possível não se sentir arrebatado pela presença de seu professor de métodos terroristas que só quer louvar à boa música no mesmo compasso em que se ressente de uma sociedade conformista.

1 – Michael Keaton (“Birdman ou a Inesperada Virtude da Ignorância”)

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Não houve nada mais metalinguístico, inteligente e corajoso em matéria de atuação no cinema no último ano do que o trabalho de Michel Keaton em “Birdman”. Isso poderia mimetizar tudo o que há para ser dito sobre seu desempenho, mas seu Riggan Thomson é cheio de energia, arrependimento, tesão, vulnerabilidade e coração. Ator e personagem se confundem e se apartam ante os olhos encantados da audiência. Daqueles desempenhos maiores que a vida.

 

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quinta-feira, 24 de dezembro de 2015 Críticas, Filmes | 12:32

Fetiches sexuais esquisitos movem divertido “A Pequena Morte”

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Paul e Maeve e o desejo dela de ser estuprada por ele entre a felicidade sexual deles (Foto: divulgação)

Paul e Maeve e o desejo dela de ser estuprada por ele entre a felicidade sexual deles
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Josh Lawson, ator mais reconhecido pela participação na série “House of Lies”, conseguiu uma proeza e tanto com seu filme de estreia, o australiano independente “A Pequena Morte” –  que estreia nesta quinta (24) no Rio de Janeiro e na próxima semana em São Paulo. Também roteirizado por Lawson, o filme mostra a rotina de cinco casais do subúrbio de Sidney e a maneira como eles lidam com fetiches sexuais ligeiramente incomuns.

Lawson faz um filme delicado e sensível sem deixar de ser pontualmente chocante. Um mérito e tanto em uma época que o cinema costuma ser tão óbvio e o público, tão anestesiado; principalmente quando o assunto é sexo.

O primeiro casal, formado por Paul (Lawson) e Maeve (Bojana Novakovic), tenta lidar de uma maneira desastrada com o fato de Maeve ter o desejo de ser estuprada por Paul.

Phil (Alan Dukes) e Maureen (Lisa McGune), nosso segundo casal, estão naquela fase do casamento em que um parece não suportar mais o outro. Fase agravada pelo desejo oculto de Phil, que se excita ao ver pessoas dormindo. Naturalmente, sua vida sexual com Maureen é inglória.

Evie (Kate Mulvany) e Dan (Damon Herriman), tentam – com a sugestão de um terapeuta sexual – superar uma crise de atração sexual fingindo serem outras pessoas. Mas Dan parece ir longe demais nessa fantasia.

O caso de Rowena (Katie Box) e Richard (Patrick Brammall) parece mais estranho. Em meio a frustradas tentativas de engravidar, ela descobre que se excita ao ver seu marido chorar. Ela, então, passa deliberadamente a instigar nele a tristeza, o que pode desestabilizar a relação.

Por fim, há Monica (Erin James) e Sam (TJ Power). Ela, uma tradutora para deficientes auditivos de um serviço de vídeo conferência que está ficando surda, ele, um rapaz que liga em uma noite solicitando que ela ligue para uma linha telefônica de sexo.

O que mais cativa em “A Pequena Morte”, uma expressão que vem do francês, um eufemismo para orgasmo, é a maneira sutil com que Lawson relaciona as histórias e as angústias externadas pelas tramas. Não necessariamente na bifurcação, também ela criativa, dos personagens, mas na forma como os dramas desses personagens se impõem. Phil, por exemplo, para se satisfazer acaba estuprando sua mulher, algo que Paul hesita em fazer mesmo sabendo que dará prazer a namorada. Dan se sente tão pouco à vontade consigo mesmo que deseja desaparecer nos breves personagens sexuais que inventa e mantém o ciclo de afastamento de Evie.

Fetiches sexuais incomuns dão a tônica de "A Pequena Morte" (Foto: divulgação)

Fetiches sexuais incomuns dão a tônica de “A Pequena Morte”
(Foto: divulgação)

Surdo, Sam se excita em ouvir sacanagens. Existe toda uma poesia em “A Pequena Morte”, cujo personagem Steve (Kim Gyngell), um criminoso sexual condenado que acaba de se mudar para a vizinhança, se encarrega de tornar mais aguda, disforme e cativante.

Em última análise, a ideia de normalidade, em matéria de sexo, é afastada pelo inteligentíssimo roteiro de Lawson. A natureza episódica da produção reforça o descontrole que pauta nossas vidas quando não conseguimos realizar nossos desejos ou os desejos daqueles que amamos.

O que “A Pequena Morte” demonstra, com afeto, mas também de maneira colérica, é que a satisfação sexual, mesmo a consciência do que a provoca, exige coragem, esforço e desprendimento.

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Filmes, Notícias | 11:33

“Que Horas ela Volta?” é atração deste Natal da Rede Telecine

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Foto: divulgação

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O filme que foi o escolhido pelo Brasil para tentar uma vaga no Oscar, e infelizmente não conseguiu vaga, estreia nesta sexta-feira (25) no Telecine Premium. “Que Horas ela Volta?” será exibido às 22h. O grande destaque recai sobre a curta janela entre o lançamento nos cinemas, em agosto, e o lançamento na TV por assinatura.

Protagonizado por Regina Casé e dirigido por Anna Muylaert, o filme traz à tona a delicada relação entre domésticas e empregadores no Brasil. O abismo entre ricos e pobres é pano de fundo da história da pernambucana Val (Regina Casé), que deixa a filha no Nordeste para tentar ganhar a vida em São Paulo trabalhando numa casa de família. Anos depois, sua filha, Jéssica (Camila Márdila), chega à capital paulista para prestar vestibular. Mas o comportamento libertário da jovem estremece as relações entre Val e seus patrões.

A partir do dia 26 o filme fica disponível no Telecine Play e pode ser visto a qualquer hora, em múltiplas plataformas.

Confira a crítica do Cineclube: “Que Horas ela Volta?” congrega muitos brasis e filmes em narrativa sutil e cheia de belezas

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quarta-feira, 23 de dezembro de 2015 Filmes, Listas | 16:29

Retrospectiva 2015: Os filmes nacionais do ano

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Desnecessário dizer que o cinema nacional está cada vez mais plural, diverso e próspero. De uns anos para cá, porém, essa máxima tem se imposto na medida em que se esmiúça o que foi lançado ao longo do ano.

Ao olhar em retrospecto para 2015 é possível perceber que o maior avanço que o audiovisual brasileiro deu foi em matéria de cinema de gênero. Mas não foi só isso. O Brasil discutiu o pós-Lula em filmes complementares e, em certo sentido, antagônicos (“Que Horas ela Volta? e “Casa Grande”), olhou com carinho para os anos 80, fez filme de arte provocador e filme de arte reflexivo. Lançou terror satírico, adaptação engenhosa de Shakespeare e um documentário reverente a um mestre da linguagem cinematográfica. E Irandhir Santos reinou! Se 2015 é o ano que não acabou, o cinema brasileiro só tem a agradecer.

Foto: montagem/reprodução

Foto: montagem/reprodução

“Que horas ela volta?”

A maternidade como questão social em um Brasil em mutação

“Casa Grande”

O pós-Lula escancara o derretimento da classe média brasileira

“A história da Eternidade”

O Nordeste lúdico e ardente ganha cor, tom e alma

“Califórnia”

Os jovens dos anos 80 mandam um alô para os jovens de hoje

“Permanência”

O passado em transe com o futuro

Foto: Montagem/reprodução

Foto: Montagem/reprodução

“Amor, plástico e Barulho”

Porque os sonhos devem ser perseguidos plenamente

“Últimas Conversas”

A informalidade de um adeus formal a Coutinho

“Obra”

O futuro ensimesmado com o passado

“A Floresta que se Move”

Shakespeare faz mais sentido em português

“Condado Macabro”

Horror gore com sotaque brasileiro

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Críticas, Filmes | 10:29

“Macbeth: Ambição e Guerra” é adaptação protocolar de Shakespeare

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Adaptar Shakespeare, por mais trivial que pareça, em face das inúmeras adaptações que pipocam por aí, não é para todo mundo. O australiano Justin Kurzel, com apenas um longa-metragem no currículo, se julgou apto para o desafio. Não que “Macbeth: Ambição e Guerra” seja um filme ruim. Não é. É apenas protocolar no tratamento que dá a uma das mais complexas, apaixonantes e pulsantes peças do bardo inglês.

Levar Shakespeare ao cinema apenas pela transitoriedade do gesto, pelo hype em si, é uma bobagem. Sua versão de “Macbeth” tem bons predicados. O visual exuberante talvez seja o maior deles. Michael Fassbender como o general tentado por sua ganância que cai em desgraça é outra. Há, ainda, Marion Cotillard desfilando todo o seu talento como Lady MacBeth, mas a atriz é subaproveitada pelo roteiro que adensa o primeiro ato da peça e corre com o terceiro – justamente o mais impactante de todos.

A trajetória de Macbeth está toda lá, mas quem quer que já conheça a peça pode se encontrar flertando com o desinteresse. Kurzel não tinha um desafio qualquer. Afinal, “Macbeth” já havia sido abordado no cinema por figuras como Roman Polanski e Orson Welles. Ao optar por uma visceralidade consternada, reforçando a gravidade do texto, Kurzel finge estar levando Shakespeare a outro patamar. Mas é só fingimento. Afinal, a qualidade, o peso, o pessimismo, o fatalismo vem todo do original. Há algumas soluções visuais que ameaçam resgatar o filme dessa previsibilidade tão maçante quanto presunçosa, mas elas se circunscrevem como um interesse periférico. Jamais reclamam o domínio sob o filme.

Talvez o desafio fosse grande demais para um segundo filme. Talvez a sombra dos trabalhos de Polanski e Welles tenham levado Kurzel a adotar uma literalidade desnecessária. Shakespeare funciona melhor no cinema quando problematizado. Transcrição por transcrição, há expedientes melhores do que o cinema para tanto.

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terça-feira, 22 de dezembro de 2015 Bastidores, Notícias | 13:52

Inspirado em filme francês, “Red” provoca expectador com metalinguagem amorosa

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Quem assiste a primeira cena de “Red”, uma ótima série nacional disponibilizada gratuitamente na internet, pode ter um déjà vu. Aquele diálogo parece de um filme francês. O pensamento não está totalmente deslocado. Em entrevista à coluna, as criadoras da série que já teve duas temporadas, confessaram que “Nathalie X” (2003) foi uma referência forte para o programa.

Em “Nathalie x”, Fanny Ardant faz uma mulher que contrata uma prostituta para seduzir seu marido e relatar tudo para ela. A prostituta em questão é vivida por Emmanuelle Béart. Essa situação tão fetichista quanto frágil acaba aproximando as duas. “Red” imagina o seguinte: e se essas atrizes que estão dando vida a essas personagens tão intensas começassem a sentir algo uma pela outra?

Mel (Luciana Bollina) e Liz (Ana Paula Lima) são personagens complexas e apaixonantes. Cada qual a sua maneira. Reflexo de um texto preocupado com a verdade das personagens e não em firulas narrativas. Vivian Schiller e Germana Bello, responsáveis pela série juntamente com o diretor Fernando Belo, concederam à coluna uma entrevista em que falam um pouco do processo criativo e das referências da série.

Foto: reprodução/Twitter

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Como surgiu a ideia da série? Como vocês tiraram do papel o projeto? Vocês tentaram vender o projeto para algum canal ou sempre pensaram na internet?

Vivian: Basicamente, a ideia surgiu de uma vontade de criar uma história que gostaríamos de ver. O Fernando apostou conosco nesse projeto e assim decidimos abraçá-lo. A ideia inicial era justamente a internet – um meio viral e abrangente por essência.

Germana: A primeira temporada foi feita na vontade mesmo, com praticamente nenhum investimento. A câmera emprestada de uma das atrizes, iluminação improvisada, etc. Todos os envolvidos trabalhando por gostarem da proposta. Desde o início a intenção era criar um conteúdo para a web, um conteúdo nacional mas de alcance global. Até então, não tentamos pitching (vender a ideia para investidores) do projeto.

A qualidade dos diálogos me impressiona. Principalmente pela natureza dos episódios que são curtos. Como funciona o brainstorm de vocês?

Vivian: É muito interessante, porque tanto eu quanto a Germana entendemos que a história precisa seguir o que entendemos ser o melhor e o mais natural para as personagens, mas, ao mesmo tempo, precisamos ter uma criatividade e um poder de síntese enormes. Frequentemente, eu procuro deixar as personagens me guiarem. Costumo deixar que elas contem a história.

Germana: O tempo, de fato, é uma limitação, e levamos essa limitação em conta ao pensarmos tanto o arco da temporada quanto o plot de cada episódio. Trocamos idéias e definimos trama e conflitos até chegarmos a uma sinopse de cada episódio. A criação do roteiro, propriamente dito, e diálogos, principalmente, acabam sendo meio que dirigidos também pelo desenvolvimento dos personagens.

Liz e Mel: dúvidas que não estão relacionadas a sexualidade

Liz e Mel: dúvidas que não estão relacionadas a sexualidade

A bifurcação de sedução e simulação é uma das boas propostas do programa. Afinal, a sedução pressupõe algum tipo de fingimento. Como que foi essa construção na primeira temporada? Da Mel e da Liz levarem uma situação fictícia para a realidade?

Germana: Acredito que a sedução e a simulação acabaram sendo usadas para falar de uma verdade, pois o que esteve sempre em questão foi a verdade de um sentimento, seja entre Mel e Liz ou Scarlet e Simone. Além disso, essa ficção dentro da ficção foi usada também como recurso para falar sobre as próprias personagens, uma vez que Scarlet e Simone, em alguma medida, espelham traços e desejos das protagonistas, Mel e Liz. Na primeira temporada, existe quase que uma inversão de papéis entre as personagens da ficção e da “vida real”.

Vivian: O curioso, na nossa história, é que até na ficção houve a implicação de um sentimento verdadeiro, por atrás da sedução. Pensamos como seria interessante brincar com o imaginário do espectador trazendo realidades paralelas e, ocasionalmente, complementares.

  Assista ao primeiro episódio (“Meia Verdade”) de “Red”

EP1 – Meia Verdade from RED Webseries – Brasil on Vimeo.

Em que sentido, “The L World” é uma referência para a série?

Vivian: Na dinâmica dos diálogos, basicamente. E também nas trocas de olhares. Por vezes, silenciosas. Por vezes, gritantes.

Como foi construir as personagens principais? Quais foram as suas referências?

Germana:  O filme francês “Nathalie” foi o que tivemos como referência principal na criação de Scarlet e Simone. Mel e Liz não tiveram referência direta, acho que surgiram naturalmente conforme conversávamos sobre as personagens.

Existe a preocupação de ser pedagógico em algum nível com a descoberta e aceitação da homossexualidade?

Germana: Diria que não. Nossa preocupação sempre esteve em abordar o assunto de maneira natural, mostrar o amor entre duas mulheres de maneira natural, como deve ser. Aliás, todas as personagens são bem resolvidas com sua sexualidade e nunca tivemos a intenção de ter na descoberta e aceitação da homossexualidade um de seus conflitos. Inicialmente, pode-se ter essa impressão pelo fato da Mel ser casada com um homem, mas já na primeira temporada, ficamos sabendo que ela já se relacionou com mulheres. Desde o início, a Mel foi concebida como uma personagem bissexual. Seu conflito não passa pela sexualidade e sim pelas escolhas de vida que se apresentam a ela. Sua indecisão não é entre um homem e uma mulher, e sim entre alguém que lhe dá segurança e com quem ela tem uma vida planejada e outra pessoa que ela pouco conhece, aparentemente instável e com uma história complicada de vida, mas por quem ela se vê apaixonada.

Vivian: Talvez, de certo modo, a naturalidade com a qual apresentamos a questão da homossexualidade tenha um pouco de pedagogia. Vai saber.

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segunda-feira, 21 de dezembro de 2015 Filmes, Listas | 17:37

Retrospectiva 2015: Os dez melhores personagens do ano

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Foi um ano de muita vaidade e alguma idealização. Pelo menos, é isto o que a listas dos melhores personagens do ano no cinema indica. O Cineclube fez um apanhado dos personagens mais cativantes, fascinantes, inusitados e curiosos que pintaram em nossas telas em 2015 e separou os dez que melhor se posicionaram neste crivo a seguir.

10 – Richmond Valentine (Samuel L. Jackson) em “Kingsman: Serviço Secreto”

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O megalomaníaco vilão de língua presa defendido com gosto por Samuel L. Jackson é um dos maiores baratos do ano. Ele tem pavor de sangue e não suporta cenas de violência, mas quer extinguir a humanidade em favor de um deturpado conceito ambientalista. O melhor vilão de Bond do ano não veio de um filme de James Bond.

9 – Frank (Michael Fassbender) em “Frank”

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Um rockstar que não tira para nada sua cabeça de dentro de uma gigantesca cabeça artificial. O Frank que Michael Fassbender tonaliza com muita sutileza é mais uma construção de John (Domhnall Gleeson), um sujeito que sempre sonhou fazer parte de uma banda de rock, do que o Frank de verdade. A peculiaridade desse vocalista incomum acentua o niilismo do registro. Trata-se de um filme sobre a magia de se produzir música e todas as idiossincrasias que vem com ela.

8- Abe (Joaquin Phoenix) em “Homem Irracional”

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Joaquin Phoenix dá vida a esse professor de filosofia desencantado com a existência. Barrigudo, taciturno, alcoólatra e sucesso entre as mulheres com seu pessimismo crônico. Tudo muda de figura quando ele decide matar alguém e recobra o gosto pela vida. Phoenix, com sua gravidade obtusa, calça o personagem sem afetação e com muita propriedade.

7 – Philip Friedman (Jason Schwartzman) em “Cala a boca Philip!”

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Sob muitos aspectos, o protagonista dessa perola indie Americana é uma derivação de Abe, mas o personagem do sempre hiperbólico Jason Schwartzman é movido pelo egoísmo e não pelo desencanto. Ele não aceita que o mundo não gire a seu redor e esse egocentrismo é posto à prova à medida que a pressão por um novo livro (ele é escritor) se estabelece. Cheio de tiques e resistente a intimidades, Philip é um dos personagens mais estranhos, originais e verossímeis do ano.

6 – Shasta Fay (Katerine Waterson) em “Vício Inerente”

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Larry nunca mais foi o mesmo depois que Shasta o deixou. O detetive deu um tempo na sua brisa para atender um pedido da ex: encontra o atual namorado dela. Katherine Waterson não tem muito tempo em cena, mas faz maravilhas com o que tem. Ela faz com que Shasta seja um mistério incandescente muito mais atraente do que saber o que de fato aconteceu com o rico namorado da personagem.

5 – Isabella Patterson (Imogen Poots) em “Uma Amor a Cada Esquina”

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Trata-se de outra personagem construída. A Isabella, estrela de cinema, que está dando uma entrevista logo na abertura de “Um Amor a Cada Esquina”, delicioso novo filme de Peter Bogdanovich, não é a mesma que vamos descobrindo cena após cena. A brincadeira aqui é com a ideia de Hollywood como um todo, mas também sobre como nossos sonhos podem nos transformar em pessoas melhores. Ela é um oásis em meio a tanto narcisismo na lista.

4 – Havana Sagrand (Julianne Moore) em “Mapa para as Estrelas”

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Totalmente diferente de Isabella, Havana Sagrand é a vaidade em sua mais irresoluta forma. A atriz, incomodada com seu envelhecimento, decide dar um boom na carreira ao viver um célebre papel imortalizado por sua mãe no cinema. Mas há pouco interesse dos realizadores em contar com ela na refilmagem. Na fogueira de vaidades que queima nesse valoroso petardo de David Cronenberg, Havana é das coisas mais geniais, brutais e constrangedoras que existe.

3 – Riggan Thomson (Michael Keaton) em “Birdman ou a Inesperada Virtude da Ignorância”

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Já que a masturbação interpretativa foi grande em 2015, nada mais justo do que o personagem mais falho, apaixonante e contraditório do ano pintasse por aqui. O Riggan construído por Michael Keaton a sua imagem e semelhança é um sujeito inseguro e que não sabe ao certo distinguir ambição de ganância. É um sujeito com medo de ver até onde vai o seu talento, mas com coragem o suficiente para tentar descobrir.

2 – Terence Fletcher (J.K Simmons) em “Whiplash – Em Busca da Perfeição”

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O professor que se recusa a formar músicos medíocres foi, sem dúvida, um dos personagens mais chocantes do ano. Divertido em seu sadismo incontido, Fletcher e seus métodos para lá de incomuns dividem opiniões. É louvável sua disposição de romper com as convenções de uma sociedade complacente, mas o custo pode ser alto demais. Simmons, oscarizado por seu desempenho, dá ao personagem a necessária complexidade.

1 – Furiosa (Charlize Theron) em “Mad Max: Estrada da Fúria”

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O filme se chama Mad Max, mas quem se importa? O mais explosivo, sensacional e impactante filme do ano é todo dela. Imperator Furiosa. O nome já a tira do lugar comum e Charlize Theron a vive com o misto de gana e excentricidade necessários para cravar a personagem no coração da cultura pop. Nada mais justo do que o topo do ranking do Cineclube.

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